今回の記事は、またしても個人的なメモのようなもので、他の人が読んでも役に立つかどうか分かりません。

人生に必要な費用についてです。

人生に必要な費用は6000万円

私はこの前、自分の生活費が月にいくらくらいかかるのか計算してみました。
15万5千円くらいでした。

そして、最近リモートワークが基本になってきて、あまり出社しなくて良くなったので、この際都心を離れてちょっと郊外に引っ越すことにしました。
生活費を抑えるには家賃などの固定費を削るのが手っ取り早いですから、相当家賃が安い所を選びました。
今までは家賃が59,000円でしたが、引っ越し先は27,000円です。（安い）

家賃が3万円くらい減ったので、生活費も月に12万5千円くらいに減る予定です。

内訳はこんな感じ↓

健康保険が安かったり年金ゼロで計算してるのは、仮に完全にニート状態だった場合の生活費として計算してます。（収入があるともっと高くなります）

私は自分でも結構生活に金がかからない方だと思います。
なんか経済感覚が中学生くらいから全く進歩しないんですよね。

そして特に今の生活に不満がありません。

月に12万5千円ですから、年間150万円の暮らしになります。（可処分所得ベース）

さて、仮に私が25歳に社会人になってたとして、65歳で年金受給されるようになるまでの一生で40年分の生活費を稼がなければいけません。（国民年金だけじゃ食えないとかの話もあるけど、まあそれはその時に考える。別に年金受給者でも働けるだろうし）

年間必要額が150万円ですから、40年分で6千万円ですね。

つまり、私のように生活費が安い人間は、40年間の間に可処分所得ベースで合計6000万円稼いだ時点で引退できるという事になります。

これは結構イージーな気がします。
例えば年収が400万円だったら15年働けば6000万円です。

「でももし大きなケガや病気になって医療費がかさんだらどうすんの？」と思うかもしれませんが、まあその時はその時に考えます。

結婚した場合は2億円

15年働けば一生分の生活費が稼げるなら、どうして普通の人は40年間真面目に働くんだろう？

というか、上での計算は、単純に自分が一人でずっと暮らしていく場合の計算でした。一般的には結婚する人が多いでしょうから、結婚する場合は自分の生活費以外にも色々と費用が嵩んでくるでしょう。

これは適当な感覚値ですが、多分結婚すると奥さんを養ったりなんやかんやで生涯で1億円くらいはコストがかかるような気がします。

そして、子供をもうけると一人当たりの養育費用は合計で3千万円ほどかかるそうです。

https://www.smbc-card.com/like_u/money/education_funding.jsp

つまり、結婚して子供を2人もうけると、多分1億5千万円くらい上積みで必要になります。

という事は、生涯1人暮らしなら6千万円で済んでたコストが、結婚するとなると2億円くらいに跳ね上がる事になりますね。

年収400万の人が40年働くと1億6千万円で、多分退職金も含めると2億弱になるでしょうから、計算が合いますね。

という訳で、生涯1人暮らしの人に必要なのは6千万円で、10年～15年も働けば十分ですが、結婚するとなると2億円必要になって、キッチリ40年間働く必要があるという事です。

そうして考えてみると、身も蓋も無い言い方ですが、結婚したり子供を持つのは相当なぜいたく品を買うようなもの…かもしれません。

ちきりんさんという方がブログ記事で、35年ローンで家を買うのはリスキー！というような話を書いてました。

一昔前ならともかく、今の時代、自分が30年後にどういう暮らしをしてるかなんて見当もつかないのではないでしょうか。
35年ローンなんて組むにはよっぽど長期的に安定して収入を得られる保証が必要です。

というわけで、結婚もある意味で生涯で1億5千万円のローンを組むようなものですよね。

個人的には、先に大儲けしてからじゃないと結婚なんて贅沢はとてもできないな…という気がしてます。

私の親戚でも、結婚したけど後々でお金が無くて苦労してるという話を色々と聞きますね。

結婚するなら先に宝くじに当たるとか何かの間違いで大儲けしてしまうとかで、先に金持ちになってからじゃないと結婚なんて贅沢品はとても手が出ないな…と今は思ってます。

まあ、幸いな事に結婚するとかしないとかいうような機会は今まで訪れた試しがありませんし、今後も訪れる見込みも今のところありません。

ワークライフバランスについて

現代の日本では、週に5日、8時間以上働くのが当然のように考えられてます。

私に言わせれば、働きすぎなんじゃないかと思いますね。

だって、１日８時間も働いたら、後は疲れて家帰ってメシ食って寝るだけですよね。
そして、土曜は掃除や洗濯、日曜はジム行ったり銭湯行ったりしたら終わります。

じゃあ自分の人生はどこですか？趣味の時間は？

最近では夫婦共働きも当たり前だと言われています。

でも、じゃあそんな風に社会人が全員日中働いてる社会を想像してみてください。
そんな世界で、誰がお客としてお店に来るんですか？だって全員働いてるんですよ？
お客さんがいなくて店員しかいない世界の経済は当然崩壊するでしょう。

江戸時代の町人は、週に１日とか２日くらい日雇いの仕事をして、後は働かなかったらしいです。（大店の商人は除く）

最近、週休３日にした会社とかも出てきてるらしいですね。

３日と言わず、週休４日が当たり前の世の中になりませんかね？
1人暮らしならそれくらいで全然生活できそうですし。

人間一生誠にわずかの事なり

ちょうど今、三島由紀夫の「葉隠入門」って本を読んでます。

葉隠と言えば、「武士道とは死ぬ事と見付けたり」が有名ですが、こんな一文もあります。

「人間の一生は本当にわずかの時間しかないので、好きな事して生きていくべし。イヤな事ばかりして苦労して暮らすのは愚かです」みたいな事です。

今回の記事中で、私は6000万円とか40年とか数字を色々と書きましたが、6000万円と40年では決定的に違う事があります。

6000万円はお金ですが、40年は時間です！

失った自分の人生の時間は絶対に、二度と、永遠に返ってきません！
お金をいくら払っても時間は決して巻き戻りません！

そして、10年働けば…とか口で言うのは簡単ですが、10年間働くのはメチャメチャ大変な事ですよ。まして、40年となれば、筆舌に尽くしがたいほどの苦労があると想像されます。

人生は一度きり！なんて言うと陳腐に聞こえるかもしれませんが、実際の話、人生は一度きりです。

特にやりたい事がなくてヒマな人は、ヒマな時間を労働に費やしてお金に変換するのは大いに結構な事だと思います。

しかし、何か自分のやりたい事を持っている人は、そのやりたい事をやる時間を犠牲にして好きでもない労働に費やすのは極力抑えるべきでしょう。

それというのも、一昔前の高度経済成長期のサラリーマンと違って、今の時代はやみくもに我慢して耐えてても必ずしも報われるという感じでもないですしね。

やりたい事をやって生きる人生についてはまた今度別の記事を書こうかなと思います。

投資とかを考慮すると…

オマケの話ですが、株式投資とかで上手い事行くと、クソ真面目に6千万円も稼がなくてもいいかもしれません。

例えば、S&P500（米国株式インデックス）は過去20年間の平均リターンが8%くらいです。

つまり、最初に500万円突っ込んで20年間放置してれば、理想通りいけば2330万円に増えてます。

2330万円の年間リターンは186.4万円です。
これを利確すると税金が２割引かれて149万円になります。

つまり、あとは元本の2330万円に手は付けなくてもリターンだけで理論上はずっと食っていけます。

逆に言えば何かの拍子に一度に2330万円が手に入れば、あとはそれだけで一生食えます。（まあ当然リスクはあるので有り金全部株に突っ込むってわけにもいかないと思うけど）

10月16日に、「閃光のハサウェイ」がアマゾンプライムビデオなどの各種配信サービスで配信開始されました。

ほとんど誰でも観れる状態になったというわけで、もうネタバレとかも気にしなくていいだろうと思って、記事を書いてみようと思いました。

閃光のハサウェイの奇妙な成り行き

閃光のハサウェイが映画館で公開されたのは、2021年6月11日です。

実は、本来は去年の2020年の7月23日に公開される予定でしたが、コロナ禍による感染拡大防止などの観点から公開が延期されました。

http://gundam-hathaway.net/news.php?id=17863

その次に上映予定だったのは2021年5月7日でしたが、コロナの影響はますます悪化して緊急事態宣言が再び発令される事になり、上映はまたもや延期になりました。

http://gundam-hathaway.net/news.php?id=18647

その次は、今度こそ2021年5月21日に公開するぞ！と意気込んでましたが、なんと緊急事態宣言の延長が発表されてしまい、３度目の延期です！

http://gundam-hathaway.net/news.php?id=18699

そんでもって、最終的に6月11日にとうとう上映開始できました！というかこの日も普通に緊急事態宣言出てたんですけど、サンライズもいよいよ我慢の限界に達して「うるせ～！知らね～！」ってキレちゃったというところでしょうか。

http://gundam-hathaway.net/news.php?id=18743

閃光のハサウェイ、上映してみてどうなったか？というと、空前の大ヒットとなりました！
興行収入は10/11時点で22億円を突破しています。

https://news.yahoo.co.jp/articles/e1e281bd047cf28d9f892409efaee5a006921c49

鬼滅の興収が400億円とか、君の名はが400億円とか、シンエヴァが100億とか、竜とそばかすの姫が60億円とか聞くと、22億円って大したこと無くない？と思うかもしれませんが、そういうアニメ映画が異常なだけで、22億円は大ヒットです。

今までガンダム映画で一番ヒットした作品の興収は「機動戦士ガンダムⅢ めぐりあい宇宙編」の23億円でした。
つまり、閃光のハサウェイ22億円というのは歴代ガンダムの長い歴史の中でいきなり出てきてトップレベルに食い込んでいるという事です。

閃ハサは上映開始から4ヶ月経った現在もロングラン上映されているので、最終的に めぐりあい宇宙編 に追い付く可能性も無くはないです。

それにしても、上映開始から4ヶ月しか経っておらず、いまだに上映中であるにも関わらず、もう配信が開始されてしまうのは、嬉しいですけどやけに早いなあという気がしますね。

閃ハサの一般販売ブルーレイが11/26に発売される事が発表されたのが、9/19です。

https://www.famitsu.com/news/202109/20233435.html

ブルーレイ発売より先に10/16に各種配信サイトで配信開始される事が発表されたのは10/2です。

という事は、予約特典などにつられて一般販売ブルーレイなどを予約した人の中には、「ブルーレイより先に配信されるなんて、それを知ってたらブルーレイは買わなかったのに！」と思った人もいそうですね。

しかし、閃ハサでは他の映画には無い特殊な事情も絡んでます。

閃ハサは、上映開始と同時に映画館でブルーレイが売られていたのです！（購入には映画の半券が必要。つまり一度は映画を観ないと買えない）
そんなのって前代未聞じゃないでしょうか？

だって、普通は映画館で観た映画をもう一回観たいと思ったら、再び映画館に観に行く必要があります。
でも、映画館でブルーレイを買えるなら、何度も映画館に行かなくても家で10回でも100回でも観れちゃいます。映画館にとっては大損になる可能性があるので、普通に考えると不可能な施策です。

では何故閃ハサでそれが可能だったかと言うと、今までに同じような事をやってた実績があったからではないでしょうか。

例えばガンダムUCでは、OVA作品にもかかわらず、新作が出るたびに映画館で上映するという事をやってました。

OVAだけど、劇場で先行上映しますよ！さらに劇場だけで先行でブルーレイも売りますよ。一般販売のブルーレイは一ヶ月後になります。みたいな感じでした。

http://www.gundam-unicorn.net/ova/info/index.html

OVAは普通の映画より尺が短いので、その分値引きしますという事で、一律1200円の特別料金でした。これなら普通の映画のレイトショー料金よりも安いです。
しかし、後の方のエピソード7になると1600円くらいまで値上がってきます。（上映館の数もエピソード1では5館だけだったのがエピソード7では35館まで増えてる！）こうなると、通常上映よりは安いけど、レイトショーの時間だと割高になっちゃうというねじれが生まれます。

私の想像ですが、このガンダムUCの時に映画館は劇場限定の先行ブルーレイ販売で結構美味しい思いをしたのではないかと思います。

本来、ブルーレイ販売の旨味は映画館にはまったく関係ありません。ですが、劇場の売店が独占して先行ブルーレイ販売できれば、本来アマゾンや書店が得るはずだったブルーレイ販売の利益の大半を奪えます。これなら映画館リピーターを失う損失を補えるかもしれません。

閃ハサはOVAでなく映画作品であるにも関わらず、ガンダムUC上映と同じ建て付けを実現できたのはそういう理由かもしれません。

閃ハサもガンダムUCと同じく一律料金を採用していますが、一律1900円と言う、安い方ではなく通常と同じかむしろ高い方に料金が振れてます。
ガンダムUCは尺が短いから安かったけど、閃ハサはフル尺なんだからこの値段だ！という理屈ですが、映画の日やレイトショー割引、子供料金などが一切通用しないのは理不尽な気もします。

まあこれもブルーレイ同時販売によるリピーター損失の埋め合わせの条件の一つだったのかもしれませんね。

まあそんなわけで、劇場でブルーレイが売ってたので、配信開始は実質ブルーレイ発売から4ヶ月経ってるので必ずしも早すぎるという事も無いかもと言う話です。

さて、閃ハサが上映開始してから、ネット上でマフティー構文だの連邦に反省を促すダンスだの、あとビリビリで閃ハサMADが量産されてるだのの話題にも言及したいところですが、脇道にそれてるといつまでたっても本題に入れないので割愛します。

当初はまったく興味が無かった自分

今となってはメッチャ好きな閃ハサですが、上映開始時点ではまったく興味がありませんでした。

私は子供の頃から結構ガンダム好きでしたが、逆シャアを観た限り、ハサウェイというキャラは全然好きになれませんでした。

ですので閃ハサが映画化と聞いても、「なんでハサウェイなんかが主人公の映画を観なきゃいけねんだ」と思ってました。

twitterを見てると「閃ハサ観る前に逆シャアを予習した方がいい！」という意見を多く見かけますが、先に逆シャア見ちゃうとハサウェイが嫌いになってもう閃ハサ観る気無くなるんじゃないかな…とちょっと心配になります。

さて、自分の周囲で閃ハサを観た人たちの間でやたら評判がいいので、そんなに面白いなら観ない訳にもいかんかな～と思って、しょうがねえな！と映画館に観に行きました。

結果としてはメッチャ面白くて、ブルーレイも買って帰って家で10回くらい観ました。

正直言って、ここまで中毒的に繰り返し観てしまったアニメというのは個人的にはあまり例がありません。

どうしてこんなに面白く観れてしまうんだろう？どうもこれは、今までのガンダムアニメとは何かが違う気がする…自分なりにその理由を考えてみて今回の記事にしました。

面白さの秘密が分かれば、今後の自分の創作とかでも活かせるかもしれないと考えました。

ところで、私は最初、閃ハサが３部作の１作目である事に全く気付きませんでした。
タイトルが「閃光のハサウェイ」だけで、”一章”とか付いてないですし、宣伝映像などでもまったく３部作である事に触れられてないからです。

３部作って言うとめんどくさがって観に来ない人がいるからわざと隠してるのかな？と訝りましたが、考えてみるとこれは初代ガンダム映画のオマージュなのかもしれません。

実は、初代ガンダムの映画は当初は３部作の予定では無く、１本に全部まとめるつもりでした。なので、続編が「ガンダムⅡ」、「ガンダムⅢ」なのに最初は「ガンダム」でⅠとか付いてません。

制作サイドが「43話を一本にまとめるなんて無理だ！」つって勝手に1～14話だけで映画を作ってしまったのです。

それで製作サイドと制作サイドで揉めましたが、結局そのまま公開しちゃって、結果としては興収が良かったので正式に3部作の制作が決定したそうです。

https://datagundam.com/memo/gundam-movies/

閃ハサがⅠとか付けてないのも初代ガンダムに倣ってるのかもしれません。

ついでに言えば、もし１作目がコケたら続きを作らないでこっそりフェードアウトしたろ…みたいな目論見も初代に倣ってる可能性も…？

ガンダムオリジンのアニメが途中で打ち切られたトラウマもありますし…（ルウム戦役までだったのでガンダムが出る前に終わってしまった！とは言えちょうど初代ガンダムの話に繋がるので、ガンダム前日譚としては綺麗に終わったとも言えます）

閃光のハサウェイは究極のダバオ観光アニメだ！

さて、ようやく本題に入ります。

閃ハサを何度も観返しながら、「なぜこんなに面白いんだろう？」と考えてた私ですが、twitterでどなたかが「閃ハサ観るとダバオに観光に行った気分になれる」というような事を仰ってました。

それだ！と思いました。

閃ハサは他に類を見ないくらい観光してる感が凄すぎるアニメです！

しかし、何度も本編を観ていても、言われてみるまでその事になかなか気付きませんでした。
何故かと言うと、ハサウェイ自身は観光に浸ってるようなシーンはほぼ無くて、ずっと戦ったりテロの打ち合わせしてたり逃げ回ったりしてるので、メチャメチャ観光してるやんという事が観客の意識に登りづらいのだと思います。

閃ハサは、いくつもの層が重なっている、多層的なアニメだと思います。
まず、一番上の”パッケージ”の層は、巨大ロボット、ガンダムアニメです。
その下の、”テーマ”の層は、ハサウェイ、ギギ、ケネスの三角関係の恋愛です。
さらにその下の、”ジャンル”の層は、クライムアクション、サスペンスです。
それで、一番下にあるベースの層が、観光だと思います。

お話の表層でなく絵面だけを追ってみてください。
メチャメチャ観光してるやん！という事に気付きます。

①超高級旅客機で旅行先へ向かう（スペースシャトルなんだけど、特別機だからまるで飛行機のファーストクラスと変わらない感じ。無重力なのに機内食も普通に出てくる）

②空港のロビーでジンジャーエールを飲む（全然飲めなかったけど）

③パツキン美女に逆ナンされて、ロールスロイスみたいなタクシー？ハイヤーでホテルに向かう。

④ホテルに行って３２階のプール付き超高級スイートルームでくつろぐ。

⑤植物園（ダバオイーグルセンター）に散歩に行く。

⑥いかがわしい地元のマーケット（パブリックマーケット）をうろつく

⑦フィリピンと言えばジョリビー！ジョリビーで昼食

⑧これまたローカルなお土産物屋で時計とネックレスをお土産に買う。

⑨フィリピン特有の自己主張激しめにデコレーションされたタクシーでホテルに帰る

⑩ホテルのルームサービスで夕食

⑪夜中、パツキン美女と抱き合いながら花火のような綺麗な何か（すっとぼけ）を見る

⑫翌日、食堂で朝食（軍食堂だけど）

⑬フェリー乗り場に着たけど、時間が空いてるから、特に目的もなく周辺をプラプラする（ここがメッチャ旅行あるある）

⑭手漕ぎボートで海を周遊するアクティビティ

⑮クルーザーとセスナで拠点に帰る

いかがですか？こうして見ると思いっ切り観光旅行してますよね？

↓ふたばでこういうコラ画像が作られたようですが、それもやむなしと言った所でしょうか。

アニメ自体は⑮の後も続いて、いよいよハサウェイがクスィーガンダムに乗って戦闘したりしますが、私が何度も繰り返し観てしまうのは⑮のシーンまでで、その後はなんというか、それまでは観光アニメだったのに、そこから急にいつものガンダムアニメにジャンル変わったな…と思ってしまいます。
もちろん最後らへんのパートもとても面白いのですが、私が何故か中毒的に繰り返し観てしまったのは観光パートでした。

本当に、閃ハサの観光パートは今までに味わった事の無い映像体験のように感じます。

さて、そうして見ると気になってくるのが、制作側はどれくらい狙って観光シーンを作り込んだんだろうか？という点です。

閃ハサのリアルな観光感を演出するうえで大きな役割を果たしたと思われるのは、監督たちが2019年3月に実際にフィリピンに行ったロケハンです。

↓こちらのスタッフトークレポートの記事でロケハンについて語られてます。

https://sunrise-inc.co.jp/work/topics.php?id=18876

ハサウェイが訪れる植物園は実際にダバオにあり、村瀬監督はそこで写真を撮りまくった挙句、360度写真も撮影して、さらには環境音まで録音しまくったそうです。

そして、美術スタッフに「植物園の風景は写真みたいに描いてください」と指示出ししたそうです。

私も初めて映画館でそのシーンを観た時は、あまりに緻密に描き込まれていて、ひょっとして写真を加工したのかな？なんて思ってしまいました。

↑なにげにこのツイートによって領事館で「劇中でダバオぶっ壊していいよ」という言質をちゃんと取ってた事実が判明して笑う

しかし、こうして実際の現地の写真とアニメの背景を見比べてみると、たしかにそっくりそのままですが、現実の風景よりメッチャ色鮮やかで美しく描かれています。美術スタッフの超絶技巧とすさまじい手間暇がかかっている事が伺えます。

上の記事によると、桟橋のシーンもロケハン写真そのままで、夜の市街戦シーンも公園にロケハンに行ったそうです。（公園に着いた時には夜になってて公園が閉鎖されてたけど開けてもらったとの事。市街戦シーンは画面が暗いとよく指摘されてますが、単にロケハン時に暗かったからって理由だった可能性…？）

村瀬監督が、現実でロケハンした風景を、そのまま、写真のように描かせたというのは、単にリアル志向という事かもしれませんが、やはり「観客にも観光気分を味あわせよう」という狙いがあったのではないでしょうか。

その狙いがここまでブッ刺さる事まで狙っていたかは分かりませんが…。

というのも、閃ハサは背景の作画も人物の作画も異常にクオリティが高すぎます。
上の植物園の例もそうですが、美術、作画スタッフが頑張り過ぎた結果、リアルにしたいという監督の狙いを超えて、リアルを超越しちゃった映像になってしまったのではないでしょうか。

閃ハサの原作小説では植物園なんて出てこなくて、小説ではあのシーンは車の中でのやり取りだったそうです。
わざわざ原作シーンを改変してまで植物園のシーンを入れたのは、村瀬監督がロケハン観光のたのしかった思い出をそのままフィルムに載せたろうという目論見に違いありません。（ちなみに、何故植物園か？というと、そもそもマフティーは自然環境の保護が目的のテロ集団なので、みんな自然が大好きなんだと思います）

https://ameblo.jp/ejinobouken/entry-12685648072.html

要するに、村瀬監督のロケハン観光体験がそのまま映像に反映されちゃった事と、作画スタッフが現実以上に綺麗な作画をしてしまった事で、観るだけで現実を超越した観光体験ができてしまう映像作品が生まれてしまった…という事かもしれません。

閃ハサのガンプラが売れすぎてる件について

ちなみに、何でそんなに作画に力を入れられるのか？というと潤沢な予算の賜物でしょうが、その予算がどこから来たのか？というと、巨大なガンプラビジネスから生じた利益からでしょう。

閃ハサに潤沢な制作予算が与えられたのは、よりガンプラが一杯売れるような作品を作って欲しかったからで、だから製作側はもっとモビルスーツが派手にドンパチやって活躍してくれる作品を作ってもらえるとてっきり思ってたはずで、まさか現実を超越した観光映像に予算の大部分を注ぎ込まれるとは予想してなかったかもしれません。

ガンダムのアニメというのは商業的な観点から言うと、ガンプラの販促のために作られてる面が大きいハズですが、閃ハサの市街戦ではMSは画面が暗くてハッキリ見えないですし、ヒロイックな主役としてではなく、人間の目線から、まるで怪獣映画の怪獣みたいな描かれ方をしており、一見するとこれを観てもガンプラが欲しくなるという映像には見えません。

これについては村瀬監督はインタビュー記事でこのように語られています。

https://www.gundam.info/news/hot-topics/01_4767.html

「モビルスーツを主役としてではなく、現象として描く。モビルスーツの手前にいる人たちや周囲に起きるリアクションが主役」との事。

たしかに映像を見てるとよく分かる話です。メッサーが着地するシーンでは周りの木々が揺れまくったり、バーニアの火が引火して燃えたりしてました。

他にもビームライフルの粒子が飛び散って消火栓を溶かすシーンなど、とにかく描かれるのは、直接モビルスーツがカッコよくアクションするシーンよりも、モビルスーツが周囲にもたらす被害、影響が執拗に描写されて、結果的にはモビルスーツという兵器の凄まじさを理解させられます。

これがメチャメチャカッコいい！！

というわけで、とてもじゃないけどガンプラが欲しくなる映像には見えないのに、結果的には閃ハサのプラモは爆売れしてて売切れっぱなしで買えません。すごいですね。

閃ハサの世界観が現代に寄せすぎてるような気がする件について

観光云々から話がズレ始めたので話題を戻しますが、閃ハサの特に観光パートでは、SF的な描写がほとんど出てこない点にも注目してみたいと思います。

まず、冒頭でギギがiPadみたいなタブレットで、現代の我々が見てるのと変わらない、Webページを観たりアニメ動画を観たりしてます。これについてはどう考えればいいんでしょうか。

ちなみに、パブリックマーケットのシーンではミヘッシャがスマホケースを物色しています。閃ハサの世界にはスマホもあるらしいです。劇中では誰も使ってませんが。（戦闘やら何かあるたびにミノフスキー粒子がバラまかれてスマホが繋がらなくなるからあんま誰も使わなくなったみたいな裏設定でもあるのかしら）

閃ハサの時代は宇宙世紀105年です。西暦で言えば2105年になります。

2021年の現代から84年も未来なのに、タブレットでWebページなんか見てるもんなんでしょうか。

言っておきたいのは、何も考えてないからそうなってるというわけでは無い事です。村瀬監督はインタビュー記事で、設定考証まわりはかなりシビアに考えたと仰ってます。

つまり、色々考えた結果、現代から何も変えないで行こうという判断を下したはずです。

大体、タブレットの存在なんかにイチイチツッコんでたら、それを言ったら逆シャアは宇宙世紀93年の話なのに、オクトバーさんやチェーンさんはタブレットどころか紙のファイルを持ってます。

逆シャアがタブレットのようなデバイスの登場を予言できなかった事を批判してるわけではありません。そんな事を言っても無意味です。仮に1988年時点で正確に未来を予言してタブレットを登場させていたとしても、別に当時の観客がそれを見てもリアリティを感じたりしてくれるわけでは無いでしょう。

という事は未来がどうなってるかなんて必死こいて考えても無意味というか、どうせ的中しないし、的中したとしても上映時点では機能しない（観客が感心したりするわけでもない）って事です。

だから基本的に現代と同じ水準の技術にしとけばいい、何故なら現代の観客にとってそれが一番違和感なく観れるからです。（例えば攻殻機動隊S.A.Cではガラケーで通話してますが、ARISEではスマホ使ってます）
そういう判断はアリだと思いますし、色々考えた結果そうしたのかもしれません。

ですから、ダバオの植物園やマーケットや公園が、ロケハンで撮ってきた現代の風景をそのまんま使うのも、そうするのが観客に観光気分に浸らせたいという目的に一番叶う（機能する）からでしょう。

閃ハサのSF要素は、強いて言えば例えばハウンゼンは旅客のスペースシャトルでSFっぽいですが、まるで普通の飛行機に乗ってるみたいに描写されてる気がします。

飲み物は無重力でも飲めるような工夫が見て取れますが、じゃあ機内食の食べ物はどうしてプカプカ浮いていかないのでしょうか。（何らかの粘着物によって皿に固定されてるのかな）

他の要素としては、ダバオで乗ったハイヤーやタクシーなどの自動車は、見た目がちょっと未来っぽいのと、エンジン音というよりモーターの音っぽくて、電気自動車らしいのが未来っぽいですね。

そういえばクスィーガンダムを受領するために宇宙へ打ち上げたマフティーのロケットはスペースXのロケットに似てましたね。

まあとにかく、舞台や小物を現代と揃えたおかげで、ロケハンの素材がそのまま使えてリアリティの向上に役立ちましたし、我々視聴者は何の引っかかりも無くダバオの観光に没入する事ができた、という事が言いたかったわけです。

ガンダムシリーズでは宇宙戦艦を拠点にしてあちこち移動するストーリーが定番ですが、閃ハサでは今のところ宇宙戦艦が一切登場しないのもSF感を感じない事に繋がってるかもしれません。

観光シーンからの夜の市街戦シーンのギャップについて

さて、ここまでで散々閃ハサの観光旅行感の凄さについて書いてきましたが、そこに追い打ちをかけて観客に強烈な印象を残すのが、夜の市街戦のシーンです。

観光シーンだけでもすごい閃ハサですが、観光してる感だけなら他のアニメでも体感できるものがあったかもしれません。しかし、そこから戦争被災体験まで味わえるアニメとなるとなかなか無い気がします。

超絶作画のおかげで観光シーンでは現実を超越した美しい風景が見れましたが、市街戦シーンでは現実を超越した恐ろしさ、緊迫感が出ており、映画館で観ていると本当に未だかつて味わった事の無いレベルの映像体験です。

市街戦のシーンまでで、観客は完全に映像に没入していて、魂はすでにダバオに行っちゃってるような状態ですから、市街戦のシーンでは本当に自分がその場にいて逃げ回って死にそうになってるような気分になります。

という訳で、閃ハサの面白さから学べそうなポイントとして、”さんざんその街を観光させてから街を破壊するという流れを見せると強烈なインパクトを出せる”という事が言えそうです。

そういえば、ファイナルファンタジー９はそういう展開を多用してた事を思い出しました。
基本的に、FF9の街はどれもこれも散々観光した後で敵が攻めてきてぶっ壊されます。ブルメシアも、クレイラも、リンドブルムも、アレクサンドリアも、テラもです。
それしか無いんか？とちょっと思ってしまいそうなくらいですが、プレイヤーに与える印象は強烈でした。

こんなにも効果的というわけで、創作をやってる方はこの手法を試してみてはいかがでしょうか。

さて、市街戦シーンの戦闘描写のリアリティについて考えてみます。

世界では今この現在でも国家間や組織間で戦争を行っている地域はあります。
twitterでもよく、敵組織が街にロケット弾を撃ち込んできて、アイアンドームで迎撃する動画が上がってます。現在の現実の戦争はこういう感じだと思います。

閃ハサに出てくるようなモビルスーツは当然ながら我々の現実世界には存在しませんが、18mの機械の巨人が暴れ回る絵面というのは、まるで戦争の恐怖が形を持って具現化したような、とても分かりやすく恐ろしさを伝えてくれます。

ゴジラも戦争や核兵器、津波や地震の象徴としての存在であるという説がよく言われますが、閃ハサの市街戦が怪獣映画っぽいという話に繋がるのかもしれません。

さてここで、市街戦シーンがやたら画面が暗いという話について考えてみたいです。

村瀬監督はインタビューでこのように語られています。

画面が暗い事で、光を使った演出が効果的にできるとの事です。

インタビュー中の画像でも示されてますが、バーニヤが発する光やビームライフルやバルカンのマズルフラッシュの光が機体に当たって照り返しが映ります。

しかも、静止画では無く照り返し方がアニメートするのです。アニメと言ったら普通はキャラの身体とかが動く事ばかり考えてしまいがちですが、光のアニメートで魅せてくれるというのはめっちゃカッコいいです。

実写の映画でも、画面が暗いほどリッチになるという風潮があるとか無いとか。

たとえば、ライティングの美しさで有名な映画として、「ドライヴ」があります。

【プロが選ぶ】この映画の照明がすごい！Vol.1 「ドライヴ」

↑こちらの記事の画像とか見ていただくと分かりますが、ドライヴでは画面が暗いシーンが多く、基本的にキーライトがオレンジ、フィルライトが青で画面を統一しています。

画面が暗い事で、照明を使った演出が映えるという事です

さらに、画面が暗い事で、チープさを誤魔化せるという面もあります。

↓監督もインタビューで仰ってます。

閃ハサの感想で「まるで洋画みたいだった！」というのを見かけたりしますが、そう思うくらい全体的にリッチでリアルな絵作りがされています。

そういう画面に普通にモビルスーツをポンと置いちゃうと、一気に画面がチープになっちゃうのでは…？という懸念があったのかもしれません。

モビルスーツが暗くて良く見えなくすれば、かえってリッチさを失わないで済みますし、モビルスーツを主役じゃなく描きたいという監督の演出意図も伝わりやすくなります。

低予算のホラー映画でも、画面を暗くしてよく見えなくする事でチープさを誤魔化すテクはよく使われます。幽霊もハッキリ見せちゃうと全然怖くなくなっちゃうのでなるべく見せずに済ませたりします。

「それにしたって暗すぎるんじゃないの？モビルスーツだけじゃなく人物も良く見えないが？」という意見もあるかもしれません。

まぁ…それはそうですね。

↓こちらのスタッフトークレポート記事でもこんな話が出てます。

http://gundam-hathaway.net/news.php?id=18829

ぶっちゃけスタッフもメッチャ暗いと思ってたみたいです。

おわり

という訳で、今回の記事では閃ハサがどうしてあんなに中毒性ある作品なのか考えてみました。

結論としては、まず気合が入り過ぎたロケハン取材から生まれたリアリティと、根性から生まれた現実を超越した美しい映像、旅程を丁寧に追いすぎている展開、そして潤沢な制作予算、これらの要素が結集して没入感が高すぎる観光旅行体験が生まれてしまったことが大きなファクターだと思いました。

そして、そうやって完全に映像に没入した状態でこれまたクオリティが高すぎる市街戦シーンに突入してしまう、怖さと迫真性、まるで本当に自分が旅行先で戦争に巻き込まれたような気にさせられる感じが斬新でした。

閃ハサでは観光パートの後もクスィーVSペーネロペー戦のシーンなどがありますが、たしかにそのシーンもすごく面白いですが、自分でも理由が分からず中毒的に繰り返し観てしまったシーンは観光パートだけだったので、今回の記事ではそっちに焦点を当ててみました。

私は閃ハサの小説の方は読んでませんが、「これから先ずっと綱渡り」みたいな台詞があった通り、今後上映される2章や３章ではずっと戦闘シーンが続くのかもしれませんね。
個人的には閃ハサの観光パートこそがブッ刺さったポイントだったので、できれば続編でもメッチャ観光してほしい…むしろハサウェイがあちこち観光するだけのアニメを作って欲しい…。

閃ハサは本来去年に上映されるはずだったのが、コロナ禍の諸々の影響で１年間も上映延期されてしまいました。
しかし、結果的にはあの上映のタイミングがベストだったのかもしれません。

閃ハサ上映のあの時期は、コロナ禍による外出自粛によるみんなのフラストレーションが頂点に達してた時期でした。国内旅行も困難で、海外旅行なんてまったく不可能でした。

だからこそ、理想的なフィリピン旅行の一部始終を見せてくれて、かつてないクオリティで没入させてくれて、まるで本当に自分がダバオに旅行に行った気分にさせてくれる閃ハサに心を動かされた人が多かったのかもしれません。

ついでに言えば、あの時期は東京オリンピックの開催直前で、オリンピック運営のトラブルや不始末が連日ニュースになっていて、オリンピック中止しろ！みたいな世間の声も大きくなっていた時期でした。
ですから、民主主義に絶望してテロによって世界を変えようとするマフティーに共感する人が多かったのでは…なんて。そういう意見もtwitterで見かけました。

という訳で、まあたった４ヶ月前の事ですが、上映当時に観るのとネット配信で今観るのとでは体験が違ってくるのかもしれないなあ。なんて思ったりします。

以前の記事で、私がほぼ毎日鶏むね肉を100gずつ食ってる件について書きました。

あの記事を書いてた時点で懸念だったのは、もしかして尿酸値が上がってしまってないかな…という事です。

そういう事もあり、この前健康診断を受けてみました。

すると、やっぱり尿酸値が爆上がりしていました！
尿酸値以外は正常範囲でした。尿酸値だけがアウトです。

なんぼかというと、7.7mg/dLでした。正常範囲は7.0mg/dL以下です。

これが8.0を超えると通院して治療する必要が出てくるらしいです。ギリギリそこまでは行ってないものの、危険な数値だと言えます。

尿酸値が高いと何がマズいのか？

血中尿酸値が7.0mg/dLを超えた状態は「高尿酸血症」という病名が付きます。
私はこの状態です。

ぶっちゃけ尿酸値が高いだけなら何の症状もないので「何が問題なの？」という感じです。

しかし、尿酸値が高いと”痛風”とか”尿結石”を引き起こすらしいです。
どちらも想像を絶する痛みらしいので、絶対になりたくないです。

↓こちらの記事によると、尿酸値が6mg台なら5年間のあいだに痛風になる確率は0.6％しかありませんが、7mgになると2%、8mg台だと4.1%、9mg台では19.8％まで跳ね上がります。

https://www.skk-net.com/health/illness/01/index03.html

↓さらに、こちらの記事によれば、痛風などにならなかったとしても、尿酸値が高い状態は、それだけで動脈硬化や腎不全にじわじわ近づいてしまうらしいです。

-「コロナ自粛で筋トレ」の落とし穴――夏に増える痛風、30・40代男性も要注意！-

尿酸値が上がったのは本当に鶏むね肉が原因なのか？

プリン体を摂りすぎると尿酸値が上がると言われます。
鶏むね肉は100gあたり141mgのプリン体が含まれており、ですので以前から尿酸値の上昇を心配していました。

ですが、尿酸値を上げる要因になるのはプリン体だけではありません。

尿酸値を下げるためにやるべきとされてる事は色々あります。
・食べ過ぎない事（プリン体の摂取量を減らす）
・お酒を控える
・水をたくさん飲む（１日２リットル目標）
・ストレス解消
・適度な運動（ウォーキングなどの有酸素運動。筋トレは無酸素運動なので尿酸値上がる）

しかし、私はお酒はまったく飲まないですし、水も意識的に摂るようにしてました。
自転車で買い物に行ったり出かけたりしますし、散歩もよくする方だと思います。

ジムでの筋トレはたしかに尿酸値を上げる要因ですが、せいぜい週に１回しかやりません。（毎日筋トレしてる人達だっている）

というわけで食習慣くらいしか心当たりがないわけです。

思うに、私は毎日お昼に鶏むね肉を食べてましたが、それだけならプリン体摂りすぎってほどでもないでしょうが、それに加えて晩ごはんにまたお肉を食べる事も割とあったので、トータルでお肉を食べ過ぎていたかもしれません。

食生活の改善を決意

健康診断の結果にショックを受けた私は、ただちに鶏むね肉を食べるのを止めました。

前の記事で書いたように、鶏むね肉に含まれるイミダペプチドはエビデンス付きで抗疲労効果を約束してる物でした。
実際、毎日鶏むね肉を食べてる間はパフォーマンスが向上してるような実感があった…ような気がします。

しかし、結局のところ、メリットを沢山得ようとすれば、デメリットも大きくなるわけです。
鶏むね肉食いまくってパフォーマンスを上げれば、その代償に尿酸値も上昇してしまう。
偏った食生活は良くないという事でしょう。

タンパク質を補う

さて、鶏むね肉を食べるのを止めるのはいいとして、鶏むね肉を食ってるだけで摂取出来ていた20gのタンパク質をどうやって補うかが問題になりました。

タンパク質は必要ですが、肉や魚だとプリン体も摂取するハメになります。

プリン体無しでたんぱく質を摂れる食べ物と言えば、”卵”と”牛乳”です。
卵と牛乳でタンパク質を補う事にしました。

具体的には、とりあえず朝食の時にヨーグルト（脂肪ゼロ）を100gと、無脂肪牛乳を200cc摂ります。

↓私が推している無脂肪牛乳は森永のおいしい高たんぱく脂肪0です。

https://www.morinagamilk.co.jp/products/milk/oishi_milk_0/6473.html

ヨーグルトは量当たりの値段は牛乳と変わらず、かつ乳酸菌が含まれてて腸内環境を改善できる分だけ牛乳よりアドだと思いますが、飲めばいいだけの牛乳と違って食べなきゃいけないので、沢山食べるのも面倒なので牛乳と組み合わせて1日100g程度にとどめています。

ヨーグルト100gとおいしい高たんぱく脂肪0を200cc摂ると、合わせてタンパク質15gほど摂取できます。

そして、昼食時に卵を2個ほど食べればタンパク質12gほど摂れます。

ヨーグルト、卵、牛乳で合わせて27gのタンパク質になりますので、まあ鶏むね肉の分は補える事になります。

副菜を揃える

他にも今までの食生活で反省点としてあるのは、今までおかずは主菜しか食べて無かった事です。

たとえば肉がおかずの日は、食卓に肉とご飯だけしか用意しませんでした。
これではどうしても肉を食べ過ぎてしまいます。

というわけでこれからはもっと副菜を揃える事を心がけようと思いました。
お店で定食を食べる時だって小鉢とかサラダが付きますよね。

とりあえず１日1回はキャベツの千切りを食べるようにしました。
コース料理では前菜としてサラダが先に出てきますが、このようにサラダを先に食べる事が重要だそうです。

サラダを先に食べちゃえば、それで腹に溜まってメインディッシュを食べる量を減らせます。
また、キャベツは胃の粘膜を保護してくれる働きがあります。（キャベジンという胃薬はキャベツの成分を使ってるらしいです。）

キャベツ以外の小鉢はどうやって用意するか？というと、例えばもやしのナムルなんかはもやしをレンチンするだけなので簡単です。

それ以外は例えば業務スーパーでポテトサラダ1kgが400円で売ってますし、スーパーの総菜なんかで揃える感じです。

尿をアルカリ性にしてくれる食べ物

尿酸値を下げるには尿から尿酸を排泄する必要がありますが、尿がアルカリ性だと尿酸が溶けて排泄されやすくなるらしいです。

食べると尿がアルカリ性になる食べ物があるらしく、わかめやごぼう、大根などの野菜だそうです。
う～む、普段全然食べてないものばかりです。

こういう野菜をまとめて食べるんだったら味噌汁にすればいいと気付きました。
という訳で、副菜に加えて味噌汁も作るのを習慣付けようと思いました。

ヨーグルトと牛乳は尿酸排泄も促す

上でたんぱく質を補うためにヨーグルトと牛乳を摂るようにした話を書きましたが、実はこれらには尿酸の排泄を促す効果もあるらしいです。

牛乳に含まれるカゼインが分解されてアラニンになりますが、このアラニンが効くそうです。

牛乳を飲んでいる人は尿酸の排泄量が平均37％向上して、痛風発症率も43%低下するらしいです。

↓こちらの記事によると牛乳とヨーグルトを一週間摂取した男性が、尿酸値が8.2mgから6.6mgまで低下したそうです。これはすごい。

イミダペプチドは本当に疲労を軽減してくれるのか？

以前書いた記事ではイミダペプチドを持ち上げまくりましたが、医学の進歩と言うのは常に目覚ましく、あっという間に新事実が発見されて以前の常識が覆されてしまうというような事が良く起きます。

↓疲労のメカニズムを世界で初めて解明した近藤一博さんという方が言うには、「抗酸化物質で疲れが取れる」というのは間違ってるとの事です。

栄養ドリンクのCMから「疲労回復」の言葉が消えた深いワケ

近藤さんによると、疲労の仕組みは、
①体を動かすと細胞に負荷がかかり、乳酸が肝臓で代謝される
②タンパク質合成因子がリン酸化されてしまい、細胞のタンパク質生成が低下する
③臓器の機能が低下する

これが疲労が引き起こされる流れだそうです。

さらに、疲労感が起きる仕組みは、

①リン酸化されたタンパク質合成因子、リン酸化eIF2αは炎症性サイトカインを生み出す
②炎症性サイトカインは脳に行って疲労感を生じさせる

という流れだそうです。

以前にイミダペプチドについて書いた記事では、脳を働かせると脳内に活性酸素が発生して神経を傷つけてしまうというのが疲労の仕組みだとしていました。
話がちょっと違ってきてますね。

近藤さんによれば、活性酸素がする悪さは疲労を引き起こすわけではなく、細胞を老化させる事であり、これは疲労では無く老化の話だとしています。

さらに、抗酸化物質では疲労感を取る事は出来ても疲労は取れないとしています。いわゆる疲労感のマスキングです。

近藤さんによれば、疲労回復に効くのは米ぬかの成分の「ガンマーオリザノール」、納豆やチーズに含まれてる「ポリアミン」そして「ビタミンB1」だそうですが、でも沢山食べれば疲れが一杯取れるというわけでもないそうです。

という訳で、医学の新発見の結果、イミダペプチドが疲労軽減に決定的に効くという話はやや雲行きが怪しくなってきているかもしれません。（まったく効かないという訳では無い）

今後、研究が進めばもっと決定的かつ根本的な疲労回復の手段が見つかるかもしれません。
引き続き、さらなる疲労研究の発展を注視していきたいです。

父の話

そう言えば、この前私の父親も痛風になったそうです。

しかし、医者から処方された薬のおかげでサクッと尿酸値を下げれて治ったそうです。

ぶっちゃけ私もそういう薬でパパッと尿酸値を下げたいな～と思ってしまいます。

ただ、簡単に得られたものは身に付かないと言いますが、父は医者から「１日ビール１本まで厳守！」と言われていたのに守ってたのは最初だけで今ではまたビール飲みまくってるようです。

こんな調子ではまた痛風になって同じことの繰り返しになりそうな気がします。

そういう意味では安易に薬を使うよりも、地道に食習慣や生活習慣の改善で尿酸値下げるのが一番いい方法なのかもしれません。

まとめ

というわけで、尿酸値が爆上がっていて困ったという話でした。

考えた結果、鶏むね肉を始めとして、肉類を食いすぎてたのが原因かと思われました。

とりあえず鶏むね肉を毎日食べるのは中断して、肉を控えて代わりに卵や牛乳、ヨーグルトでたんぱく質を取ろうと思いました。

また、主菜以外にも副菜や味噌汁などを食卓に揃えるようにしようと思いました。

そんな感じで様子を見てみて、また１年後くらいに健康診断を受けて数値が改善してればいいなあというところです。

豊井さんというドット絵を描いている方がいますが、私は豊井さんのドット絵が好きです。

https://1041uuu.tumblr.com/

豊井さんは「ドット絵で風景画を描く」というムーブメントを生み出した方です。
豊井さんのドット絵は日本だけでなく、世界中でウケてます。

私が初めて豊井さんの事を知って作品を見た時は、何が良いのか、というかこれが何なのか全然分からなかった…ような気がします。「何故ドット絵で風景を描く必要があるのか？」みたいな事を思ったかもしれません。
”ドット絵はゲームで表示するためのもの”という固定観念に囚われていたのかもしれません。

しかし、何度も見ている内に、見れば見るほど味わい深いというか、なんかエモいな…とハマッていきました。

ぶっちゃけると私は豊井さんの作品の良い所を真似したいと思ってます。
しかし、豊井さんの作品は”何故”良いのか、何がどう良いのか、なかなか分からないのです。

という訳でこの記事ではあーだこーだ論じて豊井さん作品の魅力に迫れればいいな～と思ってます。

論を進めていくにあたって主に使いたいと思ってるソースデッキは、３つの豊井さんインタビュー記事です。

まず、2017年のpixivisionのインタビュー記事↓

https://www.pixivision.net/ja/a/2686

２つ目が、2019年に刊行されたピクセル百景に掲載されたインタビュー記事「「素朴な絵」に向かって」↓

３つ目が、つい先週、2021年11月17日に公開された、クリエイターエコノミーラボのインタビュー記事です↓

https://note.com/creatorecolab/n/n56037bedeb76

これらの記事を元にアレコレ書いていく予定です。

豊井さんのプロフィール

豊井さんのwikipediaのページとか無いので、インタビュー記事を元に適当にプロフィールをまとめてみます。（間違いがあったらすいません）

名前：豊井裕太

年齢：推定30歳（2011年時点で20歳だったらしい）

本人曰く、注意欠陥な上に、神経過敏で臆病な子供だった。父親はそのような事情に理解が無く、折り合いがつかなかった。

絵との出会い：幼稚園の頃、「ソニック・ザ・ヘッジホッグ」や「ドンキーコング」が好きで、紙に自作のステージを描く

ドット絵との出合い：中学校でのPCの授業中にエクセルでドット絵を描く。その後、MSペイントで架空のゲームの地形や背景を描いたり、既存ゲームのスプライト画像を改造したりする。

高校時代はドット絵では無く普通の絵をpixivに投稿していた。

高校をサボって自転車で海や山へ行ったりして過ごしている内に、中退する。

2011年ごろ、twitterのつてで上京してギークハウスに入居。

ギークハウスにはプログラマーやデザイナーが多く、その影響でドット絵の制作を始める（普通のイラストを描くにもペンタブを持っておらず、ノートPCのタッチパッドでドット絵を制作）
twitterやTumblrでドット絵の投稿を始める。

収入が無いので生活保護を受給。

Patreonを開始。Tumblrで今の窮状を伝えると、世界中でパトロンが集まって、月13～15万円の寄付を得られるようになる。

生活保護受給をやめて、京都で一人暮らしを始める。

和歌山県の熊野の山奥に引っ越す。（2017年の時点で熊野に住んでいる）

熊野に引っ越したのは2017年6月のようです。

熊野の家では蛇やムカデが出現してかなり大変だったそうです。

熊野の家はログハウスなのでやたら虫とかが入り込んでしまっていたらしいです。

最近、実家に引っ越す。（本人曰く、実家にいられなかった原因である父が亡くなって、安心して暮らせる環境になったので、との事）

東京でルームシェアの部屋も借りている状態らしい。

ドット絵制作に使うソフト：EDGE2。色調補正にAdobe Lightroom。

ドット絵である事は必須要件なのか？

豊井さんの絵の魅力、ドット絵である事は必須要件なのでしょうか？
豊井さんはドット絵じゃないイラストも描かれているので、見比べてみれば分かるかもしれません。

まず、ドット絵のツイートをいくつか引用してみます。

次に、ドット絵では無いイラストをいくつか引用します。

いかがでしょうか？

私の感じた事としては、非ドット絵のイラストももちろん豊井さん特有の味が出ていて素敵ですが、やはりドット絵にはなんだかそれ特有の魅力をありありと感じます。

「いや、そもそもこれらは別々の絵だから比較にならない！まったく同じ絵について、ドット絵と非ドット絵を見比べてみないと何とも言えないね！」という意見もあるかもしれません。

そういう方はこちらのサイトを試してください↓

https://ohhiru.info/upscale/

このサイトではドット絵のギザギザを滑らかに変換してアップスケールすることが出来ます。要するにドット絵から非ドット絵に変換できます。

私も試してみましたが、たしかに線が滑らかにはなるものの、やはり、ドット絵特有の魅力が失われてしまうように感じてしまいます。

一体、このドット絵特有の魅力とは何なのか？
とりあえず、このドット絵特有の魅力の事を、ファクターα（アルファ）と名付ける事にします。

さて、このファクターαの正体に迫りたいのですが、実はいくら考えてみてもファクターαが何なのか、ハッキリした事は全然分かりません。

しかし、いくつか仮説を考えてみたので、それを紹介させていただきます。

仮説１　単なるノスタルジー説

まず、真っ先に思い付く説として、単なるノスタルジー説があります。

どういう事か？と言うと、僕らの世代は、子供の頃はアホみたいにファミコンやスーファミのゲームで遊んでました。
この頃のゲームはすべからくドット絵のグラフィックでした。

その後、PSやPS2、PS3の世代になると、どんどんポリゴンのグラフィックのゲームが増えていき、ドット絵のゲーム＝古くさいみたいな感じで、ドラクエもFFもポケモンも何もかも3Dポリゴン化していきました。

つまり、我々は子供の頃はドット絵のゲームに触れまくってたのが大人になるにつれて触れなくなったので、我々にとってドット絵を見るだけで子供の頃の思い出が紐付いて思い出されてノスタルジーを感じてしまう。
これがドット絵を見ると気持ち良くなる理由だ！という説です。

まあ分かりやすい説ですが、単なるノスタルジーだけでドット絵の魅力を片付けられてしまうと、私は困ります。

どうしてかというと、それだと子供の頃からドット絵のゲームに触れてこなかった人、例えば今の子供たちなんかは”ドット絵に何の魅力も感じない”という事になってしまいます。
すると、あと数十年もすれば誰もドット絵なんか見向きもしなくなるでしょう。
つまり、ドット絵という表現は所詮時代のアダ花で、普遍的な価値を持ってなくて廃れる運命である、という話になってしまいます。

いや、ドット絵は単なるノスタルジーでは無い！
そこには何か普遍的な価値がある！
私はそう思いたいけど…

そういえばやしろあずきさんがこんな漫画を描いてます↓

昔のドット絵のゲームを今の子供に見せたらどう見えるのか？という検証をされたそうです。
すると、「全部がマイクラみたい」（まあドット絵より先にマイクラに馴染んでるからなあ）という反応や、「モザイクに見えてエロい」（たしかにHD画質に慣れてる世代からするとSFCとかPS1のゲームは理不尽に解像度低いよなあ）みたいな反応だったそうです。

うっ…、この結果だけ見ると、ノスタルジーを持ってない人にはドット絵は別に良くは見えないという結論になりそうですが、これだけではサンプル数がまだ足りないのでハッキリした事は分からないでしょう。

思うんですが、豊井さん以前は、レトロゲームの文脈でドット絵が描かれる風潮が強かった気がしますが、色数制限やスプライトサイズ制限でファミコン準拠やスーファミ準拠をレギュレーションとしてやってる人が多かった気がします。

豊井さんも昔は色数制限とかやってたみたいですが、最近は一杯色を使ってるそうです。

昔のゲーム機の規格を無視して色数をふんだんに使っても、やっぱりドット絵はドット絵の良さを感じるので、そうなると単なるノスタルジーとは違う何かがドット絵にはあるんじゃないでしょうか。

というわけで、単なるノスタルジーだけで片付けてしまうのは悔しいので別の仮説も考えてみましょう。

仮説２　ドット絵は完全な幾何学的図形が描ける説

↑これは私が何も考えずに打ったドット絵ですが、ドット絵はこのように、完全に同じだけ幅を開けて、完全に垂直、水平な線が引けます。

当たり前っちゃ当たり前ですが、しかしアナログ絵や普通のデジタル絵ではこんな風に完全な幾何学的な形を描くのは困難です。

このキチッとした形が綺麗だからドット絵が魅力的に見えるのではないでしょうか？

しかし、ちょっと考えて、この説は違うな…と思いました。

↑何故なら、ドット絵は水平、垂直は綺麗ですが、斜めの線を引くとこんな風にギザギザのガタガタな線になってしまうからです。
とてもじゃないですが幾何学的美しさなんて感じません。

それに、幾何学的完全な絵なら、Illustratorみたいなベクターグラフィックスで絵が描けるソフトでも簡単に描けますし、なんならそっちの方がナナメの線も綺麗に出て、幾何学的に美しいと思いますが、ベクターグラフィックスの絵を見てもドット絵を見た時みたいな気持ちよさを感じた事はないので、この説は違うな…と思いました。

仮説３　ドット絵完全説

ドット絵は大抵の場合、解像度が低めです。
1920×1080のフルHDのドット絵なんかがあったとして、なんかもうそうなるとドット絵じゃないのでは？（普通のデジタルイラスト並みの解像度だし）みたいな話になってきます。
解像度が上がるほど一つ一つのドットの存在感が小さくなるからです。ドットが見えないほど小さくなっていって、ドット感を感じなくなるとドット絵感もなくなります。

ピクセル百景の中のコラムで、ドット絵の定義についてこちらのツイートが引用されてました。

豊井さんはインタビューによると250×144の解像度が基本的な作品サイズだそうです。

それで、ドット絵は基本的にはドットを一つずつポチポチ打って制作します。

つまり、作品の全ては完全にクリエイターがコントロールしている事になります。

例えば、私が適当に打ったこの↓ドット絵ですが、これだって相当適当に描いたにもかかわらず、無駄なドットは一つもありません。全て意図して打ったドットです。

先ほどの説にも似た話ですが、ドット絵じゃない普通の絵の場合は、キャンバス上の全てが完全にコントロールされて全てが完璧、なんて事にはなり得ません。

どんだけ天才画家でも、微妙に線が曲がったり、意図しない色になっちゃったなーみたいな部分は一つくらいは出てくるでしょう。

しかし、ドット絵なら画面上の全てのドットに至るまでクリエイターが完全にコントロールしている、完璧かつ完全な作品が作れます。

この完全性がドット絵の魅力だという説です。

仮説４　処理流暢性説

豊井さんはインタビューで「ドット絵とは、解像度が低くてそもそも見づらい絵である」とおっしゃってます。
たしかにその通りですよね。

どうしてそんな見づらいドット絵が特有の魅力を持ってるのでしょうか？

心理学で処理流暢性という概念があります。

人は分かりやすい話ほど信じてしまう—心理学における処理流暢性のはなし

見やすい物、分かりやすい物（処理流暢性が高い）ほど良い物、正しい物と思って信じてしまうという理論です。

基本的に処理流暢性が高いほど良いわけですが、むしろ処理流暢性が低い事によるメリットもあるらしいです。

処理流暢性が低い（分かりにくい）と感じる商品は、「目新しい」「革新的」だと感じるらしいです。
また、 処理流暢性を下げる（見づらくする、分かりにくくする）と、慎重に、注意深く考えるようになるそうです。

というわけで、ドット絵は処理流暢性が低い（見づらい）表現だと思いますが、そのおかげで”目新しく見える”、”革新的に見える”、”注意深く見てくれる”という効果があるかもしれず、それがドット絵特有の魅力かもしれないという説です。

仮説５　ドット絵は確率的表現（シュレディンガーの線）だよ説

これが仮説の中でも私のイチオシの説です。

一旦、ドット絵ではない普通のイラストでのラフ画とペン入れの話をしたいです。

↑絵を描く人なら大抵の人が体験した事のある現象だと思うのですが、ペン入れするとラフの時より絵が劣化したような気がするという現象が稀によくあります。

何故このような現象が起きるかと言うと、ラフ画の時は何本も引いた線から脳みそが勝手に”最良の形”を読み取って補間してくれますが、ペン入れでは沢山の線の中から一本の線を選択する必要があります。
選択した線が最良の線とは限らないので、劣化してしまうという訳です。

しかし、どんだけ線を引き直しても何故かどうしてもラフより劣化する！という話もよくあります。
「あ～あ、こんなんならもうペン入れしないでラフのままで済ませたいよ！」
実は、ラフ画を見て脳内補間で引いている線というのは、現実では引くことが出来ない線なんじゃないか、とまで思う事があります。

つまり、脳内にしか存在しえない線、形而上の線です。
その形而上の線は、何本も線を引きたくったラフ画の中で、”線の可能性”として、確率的にしか現実上で表現しえないものなのではないか…と。

この形而上の線をパンツに例えると、スカートの下のパンツがモロに見えてしまってるよりも、パンツが見えそうで見えず、パンツの存在が暗示されてるだけの方が想像がかきたてられてエロい…みたいな事でしょうか（違うかもしれない）

言い方を変えれば、一意に確定してしまってる形より、確率という形で示されている形の方が脳的には美しく見えるのかもしれない（何故なら現実では表現しようが無い形而上の線を脳内補間で引いてくれるから）…という話です。
シュレディンガーの線ですね。

この話は、普通の絵のラフだけではなく、ドット絵にも当てはまるんじゃないかと思いました。

↑説明用にまた適当にドットを打ってみましたが、こうしてみると、ドット絵はかなり”形がハッキリとは確定してない”ように見えます。特にナナメの線のギザギザなんて、どうとでも取れます。
解像度が低いほど形の不確定度が上がります。

”ざっくりしたドットの中に描線が確率的に潜んでいる”と言えます。

グシャグシャしてる普通の絵のラフ画と違って、ドット絵は作品として完成しており、こんなにもハッキリとした形をしているにも関わらず、なおかつラフ画のようにあらゆる部分の形が一意ではなく確率的に示されている…。

もしかすると、これこそがドット絵特有の魅力、ファクターαなのかもしれません。
ドット絵は、描かれているモノの形を確率的に示すことができる表現だった！だから、ラフ画がペン入れよりも何故かよく見えるのと同じように、どんだけ美しく具体的に詳細に描かれた絵よりも、確率的な表現で描かれたドット絵はそれを超えていける可能性があるのかもしれない…。

ためしに、先ほど紹介したドット絵のアップスケール補間をかけてみましょう。

うわぁ…そうじゃないだろ感がハンパない…。
つまりこれが、ドット絵のギザギザの中に確率として示されていた形を一意に収束させてしまう事のつまらなさ、というわけですね。ラフ画をペン入れして劣化させてしまった状態と同じです。

こんな風に具体的な線が引かれてしまうと、脳みそは見たままの形を受け入れるしか無く、脳内で補完する事ができないわけです。

これが、ドット絵で見ている形の印象が、非ドット絵に決して落とし込めない（つまりドット絵の方が何か知らんけどいい感じに見える）理由かもしれません。

この説が正しければ、どうしてドット絵は解像度が上がるほどドット絵らしく見えなくなるのかも説明が付きます。解像度が上がると描かれている形が確定していってしまって、シュレディンガーの線の不確定性を失うからです。

でも、この説が本当だったら、ドット絵じゃない絵もドット絵っぽくなるまで解像度を下げたらドット絵特有の味が出てくることになりませんか？

例えば、ドット絵コンバーターというものがあるそうです。

おっ…これはいいかもしれない…。

仮説６　ドット絵は見た人の想像力をかきたてる

一般的にはドット絵はゲーム画面でしか見た事が無いような人が多いでしょうから、ドット絵を見ると「ゲームかな？」と思っちゃう人が多いでしょう。

つまり、ドット絵を見ただけで、ゲームの内容を想像してしまいがちです。
「これってどういうゲームなんだろう？」という感じで勝手にアレコレゲーム内容を想像してしまいます。

この”メッチャ想像させる”のがドット絵の魅力だという説です。

そういえば、twitterでドット絵では無いですがゲーム風（ダークソウル風とかブレワイ風）のイラストを描いてバズッてるのをよく見かけますね。

豊井さんもゲーム画面風の絵を描かれてます。

これらの絵も見た人はゲームの内容を想像してしまいます。

それにしてもやたらバズッてますが、なぜ、実際のゲームでなく、つまり中身が存在しないゲーム風の絵がここまでウケてるのでしょうか？

ぶっちゃけた話、ゲームなんてのは頭の中で想像力を膨らましてる時が一番最高なのです。
そういうのを実際のゲームに落とし込もうとすると、必ず脳内妄想より劣化します。脳内で無限に膨らんだ妄想をそのままアウトプットする事は不可能だからです。

つまり、最高のゲームは常に頭の中にしか存在しない事になります。しかも、その脳内妄想のゲームは細部はふわっとしててよく分からないにも関わらず、”最高”という観念だけがある状態だったりするので、実際には現実のゲームとして具体的に落とし込む事は完全に不可能だったりします。

さあ、じわじわ話題がズレてきてますが、私が学生時代だった頃もそうですが、ゲームを作ろうとする素人は、そういう「脳内妄想の最高のゲームを作るぞ！」みたく意気込んでしまいますが、脳内妄想を現実に落とし込むのは例えプロだろうがゲーム会社だろうが完全に困難だという点を見落としがちです！

というか、ゲーム会社はそんなふわっふわの脳内妄想ベースでゲーム作ったりしない（責任者が素人だとやっちゃうかも）ですし。

ゲームを作ろうとしてる人は、そういう脳内妄想のイメージボードベースで作るより、実際に動くプロトタイプベースで制作した方が無難です！作りたいものを作るというより、作れそうなものを作るという意味です。

さらに言えば、これらのバズッてる人達のように、妄想をゲーム風イラストにしてtwitterに上げるに留めておくのが一番幸せな選択…という事もあり得ます。

さて、ドット絵の話に戻りますが、つまりドット絵は、細部の形をハッキリ示さずに、可能性という形で示唆するに留める事で見ている人の想像力をかき立てると共に、ゲーム自体を作らずに、ゲーム世界や内容を想像させるので、この二重の効果で想像力をビンビンにかきたてまくる効能があるのかもしれません。

見た人の想像力をかき立てればかき立てるほど、コスパは尋常じゃなく向上していきます。
実際にゲームを作るのは、ゲーム風イラストで想像力をかき立てるのの何万倍も労力が必要になります。 ゲーム風イラストを実際のゲームにする場合、見た人の想像力に任せていた部分を全て自力で埋める必要があります。そんなもんは死ぬほどクソ大変です。

ゲームハードの進歩とともに、ゲームグラフィックスの表現力は向上していきましたが、それはつまりゲームプレイヤーの想像力に任せていた部分を、どんどんゲーム側が具体的表現で埋めていった歴史でした。

その結果、ゲーム開発は尋常じゃないくらい労力がかかりまくるようになりました。

たとえば、1997年のFF7と2020年のFF7リメイクのグラフィックスを比較してみましょう。

以前に書いた記事でも述べましたが、ファミコンの頃のゲーム開発費は1千万円くらいだったのが、PS4時代になると10億円くらい、30年間で100倍も増えてます。

つまり、ユーザーの想像力に任せられていた部分を具体的に埋めようとすると無限に大変になっていくという事を表しています。

逆に、上手い事ユーザーの想像力に委ねる工夫をしていけば、百倍くらいコスパを上げられる可能性があるという事かもしれません。

せっかくユーザーの脳内で無限に膨らんでいた妄想を、わざわざ苦労して埋めていく必要が、必ずしもあるのでしょうか？
しかもそこまでやってもユーザーは「なんだ、こんなもんか」みたいな反応になりがちです。
具体的に実現した表現と言うのは、抽象的な脳内妄想に絶対勝てないからです。（ペン入れの線がラフの脳内補間に勝てない現象に似ている？）

たとえば、低予算のホラーゲームやホラー映画って結構ありますが、ホラーコンテンツが低予算で済ませられるのは、内容の大部分をユーザーの恐怖の想像力に委ねているからかもしれません。

仮説まとめ

というわけで、思いついた仮説を羅列してみましたが、結局どれが正しいのか？は私にはまだ分かりません。
全部正しくない可能性もあります。

ただ、「ドット絵の魅力なんて単なるノスタルジーだけで、昔ファミコンで遊んでたヤツが懐かしがってるだけ」って話だと面白くないので、なにかもっとドット絵にはそれ特有の普遍的な価値がある！という可能性を示せないかと思い、色々書いてみました。

ドット絵のキャラのシンプルな顔表現が好き

モザイクみたいな低解像度の人の顔から補完して元の顔を再現するようなAIが開発されているのはご存知でしょうか？↓

私は、人間の脳も低解像度の画像を見た時はこのAIのように脳内で画像補間が走るんじゃないかな～と思ってます。

上のツイートは、オバマ元大統領の画像だったのに、まったく別人の顔になっちゃってんじゃん！というのがツッコミどころなわけですが、ドット絵の場合も、同じ絵を見ていても、観ている人によってそれぞれ脳内で好き勝手に補間して、実はみんな違う物が見えているのかもしれない、なんて思ったりします。

そういえば、ドット絵では解像度が限られてる関係で、キャラの顔なんかは極めてシンプルな形状で表現されたりします。

私はこれくらいの、目が横幅１ピクセルの黒い縦棒だけで表現されてるようなドットキャラが好きですね。

顔の表現がシンプルになるほど、個別的な顔から普遍的な顔になっていきます。
解像度が上がるにつれて、顔もシンプルな表現から具体的な表現に変化していきがちです。

すると、「あれ、こんな顔だったのか」みたいな感じで、表現が個別になるほど見る人の好みが分かれてきます。

↑こちらは「マンガ学」という本の内容ですが、何の話かと言うと、一番左上の写真の顔は、当然ながらその人本人にしか当てはまらない顔です。その一つ右の、写真を模写して描いたくらいの顔は、まあ世界で何人かに当てはまる顔です。
一番右の眼が点々の白ハゲみたいな、極限まで簡略化した顔は、世界中の全員の人に当てはまる顔です。

つまり、究極にシンプルな顔は、誰が見ても親しみを持てて、好かれる、少なくとも嫌われない絵になるという事です。（しかし、まあ当然ながら普遍的になる分だけ個性は無くなります）

ドット絵でも同じ話が当てはまると思います。

エルジェが描いた有名な漫画シリーズ、タンタンの冒険のキャラも目がシンプルな点々で表現されてます。↓

これだけシンプルだと、引きの絵だと見やすいですが、寄りの絵のアップになるとキビシイんじゃないでしょうか？と思ったりしますが、タンタンの冒険を読んでみると、あんまりカメラが寄ったり引いたりしないで、全部の絵が均一な引きの絵で描かれてました。

ゲームのドット絵も普通は寄ったり引いたりしないので、シンプルな顔はカメラが寄らない場合に強さを発揮する表現なのかもしれません。

そういえば、タンタンの冒険は最近CGアニメ化されましたが、その時のタンタンの顔はこれです。

↑まあその…なんちゅうか、まさに上でマンガ学で説明されていた通り、顔がリアルになると、別に悪いってこたあないですが、”親しみ深さ”が無くなる感じがしますね。

アドベンチャータイムというカートゥーンアニメがありますが、こちらもキャラの顔は相当シンプルです。

アドベンチャータイムでは普通に寄りのアップの絵になる時もありますが、顔のシンプルさは変わりません。（ただしメッチャ変顔になる時もよくある）

↓アドベンチャータイムにはビーモというゲームボーイみたいなキャラもいます。

もしかするとアドベンチャータイムのキャラの顔のシンプルさは、ゲームのドット絵をそのまま拡大してみた。みたいな発想なのかもしれません。

私は、アドベンチャータイムの絵を初めて見た時は、「いくら何でもシンプル過ぎてアカンやろ」とか思った気がしますが、実際にアニメでイキイキと動くキャラを観てたら大好きになりました。

顔がシンプルになるほど万人受けするという説はかなり信ぴょう性がありますね。

ドット絵のキャラがやたら可愛く見えるのも、解像度の問題でシンプルな顔になっちゃうからかもしれません。

そういえば、ゼルダの伝説の主人公のリンクは、最初はファミコンのドット絵のシンプル顔だったのに、ハードの進化と共に表現力が上がっていって、段々顔が具体的になっていきましたね。

別に顔が具体的表現になるとキライになる…という訳では無いですが、ドット絵のシンプルな顔だった頃の”親しみ深さ”は失われてしまうような気がしなくもないです。

それに対して、マザー２のネスは同じスマブラでもドット絵をそのまま拡大したようなシンプルな顔で登場します。

「顔を具体的にすると文句言うならドット絵のままの顔にしてやったぜ！ドヤ！？」と言われると、まあ…たしかにドット絵と同じシンプルな顔なんですが、顔は非現実的なままなのに、ライティングや質感だけがやたらリアルなので、よ～く眺めると何だか不気味…な感じがしなくもないです。文句ばっかですいませんが。

余談ですが、どうして同じスマブラで、リンクはリアルになってるのにネスはそうなって無いんでしょうか？
リンクは、ファミコンやスーファミ版のパッケージですでにそれなりに具体的なキャラデザで描かれてます。つまり、ファミコンのグラフィックスでは表現しきれてないだけで、本来はこういうキャラなので、脳内補間してくださいね！という感じだったわけです。
それに対して、マザー２のネスは、説明書の公式イラストもなんちゅうかドット絵のデザインのままの人形？でした。

という訳で、それぞれ公式のキャラデザに寄せてった結果がこういう違いとして現れたのかなと思います。

ややこしいのは、リンクは風のタクト系列のトゥーンリンクというバージョンも存在します。こちらはカートゥーン？的なややシンプルな顔をしてます。

シンプル顔のおかげでかなり親しみ深い気がします。

また、夢を見る島リメイクではドット絵寄せのリンクが生まれました。

「これなら最高にシンプルな顔立ちだから、最高に親しみ深いじゃろ？」と言われると、なんかやっぱスマブラのネスと同じで、顔のシンプルさと質感表現のリッチさとかが釣り合ってないせいで、なんかどうしてもやや不気味なニュアンスが出てしまうような…気がします。（こいつが自分の背後に立ってたら怖いだろうな…みたいな想像してしまう）

そうして考えると、ドット絵の表現としてのある種のチープさは、キャラのシンプルな顔表現とバチクソ釣り合っていて最高にベストマッチと言えるかもしれません。

ドット絵で個性を出すのは難しいかもしれない話

さて、上で書いた、「ドット絵とシンプルな顔の相性がいい」という話の裏返しの話になりますが、ドット絵はクリエイターの個性が出しにくいかもしれないという話です。

ドット絵で有名な豊井さんですが、最近はドット絵じゃない絵も描かれているようです。

これは何か統計データとかがあるわけじゃないですが、ドット絵を描いていた人は、最終的にはドット絵じゃない絵を描くようになりがち…な気がします。

その原因の内の一つは、後で述べようと思ってる、「ドット絵儲からない説」がありますが、もう一つの理由は、ドット絵だとクリエイターの個性が出しにくいかもしれないからです。

ドット絵じゃない普通のイラストなら、パッと見ただけで誰が描いた絵なのか大抵分かります。ワンピースの絵を見れば尾田先生の絵だな～と思うし、ドラゴンボールの絵を見れば鳥山先生の絵だな～と分かります。
線のタッチとか画風が描く人によって個性が分かれてるからです。

それに対して、ドット絵は極めて解像度が限られてるので、描いている対象が記号的な表現になって、誰が描いたものか見分けが付きにくいです。

もちろん、ドット絵でもそれぞれのクリエイターの作風という物はあるので、よ～く見れば判別できるかもしれませんが、パッとドット絵を見て作者を当てるのはちょっと難しいです。

つまり、ドット絵は匿名的な性質を持っていると言えるかもしれません。
ドット絵はどちらかと言うと芸術的な表現というより工芸的な表現なのかもしれません。

例えばエスニックなタペストリーも工芸品ですが、我々はそれがエスニックな模様である事は分かりますが、作者は誰だろう？なんて事は分からないというか、そもそも気にしません。

エスニックな雰囲気のタペストリーが欲しいだけなのに、なんか製作者がゴッリゴリに個性出してきてもそれはそれで困ります。

ドット絵はそもそもはゲームグラフィックスのために生まれた表現だったので、このドット絵が持つ匿名性はゲームを作る上で便利でした。

スト２のキャラのドット絵は色んな人が制作してますが、遊んでても別に不統一な感じは感じません。

あきまん本人が語る！スト2のドット開発とイラストについて(追記)

しかし、ゲーム用ではなく、クリエイターが自己表現としてドット絵を選択した場合、ドット絵の匿名性は厄介です。

自己表現でやってるのに、自分の個性を出す事ができないからです。

そして、「解像度が低いせいで個性が出せないなら、解像度を上げればいい！」という発想で、作品の解像度がどんどん上がっていきがちです。

上でも述べたように、解像度が上がるほど、ドット絵感は薄れていきます。
そして、最終的には気付いたらドット絵じゃなくなっていた…みたいな。

ドット絵の匿名性と、クリエイターの個性のジレンマです。

これは誰か特定の人の事を指しているわけではないですが、何となくそんな風にドット絵卒業してしまう人が結構いそうな気がする…というだけです。

豊井さんのようにドット絵で風景画を描いている人たちに、APO+さんやモトクロス斉藤さんという方々がいますが、彼らがインタビューで興味深い事をおっしゃってます。

https://cgworld.jp/interview/202107-upc.html

「ドット絵は、カッコいいのになんかやってる人がいなくなっててブルーオーシャンな所がいい！」みたいな事をおっしゃってます。

しかし、どうしてドット絵をやってる人はいなくなってしまうんだろう？という話です。
やはり、やっぱりみんな最終的にはドット絵を卒業してしまうからではないでしょうか。

APO+さん、モトクロス斉藤さん、せたもさんの３人は、「ULTIMATE PIXEL CREW」（UPC）というピクセルアートの制作チームを組んでます。

３人とも、最近はドット絵じゃ無い絵も描かれたりしてます。

これだけでは決めつけられませんが、やっぱしドット絵やってる人は最終的にドット絵卒業してしまう説、あるんじゃないかな…。

しかし、ドット絵で評判になった人がドット絵をやめちゃうと、ファンから「もっとドット絵を描いて！」とか言われてしまいそうですね。そんな心配は大きなお世話でしょうが。

また、モトクロス斉藤さんはインタビューで、「ピクセルアートは誰もやってないブルーオーシャンなところがいい」的な事を語られてますが、逆に言うとドット絵を卒業してしまうと沢山のイラストレーター達と同じ条件のレッドオーシャンにただちに叩き込まれてしまう事になります。

豊井さんの作風の話

豊井さんはドット絵の風景画という表現を発明した人という事になっており、モトクロス斉藤さんは豊井さんの影響で、APO+さんはモトクロス斉藤さんの影響で、せたもさんはAPO+さんとモトクロス斉藤さんの影響で、芋づる式みたいな感じでドット絵を始められたそうです。

waneellaさんという海外のクリエイターもドット絵風景画を制作されてます。

しかし、豊井さんの作品はフォロワーが描かれた作品とは何かちょっと違う何かがある…そんな気がします。

一概に豊井さんの作風、と言っても、結構バリエーションが幅広いのですが、典型的だと思う作風の作品をいくつか引用してみます。

これらの豊井さんの作品の特徴として、まずパースが付いてない事があります。
そして、記号的にデザインされた小物（豊井さんが好きな物）が一杯配置されてます。

それに対してUPCの人達やwaneellaさん（フォロワー）の作品は、相当しっかりパースが付いている傾向があります。

ちなみに、APO+さんは沢山の構造物の立体の整合性を取るために、ラフ段階でBlenderの3Dを使っているそうです。

ピクセルアーティストAPO+のワークフローと機材要件に迫る。クリエイター向けPC「DAIV」の実力は？

私はそもそも豊井さんの作品とフォロワーの作品では成り立ちが違うんじゃないか？と感じました。

豊井さんはインタビューで仰ってます。

「（昭和っぽい街並みを描く理由について）それは単純に好きだからというより、光や水や花の美しさの邪魔しない、平易なモチーフだからという理由があります」

「なので好きなモノを並べて、どうにか整合性のあるテーマを考え、色のバランスを取って、視線誘導を散らして……とやっていたら、いつの間にか絵というよりもパズルを解いてるようになってしまって。」

つまり、上に並べたような豊井さんの作品は、”風景を描く”という目的ではなく、”好きな物を描いて羅列したい”というのが第一目的という事でしょう。

個々のオブジェクトは、アイコン的というか、ピクトグラムのようなデザインチックに描かれてます。
それらを羅列できる舞台を後付けで考え出して風景画として辻褄を合わせてるという事です。

それであれば、パースが付いてない理由も自明です。
パースを付けてしまうと個々のオブジェクトにも立体感を付けて整合性を取る必要が出てきてしまいます。（例えばナナメ上から見た形を描かなければならないとか）
そうすると、せっかくアイコンチックに美しい形で描かれたオブジェクトの形が崩れてしまいます。
だからパースを付けないわけです。（まあパースがあるドット絵も普通に描かれてますが…）

この点が、豊井さんとフォロワーの作品で大きく違う点かなと思います。

豊井さんがドット絵を始める前に描かれたイラストがあります。

この頃からすでに、アイコンチックなオブジェクトを羅列して風景を構成したい！という意思がありありと出ている…ような気がします。

実際豊井さんはアイコンチック、ピクトグラム的なデザインがかなり好きみたいです。

↓それから、川の看板にも反応されてますが、たしかにこれも、アイコンチックなオブジェクトを並べて風景を構築しているという意味で、豊井さんの作品に似てるかも。

他の豊井さんの作品の特徴として、青色が凄い綺麗な事が挙げられると思います。

豊井さんはLightroomで色調補正してるそうですが、かなりバキバキに調整してそうですね。

豊井さんはまた、インタビューで、題材に関してこのようにおっしゃってます。

「僕は絵に「視覚的な豊かさ、楽しさ」という単機能を持たせたいんです。だから「意味」とか「コンセプト」というものを含ませたくないし、勝手に見出されることも避けたい。僕はもっと「素朴な絵」が描きたいんです。」

豊井さんの言う、”単機能”とか、”素朴”という事の真意は、インタビュー記事からだけでは図りかねるところがありますが、単機能と言うのは例えば天気予報の天気マークのような絵、ピクトグラムなどを指すのかもしれません（天気マークは天気を示すという単機能を持っていて、他に含む所が無いですし）

素朴というのはやっぱり川の看板みたいなものの事かもしれません。
あるいは、豊井さんが影響を受けた画家である、熊谷守一のような絵を指すのかもしれません。

豊井さんが影響を受けた画家など

豊井さんはインタビューでアンリマティスや熊谷守一が好きだと仰ってます。

↓アンリマティスはこういう絵を描いた画家です。

↓豊井さんのこの辺りの絵はマティスの影響かもしれません。

↓熊谷守一はこういう絵を描かれた方です。

熊谷さんは亡くなるまでの20年間、一切家の敷地から外に出ずに生活していたそうです。
画家なのに家から出ないでどうするんだ？というと、家の庭の自然をひたすら描いてたそうです。
「モリのいる場所」という題名で映画化されてます。

↓豊井さんのこの辺りの絵は熊谷守一の影響かもしれません。

↓豊井さんのこの絵は犬プールさん寄せだと思います。

↓この辺りの絵はすいません、確証が無いけど適当に言いますがみなはむさん寄せかもしれません。

ドット絵じゃないけど、お絵描き掲示板的解像度の絵の話

ドット絵よりは解像度が高いけど、でもそれほど解像度が高くない、大体お絵描き掲示板の頃くらいの解像度感（800×800くらい？）で絵を描かれている方もいます。

たとえば、ななみ雪さんです。（ドット絵も描かれてます）

このくらいの解像度感でも、ドット絵特有の魅力と、微妙に違うけど似たような感じがありますね。

ドット絵は儲からない？話

下世話な話題ですが、ドット絵って儲からないのかもしれない…という話です。

ドット絵はかつてはゲームのグラフィックで大量に使われており、仕事でドット絵を打つ職人はドッターと呼ばれてましたが、今は３Dゲームばかりなのでゲーム会社のドッターの仕事は壊滅状態なのではないでしょうか。

UPCの人達は、インタビューで「何故かドット絵を描いてる人はほぼいないからブルーオーシャン！」的な事をおっしゃってましたが、ドット絵を描いていても儲からないからみんな描くのを止めてしまうのかもしれません。

とは言え、すいませんが私はドット絵界隈の事情は実際には何も知りません。そんな気がするという程度の確度で書いてます。

そう思うのは、例えば街中で見かけるポスターなんかでイラストがよく使われてますが、ドット絵のイラストが使われてるのはほとんど見ません。

つまり、商業イラストのニーズとしてドット絵ってあまり需要が無いんじゃないかと。

何故なら、ドット絵にはどうしてもゲームの文脈がくっ付いてきてしまうからです。（本当は豊井さん以降のドット絵風景画はもはやゲームの文脈から外れてるにもかかわらず）
さらに言えば、どっちかというと最新ゲームというよりはレトロゲーム的なニュアンスが付きがちです。
ゲーム的なフレーバーが欲しい時にはドット絵は適していますが、それ以外の全然ゲームと関係ないポスターやチラシでドット絵が描かれてたら、なんで？ってなっちゃいます。

まあ、ドット絵需要は少ないとは言え、ゼロではない、ニッチな状態なので、世界中でドット絵クリエイターが数人しかいない？ような状況であれば食えるのかもしれません。

また、ドット絵を描いてるけど、普通にドット絵じゃない絵も描けます！という話もあるでしょう。
しかし、一旦ドット絵で有名になってしまうと、”ドット絵の人”という扱いになってしまい、例えばポスターの絵を発注する時に、敢えてドット絵で有名な人にドット絵じゃない絵を依頼するか？というと、そういう流れにはなりづらそうな気がします。

↓例えば豊井さんは以前に仕事としてチップチューンのライブの広告用にGIFアニメを制作されてます。

チップチューンならレトロゲーム的文脈の音楽ジャンルなので、ドット絵がよく合います。むしろドット絵以外はあり得ない。

しかし、チップチューン関係のイラスト依頼の市場規模なんて、ほぼ無いに等しい…のではないでしょうか。

ドット絵儲からない説の最大の根拠は、ドット絵風景画の創始者である豊井さんがそもそも儲かってなさそうというのが大きいです。

豊井さんはドット絵をバンバン制作していたにもかかわらず、一時期は生活保護を受けてました。
その後、Patreonでパトロンになってくれる人が世界中で沢山現れ、最低限の生活費は何とかなる状態になりました。

豊井さんのドット絵は人気なので、支援してくれる人は一杯現れたものの、ドット絵自体で儲かっているという状態ではないようです。

ドット絵は厄介な事に、ドット絵それ自体を売る事はできません。（まあデジタル絵はみんなそうですが）アナログ絵ならそれ自体を販売して稼ぐことが出来ます。

という訳で、豊井さんは最近はドット絵からアクリルパネルのグッズを制作して売っているそうです。

ドット絵は飾る事も出来ないという問題がありますが、こうしてアクリルパネルにすれば飾れます。

しかし、アクリルパネルだと当然ドット絵のGIFアニメは再生されないのが痛しかゆしです。

上でも書きましたが、ドット絵は単なるノスタルジーにとどまらない、それ特有の普遍的な価値を秘めている可能性があります。
しかし、ドット絵はデジタルなので所有権とかが無く、譲渡もできないので、絵画と違って値段が付きにくいという問題があります。

どうにかなんないんでしょうかね。

ドット絵をマネタイズするという意味で言えば、いっそ自分でゲームを作ってしまうという手もあるかもしれません。

洞窟物語のドット絵とかメッチャ良かったですね。

リマスター版で解像度が上げられましたがなんかこれじゃない…。

https://w.atwiki.jp/doukutsu/pages/48.html

そういえば言及しておきたかったのが、なるめさんが描いた「ILY.」という漫画です。

こちらの漫画は、なんと全編ドット絵で描かれてます。
つまり、コミックスはフルカラーです。

このような漫画が出るという事は、ひょっとするとドット絵特有の普遍的魅力が世間に認められ始めてる兆しかも知れませんね。

この調子でなんでもかんでもドット絵が使われるようになれば、ドット絵で儲けたり食っていく事が容易になって行くかもしれません。

なんだかんだドット絵のゲームはある

これまで書いた中で、まるでドット絵のゲームは今となっては滅んだかのごとき書き方をしてきましたが、実はSteamのインディーゲームなどではドット絵のゲームは今でも山ほど出ているという事実をお伝えしておきたいです。

有名な所で言うと、Undertale。
Undertaleはドット絵に馴染みが無いはずの今の子供たちにも大人気というのが注目ポイントです。

Hyper Light Drifter。

River City Girls。

さて、羅列してってもキリ無いのでこの辺にしますが、どうしてインディーゲームではドット絵が盛んなのでしょうか？

まあ、まずインディーの規模だと３Dゲームより２Dゲームを作る方が簡単だからという事があるでしょう。

それと、結局のところドット絵が最高だからという事では無いでしょうか。
そしてなにより、ドット絵のゲームはこれまでゲーム会社側が勝手に３Dに走ってドット絵を捨て去ってしまってただけで、ユーザーからして見るとまだまだドット絵ゲームの需要は普通にある、という事の表れかもしれません。

おわり

という訳で、豊井さんの事やドット絵の事について、書きたい事をあれこれ書いてみました。

この記事は雑考なので、特にまとめとか結論とかはありません。

そもそもこの記事を書いた理由は、豊井さんの作品の魅力を自分に取り入れたかったからでしたね。
色々考えてみましたが、私は今のところドット絵の制作はやらないかもしれませんね。
今のところ、あんまり儲からなさそうだし潰しも効かなそう…みたいな。
ドット絵特有の魅力は最高に素晴らしいのですが…個性が出しにくそうな点も気になる所です。

ドット絵はともかく、色の美しさなんかは参考にしたいところです。

キャラの顔のシンプルさと親しみやすさが比例する話なんかは、自分でも書きながらなるほどな～と思いました。

普通のイラストでのラフ画とドット絵は、描線が確率的に示されているという意味で似ているという点も指摘させていただきましたが、むしろ私はドット絵じゃない普通の絵でもドット絵特有の魅力を滲み出させる方法はないかな～とか思ってしまいます。

ドット絵じゃなくても、ななみ雪さんの描かれるくらいの解像度感でもそういう魅力が出ることが分かりました。
もっと高い解像度でも同じ感じにできないだろうか？（と言っても確率的な表現は見づらさとセットなのかもしれませんが）

具体的にどうすればいいのかはまだ見当も付きませんが、そういう試みも検討してみるのが今後の課題かなと思います。

あ、今急に思いつきましたが、そういえばまどマギのキャラって顔の輪郭線だけ線が２本引かれてますよね？

これは何かというと蒼樹うめ先生の絵柄を再現してるわけですが、線を２本にすることで収束した線から確率的な線に変換してるのかもしれませんね。

これもまどマギキャラの放つ不思議な魅力の一因かもしれません…！？

表題の通り、私がゲーム制作の奥義だと思ってる事について書きます。

奥義と言っても、真っ当なゲーム開発者ならみんな知ってる事です。
「なんだ、知っとるわ！それくらい！常識だろ！！」と思うかもしれません。
しかし、もしこれを知らないでゲーム作ったら、数億円でも数十億円でも、好きなだけ大損こけるという点には同意いただけるかと思われます。

ですから、もしも知らなかった人は、これを知る事で、何億円でもトクできる…可能性があります。
そういう意味で、やはり奥義です。

この奥義は、私が発明したものではありません。
任天堂の宮本茂さんがかなり昔からゲーム制作時に必ずやっているというものです。

宮本茂さんは、マリオやゼルダといった沢山の神ゲーの生みの親である、要するに世界的な神のゲームデザイナーです。

ですので、本当は私がこんな風に偉そうに書く権利は無いんですが、まあとにかくその宮本茂メソッドを今回の記事では紹介します。

さて、やたらもったいぶりましたが、それではいよいよその奥義を書きます。

制作中のゲームを他人にプレイさせてみて、自分はその様子を後ろから眺める。

大事な事なのでもう一回書きます。

制作中のゲームを他人にプレイさせてみて、自分はその様子を後ろから眺める。

大事な事なので二回書きました。

この奥義のソースについてですが、2007年のほぼ日の「任天堂の岩田社長が遊びに来たのでみんなでご飯を食べながら話を聞いたのだ。」という、超重要な内容が語られてる割にはなんかユルそうなタイトルの記事の中で、岩田さんによって語られています。

この記事は、ほぼ日の大量のコンテンツの中にひっそり埋まってますが、ゲーム作りたい人で読んだことが無い人は大事な情報なので10回くらい読むと良いかと思います。

https://www.1101.com/iwata/2007-09-03.html

宮本さんって、
「こうやったら、こうなるはずや」
っていうふうにつくって、
もちろんその時点で、ほかの人よりは
はるかに打率が高いんですけど、
神様じゃないので、それなりに間違うんです。
それをどうやって補正してるかというと、
社内から、そのゲーム触ったことのない人を
ひとり、さらってくるんですよ。
さらってきて、なにも説明せずに、
いきなりポンとコントローラーを握らせて
「さあ、やれ」って言うんですよ。

なにも知らない人がそれを遊ぶのを見て、
「あ、ここわからないのか」とか、
「あそこに仕込んだ仕掛けは
　とうとう気づかずに先に行ってしまった」とか、
「先に、これやってくれないと、あとで困るのに」
というようなことが、後ろから見ていると、
山ほどあることがわかるんです。
お客さんが、前提知識がない状態で、
どんな反応をするかがわかるんですね。
だから、宮本さんは、自分がどんなに
実績のあるゲームデザイナーであろうと、
「お客さんがわからなかったものは
　自分が間違ってる」
というところから入るんですよ。

まあ、ここに書かれてる事が全てなので、これを読んでいただいたらもう私の記事は閉じていただいてもいいっちゃいいんですが、この記事はまだまだ続きます。

「 制作中のゲームを他人にプレイさせてみて、自分はその様子を後ろから眺める。 」という奥義、これを聞いたあなたは「なんだ、そんな事か」とガッカリしたかもしれません。
でも、”そんな事”をちゃんとやれているんでしょうか？

奥義と言うと、なんかド派手な必殺技とかを想像してしまいがちですが、まあ往々にして実際は奥義なんてのは地味～なもんです。

しかし、これだけだとあんまピンと来ないかもしれませんから、もう少し 「 制作中のゲームを他人にプレイさせてみて、自分はその様子を後ろから眺める。 」 事について深掘りしていきたいと思います。

岩田さんと宮本さんの話。天才について

岩田さんは元任天堂社長として有名ですが、その前はHAL研で開発部長、のちに社長をやっていました。

糸井さん達がマザー２の開発で行き詰ってた時に、岩田さんは助っ人として開発現場に呼ばれましたが、その時に岩田さんは、

「これを、いまある形のままで、
　直していくなら、２年かかります。
　でも、イチからつくっていいなら
　１年以内にやります。
　どちらにしますか？」

と仰って、実際にその後１年で作り直して発売まで漕ぎ付けました。

ですから、岩田さんは「俺は常人の２倍のスピードでゲーム作れるぜ」くらいの自信は持ってたはずです。

しかし、任天堂の宮本さんが作ったゲームは岩田さんの作ったゲームの何倍、何十倍も売れているようです。
いくら効率よくゲーム開発ができると言っても、売り上げで何十倍も差が付けられては勝てません。

普通の人なら「まあ宮本茂は天才だからしゃーないか」とか思ってしまいそうですが、岩田さんは「なんで？」を突き詰めるタイプです。

例えば、自分の会社にメッチャ天才な感じの人がいるとします。
その天才的な人に自分が追い付けないのは、そもそも脳みそのデキが違うからしゃーない。のかと言うと、必ずしもそうではなかったりします。
もしその天才的な人と自分のやってる仕事とかの手法が、完全に同じなのに、結果だけが何故か違ってきてしまうというのであれば、たしかに脳みそのデキの違いの問題かもしれません。
しかし、大抵の場合は天才に見える人は実際に天才というよりは、普通の人と”手法”が違うだけだったりします。
ですから、天才的な人の仕事の進め方をガン見して、完コピしたら自分も同じように成果が出せる…かもしれません。

恐らく、岩田さんは最初に、直接宮本さんに「どうしてそんなに凄いゲームが作れるんですか？」とか訊いたりしたはずです。
でも、多分宮本さんは納得するような答えをくれなかったでしょう。
それは、秘密だから隠してる、というよりは、宮本さんにしてみたら「どうしてって…普通にゲーム作ってるだけだが？」という感じで自分自身では自然にやってる事だから、言語化できないのでしょう。

ですから、宮本さんの凄さの秘密が知りたければ、直接宮本さんにインタビューしてる記事とか読むんじゃなくて、それよりもむしろ、ずっと宮本さんをガン見し続けて、宮本さんの凄さの秘密を言語化しまくっている岩田さんが言っている事をチェックすべきです。
宮本さんがソクラテスだとしたら、岩田さんはプラトンみたいな関係です。

そんなわけで、岩田さんは、宮本さんのやってる事をメチャメチャガン見し始めました。
岩田さんは「世界一の宮本ウォッチャー」を自認していましたが、もはやウォッチャーと言うよりストーカーレベルで、「俺が世界で一番宮本さんの事を分かってるんだ！！」みたいな（この辺妄想で書いてます）

そうやって宮本さんをこっそりガン見していた岩田さんが気付いたのが、この奥義だったワケです。

この奥義を発見した岩田さんは大ショックを受けて、会社（当時はまだHAL研にいたのかな）に帰ってすぐに、奥義をレポートにまとめて、これが宮本さんのゲーム制作の奥義や！みたいな感じで社内で発表したようですが、みんなポカーンとして、なんのこっちゃ？みたいな感じで誰も共感してくれなかったようです。

まあ、ここまでがソース記事で語られてる流れですが、恐らくそれからも岩田さんは宮本さんをウォッチしまくって、その天才的な手法をレポートにまとめまくっていったんじゃないかなと思います。

そんで、岩田さんが任天堂社長になったりしてから、レポートにまとめられた宮本茂開発メソッドはマニュアルみたいな感じで開発部署の社員に配布されているのかもしれません。
まあこれは想像で書いてますが、というのも本当に私がその辺の事情を知ってるとしたら内部情報の暴露になってしまうので、そんなんこんなブログで書けるわけ無いですからね。

でも岩田さんの性格からしてそういう事をしてそうです。
任天堂のゲームのクオリティ水準の高さの秘密はその辺にありそうな気がしますね。

宮本プレイテスト時の注意点

さて、この「制作中のゲームを他人にプレイさせてみて、自分はその様子を後ろから眺める」という奥義ですが、毎回全文書くのが面倒なので、一般的な名称としてプレイテストと呼ぼうかなと思いますが、単なるプレイテストというよりは宮本さん独自のプレイテスト方法ですから、”宮本プレイテスト”とこの記事では呼ぶことにします。

この宮本プレイテストを実際に実施するにあたって、注意点がいくつかあります。

まず、この宮本プレイテストではゲームプレイを”観察する”のが大事です。

ゲームプレイしてもらってから、”どう思ったか意見を訊く”とか、”アンケートを取る”とかはやめてください。”観察する”事が重要です。

まあ、観察した”ついで”なら意見を聞いたりアンケート取ったりしてもいいでしょうが、あくまでアテにするのは観察しての気付きであって、意見やアンケートはあんまアテにしない方がいいでしょう。

何故なら、人間は言葉では本当の事を伝えないからです。
ぶっちゃけて言えば誰しも嘘つきという事です。まあ、わざと嘘を付こうとしてるとかではないですが、人間は自分の感じた事を正しく言語化するのは困難です。
たとえば、自分の好きなラーメン屋があるとして、なぜ自分がそのラーメンが好きなのか、言語化するのは難しいです。「おいしいから」としか言いようが無かったりします。（何の参考にもならん）

Steamでゲームに低評価レビューが付いたりしますが、例えば「グラフィックがダメ」とか、「キャラが可愛くない」とか「ステージが長すぎてダレる」とか書いてたりするとします。
じゃあ分かりました！つってレビューで書かれてる事を全部改善すれば、この人が高評価してくれるか？というとそうでもなかったりします。
本当の問題はゲームプレイがつまらない事で、そこさえ直せば全部良くなるのに、レビュワーは本当の問題を言語化できてないからなんとなく目に付いた問題を書いてってるだけ。だったり。

ですから意見とかは真実では無かったりするので、それよりは観察した事は真実ですから、意見とかよりも観察をアテにすべきという事です。

また、岩田さんが言うには、宮本さんは”社内からそのゲームを触った事のない人を一人さらってくる”んだそうです。
つまり、なるべく初めて触った人のプレイを重視するというわけです。

「プレイテストくらい自分でやっとるわ！」という人もいるかもですが、開発者本人がテストプレイするのは当たり前です。宮本プレイテストでは、お客様の客観的視点でどうなのかをテストしたいわけで、他人にやってもらう必要があります。

そして、他人と言っても毎日同じ人にテストしてもらうと、その人はどんどんそのゲームに慣れていって上達してしまいますから、初見のお客様とは全然感覚が違ってきてしまいます。
慣れちゃった人の感覚に合わせて難易度調整してしまうと、初見のお客様からすると、「こんなん難しすぎるだろ！」ってなりがちです。

ですから、宮本さんはまだそのゲームを触ったこと無い人をさらってくるわけです。任天堂なら社員は一杯います（さらに任天堂はマリオクラブという大規模デバッグチームを自前で抱えてますから、プレイテストの人材は潤沢です）から、毎日新しい人を連れてくる事だって可能でしょうけど、小規模な開発だと現実的には難しそうだよな…とは思います。

そうやって、他人にプレイテストしてもらうのを開発者は後ろから観察するわけですが、観察と言っても、眺めて終わりではありません。プレイの様子を見ながら考察するのが重要です。

さらに、観察するのがゲーム画面だけでなく、プレイしてる人の目や表情も観察するのが重要だと、宮本さんはインタビュー記事で仰ってます。

https://www.gamespark.jp/article/2007/05/09/12148.html

心からみんなが私と同じ方法でゲームを開発するようになることを望みます。私はゲームを誰かにプレイしてもらうとき、意見を聞いたり、アンケートを取ったりしません。ただ、ゲームをプレイする彼らの目や表情を観察するだけです。彼らは笑っていますか？あるいは苛立っていますか？これは全くもって科学的な方法ではありませんが、そのように私は自分のゲームをテストするのです。

言われてみると、プレイヤーがゲームに行き詰ってる事はゲーム画面を観れば一目瞭然ですが、逆に、軽快にサクサク進行してる時に、果たしてプレイヤーがゲームに夢中になって楽しんでくれるかどうかはプレイヤーの表情を見ないとゲーム画面だけでは分かりません。
ゲームが簡単すぎてつまんないと感じてるケースもあるからです。

ゲーム開発者は全知全能の立場からゲームを作ってますが、初見のプレイヤーは何も知らない立場からプレイするので、つまりゲーム開発者が作ったゲームの仕掛けというのは実際ビックリするくらいテストプレイヤーは気付いてくれません。

開発者は全然自分の思った通りにプレイしてくれないプレイヤーにイライラして、「あーあー、違う、そうじゃねえんだよ！何で分かんねえんだ！ちょっと貸してみろ！」とか言い出したくなるでしょうが、何も言わないで黙ってじっと観察してください。
何故なら、ゲームは最終的にはリリースされますが、そうしたらお客さんは自分の家で一人でプレイしますから、開発者は一人一人のお客さんの後ろから「ここはこうやればいいんだよ」なんて言ってあげられません。
宮本プレイテストではそういうお客様のプレイ環境をシミュレートするために、開発者はプレイヤーに手出ししません。

さて、プレイテストでプレイヤーが意図した通りにプレイしてくれなかった場合に、開発者はどうすべきなのか？についてです。
もしそのゲームを沢山売りたいとか、沢山の人にプレイしてもらいたいのであれば、「何でこの程度の事が分かんねえんだ？プレイヤーの頭が悪すぎる！」みたいな態度はやめるべきです。
宮本さんは、「お客さんが分からなかったものは自分が間違ってる」という態度から入ります。

ですから、プレイヤーが分からなかった仕掛けは、自分が分かりにくく作ってしまったんだなあと考えて、分かりやすくなるようにヒントとかを入れて、誘導してあげるとか、そういう事をしています。

まあ、ヒントと言ってもバカでも分かるように超露骨なヒントとか入れちゃうと、プレイヤーは「バカにしてんのか？」とか逆に怒るかもしれません。

例えば、Undertaleというゲームでスイッチを押すと先に進めるようになる仕掛けがありますが、そのスイッチの横に「このスイッチをおすのよ」という超露骨なヒントが書かれてます。

まあこれはトリエルさんという超過保護なキャラクターを表現するための極端なネタ（それにしてもUndertaleはキャラクター表現のためにゲームシステムを使うのが上手い）なんですが、プレイヤーが分からないと困るからって極端に簡単にされてもそれはそれで面白くないので微妙な塩梅で調整する必要があるという事です。

ゲームとユーザーエクスペリエンス

宮本さんがプレイテストなどで常にお客様目線で考えるやり方と言うのは、いわゆるUX（ユーザーエクスペリエンス）デザインの考え方に近いのかもしれません。
ユーザーエクスペリエンスデザインというのは、製品、システム、サービスを利用するお客様の”体験”を設計する事です。

宮本さんは学生時代は工業デザインを専攻されていたそうです。
工業デザインと言うと、まあ幅広そうですが、例えば椅子や机の設計も工業デザインだと思います。

椅子や机をデザインする時に、何が大事かと言えば、まあ斬新な形の椅子を作りたい！という自分の気持ちもあるでしょうが、それより何よりお客様の座り心地が良い事が大事です。
ですから、椅子を設計したら、他の人に座ってもらって座り心地を確認するでしょう。

宮本さんは椅子をデザインする時のような考え方をゲームの開発にも取り入れてるのだと思います。

ユーザー体験という考え方は、実用品の時の考え方で、ゲームの話とは違うんじゃね？と思う方もいるかもしれませんが、むしろ実用品よりもゲームの方がユーザー体験の設計は重要かもしれません。

何故なら、ゲームは娯楽だからです。
もし、自動車のカーナビの場合は、操作が分かりにくい、使いにくいとしても、必死こいてマニュアル読んで覚えるはずです。カーナビが使えないと生活に困りますからね。
しかし、娯楽であるゲームは、別に無くても生活には困りません。「このゲーム意味分かんね！」と思ったら簡単に投げ出してしまうでしょう。
ですから、ゲームはむしろ実用品以上にユーザー体験に気を使う必要があります。

ゲームはコミュニケーション

私は、ある意味で、”1人ではゲームを作る事はできない”と思ってます。
「今はゲームエンジンとか使って一人でも作れるよ！」と思われるかもしれませんが、労力の問題というより、1人では宮本プレイテストができない、つまりお客様目線を取り入れられないからです。

ゲームと言うとテレビゲームのほかにもトランプやボードゲームやTRPGがありますが、私は全てのゲームはコミュニケーションだよなあと思ってます。
トランプやボードゲームやTRPGに人間同士のコミュニケーションが必要と言うのは分かりやすいですが、テレビゲームは一人でもできるんじゃね？と思われるかもしれません。

テレビゲームの場合は、ゲーム開発者とプレイヤーの間でのコミュニケーションする事になります。

結局のところ、テレビゲームが面白いというのは、ゲーム開発者が考える面白さがプレイヤーにうまく伝わってる状態で、つまらないのは上手く伝わってない状態と言えます。

例えば、ICOというゲームは、「女の子を守りながら手を繋いで城を脱出する体験って最高じゃね？」という面白さをメチャメチャいい感じに伝えてくるので、プレイヤーは「マジ分かるわ～！」と感じます。これが面白いという状態です。

伊集院光さんのゼルダの話

ゼルダの伝説と言えば宮本茂さんが手がけたゲームの代表的な作品で、シリーズも沢山出てます。
ゼルダのような謎解きが一杯あるゲームは、本当に調整がシビアなジャンルのゲームだと思います。宮本プレイテストの真価が発揮されます。
ユーザーに「こんなもん分かるわけねえじゃん！」と思われてしまうと、もうそのユーザーはそのゲームを他人に勧めたり次回作を買ったりしてくれなくなるかもしれません。

ところで、私は伊集院光さんの深夜の馬鹿力というラジオ番組をよく聞きます。
伊集院さんは番組でよくゲームの話をしますが、ゼルダについて語る時もあります。

2011年にスカイウォードソードについて語った時がこちらです↓

伊集院光「ゼルダの伝説は裏切らない」

「ゼルダは裏切らない」というのは、ゼルダでは理不尽な事は一切起きないという事です。
仕掛けに詰まったとしても、あとで「こんなの分かるわけねえじゃん！」とか思う事は一切なくて、「あっ、そうか！これは気付かなかった自分が悪いわ」と納得できるそうです。

これはきっと宮本プレイテストで調整しまくった賜物のプレイ感覚だと思います。
「ゼルダは裏切らない」とまで言わせるというのは、ゼルダというゲームとプレイヤーの間にはしっかりとした信頼関係が構築できているという事ですね。

2014年に神々のトライフォース2について語った時がこちらです↓

伊集院光「ゲームにおけるDLCややりこみ要素は不要」

やはり、「謎解きの温度がいい」と仰ってます。
そして、番組スタッフの渡辺さんにやらせてみた時も、やっぱり同じようなリアクションしてて面白かったとの事。

宮本プレイテストの成果として、ここまでゲームプレイヤーとの間に信頼関係を築く事に成功しています。

ちなみにこの話の中で、ヒントをくれる幽霊が見えるようになるメガネのアイテムについて、渡辺さんはプライドが許さなくてそのアイテムを使うことが出来なかったそうです。
プレイヤーが詰まってしまわないようにヒントを出してあげるのは重要ですが、ヒントの出し方はなかなか難しい面があるようですね。

ところで、私はさっきから宮本プレイテストがすごいすごい！ばっかり言ってますが、宮本さんの凄さはもちろんプレイテストだけではありません。
そもそもプレイテスト以前に面白い仕掛けのアイデアを思い付くセンスが凄いという事もあります。
しかし、アイデアが凄い人なら宮本さん以外にもいるでしょうが、そこで「オレって天才」とか言って傲慢にならずに、そのアイデアが他人に伝わるように謙虚にゲームを作っているところが神レベルのゲームデザイナーなんだろうなと思います。

ところで、先ほどリンクを貼った宮本さんのインタビュー記事の中で、「Wiiのゼルダは海外ではまずまず売れてるけど、国内ではまったく期待外れの売り上げだった」みたいな事を語ってます。

調べてみると、トワイライトプリンセスの国内売り上げは64万本、スカイウォードソードは36万本です。

ゼルダの伝説シリーズの歴代売上をまとめてみた

言うても結構売れてるやんと思いますが、Wiiスポーツが国内353万本とかだったのに比べるとたしかに物足りなく見えるのかもしれません。

どうして当時のゼルダは国内で売り上げが微妙だったのか？と言われると、すいませんがよく分かりませんが、インタビュー記事で宮本さんは言うには、「wiiは主にゲーマーじゃ無い人達が買ってたから」だそうです。

プレイテストをやらないとゲームはどうなってしまうのか？

ここまで読んでも「ホンマに宮本プレイテストとかやる意味あるの？」とか思ってる方もいるかもしれませんから、もしやらなかったらどうなっちゃうのかという話をします。

ハッキリ言って、開発者が一人で作って、まったく他人の客観的目線を取り入れてないゲームは確実に独りよがりなゲームになっちゃってます。

例えばどんな感じかと言うと…まあ…ここで具体的なタイトルを挙げちゃうとディスってるみたいになってしまうかもしれませんが、あくまで例として「ドラゴンズレア」を挙げちゃいます。

いや、私はディスってないですよ。
どんな理由であれ、ドラゴンズレアは凄い知名度のゲームですし、良かれ悪かれゲームの歴史に残るような作品だと思います。（ファミコン版ドラゴンズレアの中古価格はかなり高騰してます）
ただ、世間では「理不尽ゲー！」呼ばわりされてるようだというだけです。

ドラゴンズレアのごく一般的なゲーマーの反応が観れる動画がこちらです↓

ドラゴンズレアは、ゲーム開始の跳ね橋のステージがそもそもどうやって攻略するのか謎な事で有名です。

まず、操作性が相当悪いです。
そして、跳ね橋を歩いてると急にちょっとだけスキマの穴が開いて、そこから落ちて死んじゃうのが理不尽です。
ドラゴンの攻撃で一撃死するのも理不尽ですし、門に触れると死ぬのも理不尽です。
プレイヤーの当たり判定がでかすぎて、「絶対当たってねえだろ！」と思うのに死ぬのも理不尽です。

そんなわけで、プレイヤーからすると全てが理不尽なわけですが、多分ゲームデザイナーの方は「普通に作っただけだが？」くらいに思ってます。
「まあ、ちょっと難しめにしちゃったかな？」くらいは思ってるかもしれません。

「おもしろいけど難しいのと単に意味不明なのは全然ちげーんだよ！！」
これは私が思ってるわけでは無いですが、こんな風に思ったプレイヤーもいるかもしれません。

ゲーム開発者の主観では、攻略法は「当然こうだろ？」くらいに思ってそうですが、プレイヤーの客観的視点では、まるで意味不明です。
開発者とプレイヤーの感覚はこれくらい乖離があると思って間違いないです。
面白いゲームを作る、どころか、自分の作ってるゲームをドラゴンズレアよりマシにする事さえプレイテスト無しでは困難なのです。

もしもこのゲームがちょっとでも宮本プレイテストをやっていたらもっと違ったゲームになっていたであろう事はご同意いただけるのではないでしょうか。

そういえば、ゲームセンターＣＸという番組でも有野課長がドラゴンズレアをプレイしています。
ゲームセンターＣＸを観てると一般的なゲームプレイヤーのプレイの反応がよく分かりますね。
有野課長が自分の制作中のゲームのプレイテストしてくれたら助かるのになあ。

ここでまたややこしい話になるのですが、理不尽なゲームって自分が遊んでるとイライラしそうですが、こんな風に他人が苦しんでるのを観てる分にはなんか面白いんですよね。

例えば、Getting Over Itという壺男のゲームは、かなりイライラさせる難易度で理不尽に落下したりしますが、その苦行っぷりでプレイヤーが苦しんだり絶望したり発狂したりする姿が面白すぎて実況プレイ動画が人気爆発して、結果的に大人気ゲームになっちゃってますから、もしかすると最近は一概に理不尽は悪い事ではない…？う～む。
しかし、苦行ゲーは苦行ゲーなりにプレイテストで理不尽さを調整した方がやっぱいいのかな…ちゃんと苦しんでくれるか確認しないといけないですし？（混乱）

そもそも論としてプレイしていて苦しんでる他人の姿を観るのがある程度好きな人間じゃないとマリオとかゼルダとか作らないんじゃね？という気もしなくはないですが、宮本さんはやっぱりその辺のバランス感覚に優れているのかなと思います。

面白いインディーゲームはしっかりプレイテストをやってる

個人制作のインディーゲームなどでも、面白くて有名なタイトルはほぼ間違いなくプレイテストをやってます。

例えば東方ですが、紅魔郷と妖々夢ではスタッフロールのスペシャルサンクスに”and all test players”と表示されるので、友人などにプレイテストをやってもらってそうです。
ZUNさんは元々タイトーでゲーム開発されていた方なので、プレイテストの重要性は多かれ少なかれご存知だったはずです。
でも、永夜抄以降はスペシャルサンクスからテストプレイヤーが消えてるんですよね。

次に、Undertaleですが、アンテは結構何人ものアーティストが関わっていて、彼らがテストプレイしていたそうです。

https://undertale.fandom.com/wiki/Undertale_Developers

洞窟物語は、制作期間の５年の間、５人で掲示板でやり取りしながら延々とブラッシュアップしていたそうです。これがあの面白さの秘訣だったんですね。

フリーゲームの傑作「洞窟物語」、10年越しに制作の裏側公開

https://studiopixel.jp/doukutsumonogatari/doukutsu2004bbs.html

Downwellも、もっぴんさんは周囲の人達や、ミートアップイベントに出展した際にプレイテストをしてもらってたそうです。

ッドルームから世界へ――インディーゲーム開発者もっぴんと処女作『Downwell』の挑戦【インディーの肖像 Vol.5】(3/4)

このように、面白いゲームはみんなプレイテストをやってます。
何と言っても奥義ですから。

最近の海外ゲームがどんどん面白くなってる理由

個人的なイメージですが、昔の海外のゲーム（洋ゲー）って、当時から、面白いは面白いですが、なんか調整が雑で理不尽だったりして、やっぱ日本のゲームが最高だな！とか思ったりしませんでしたか？（でもレア社のゲームは昔から面白かった）
そして、外国の人達自身も、「何故か知らんけど日本のゲームメチャ面白い！」とか言ってた時期があった気がします。

しかし、最近は洋ゲーもメッチャクチャ遊びやすくなってる…気がします。もう和ゲーだから、洋ゲーだからどうこうとか考えたりしません。
しつこいようですが、Undertaleも当時遊んだ私はあまりの面白さに衝撃を受けました。

で、何で洋ゲーの面白さというか調整のクオリティが和ゲーに追い付いたのか？

私は”海外の開発者が宮本プレイテストの手法を覚えたから”だと思ってます。

このゲーム制作の奥義を、2007年に宮本さんは海外インタビュー記事で、岩田さんはほぼ日の記事（ご丁寧に横に英訳まで載せている！）で暴露してしまいました！

まあそのおかげで私も奥義を知れたんですが、海外のゲーム開発者は宮本茂さんを神と崇めてる信者みたいな人達が多いですから、この神のお告げの宮本プレイテストにみんな速攻で食いついて取り入れたと思われます。

エレクトロニックアーツ（EA）なんか、2011年には「プレイテストの科学：ユーザー研究のためのEAメソッド」と題してGDCで発表しています。

動画はこちら↓

https://www.gdcvault.com/play/1014551/The-Science-of-Play-Testing

スライドはコチラ↓

https://slidetodoc.com/the-science-of-play-testing-eas-methods-for/

このEAのプレイテスト方法がなかなか面白くて、まずアイトラッキング装置でプレイヤーが画面のどこを見ているか計測します。
さらに顔や指に筋電センサーを取り付けて、プレイヤーの感情を読み取るそうです。

そうやってプレイヤーのデータを収集して分析、解析するのがEAのプレイテストメソッドというわけです。

「ゲームしてる人の目や表情を観察する」って言ったけど、そういう意味とちゃうねんけどなあ…って宮本さんなら言うかもしれません。

宮本さんがやってるようなアナログでファジーな方法を、システマティックな方法に置き換えるのは欧米らしい気がしますね。
宮本さんのやり方だと一度に１人しかプレイテストできませんが、EAの方法なら何百人も同時にプレイさせて沢山のデータを取る事も可能かもしれません。

まあとにかく、欧米が宮本プレイテストの重要性に気付いてガンガン取り入れていったのと、洋ゲーがなんかガンガン面白くなっていった時期は一致している気がするという事です。

プレイテスト的な考え方はゲーム制作以外でも役に立つ

「SAVE THE CATの法則」という映画脚本の作り方についての本を読んでいたら、ログラインについての話がありました。

ログラインとは何かと言うと、その映画って一言で言うとどんな映画？と言われた時の答えがログラインです。

例えば少女終末旅行（映画じゃないけど）のログラインは、
「二人の女の子が　世界の終末で　世界の果てを目指す」
みたいな。

それで、ログラインを考えたらそれで終わりでは無く、テストマーケティングしに行けと著者は言います。

テストマーケティングとは、街に出て見知らぬ人に、自分が考えたログラインについてどう思うか訊いてみる事だそうです。
それで他人が興味を持ってくれるログラインはいいログラインで、興味無さそうなら次の人に話しかける前にログラインを修正します。

脚本と言うのはついつい自分が興味ある事を書いてしまいますが、他人にも興味がある事じゃないとダメだからです。
たとえば「1990年の夏休みにキャンプに行った時の思い出の映画」とかだと、自分は懐かしい、最高！と思ってても、他人からするとオメーのキャンプの思い出なんか知ったこっちゃねぇーよと感じちゃうかもしれません。

こうやって、他人からも興味持ってもらえるいいログラインを先に作ってから脚本に取り掛かる事で、詰まらない脚本を書くのに無駄な時間を費やしてしまわずに済みます。

この考え方って宮本プレイテストの考え方に似てますよね。

きっと、ゲームや映画脚本に限らず、どんな事においても客観的な視点を取り入れる事は重要なのだと思います。

それにしても、街で見知らぬ人に自分の脚本について意見を聞くなんて、度胸がありますね。正直言ってナンパするより恥ずかしい気がして私には無理そうです。
どうして赤の他人じゃないとダメなのか？友達でもいいのでは？と思いますが、友達だとどうしても気を使って無理に褒めたりしてあんまり客観的意見にならなそうだからできれば他人がいいそうです。

でも、日本人の気質からして、赤の他人でも無理して褒めたりしちゃうんじゃないでしょうか。
私なんかゲームの展示とかやらせてもらう時、もしつまんなくても「面白かったです！」って言っちゃう気がします。

おわり

というわけで、今回の記事では、宮本茂さんがゲーム制作時にいつもやっているプレイテストの重要性について書いてみました。

まあ、大抵の方はすでにご存知だった話だとは思います。

実は、今回の記事では書きたかった内容の半分でしかありません。
ゲーム制作における宮本プレイテストの重要性を散々語って、それは前フリで、「でもそうは言っても私にはプレイテストしてくれる人のアテが無いんだけど、そういう人はどうやってゲーム作ればいいのか？」という話を後半でしたかったのです。

しかし、前半だけでいつも通り内容がクソ長くなってしまって、書いてて疲れましたし、読む側も疲れるでしょうから、一旦終わりにして、後半の内容についてはまた別の記事に書こうかなと思います。

余談：ブログを書く事について

これは記事本文と関係がない余談です。

最近はなんかブログを書く事をそれなりに重視し始めてる気がします。
以前はブログを書く目的もハッキリしてなくて、なんか書きたい事ができたら書く、くらいの感じでしたが、最近はブログを書く意味ができてきたからです。

ブログを他人に読んでもらいたいという気持ちももちろんありますが、それよりもむしろ自分で読み返したりして自分の考えを整理しておくのにブログは便利です。
考えは書いておかないと、自分が何を考えてたかなんて速攻で忘れてしまいますし。

漫画を描くとかゲームを作るとか、そういう創作をするにあたって、何でも自由にやっていいよ。と言われてもそれはそれで困るという事があります。
何かしら制約とかが無いと、あんま何も思いつきません。
なにか考え方の拠り所になる土台のようなものの必要性を感じました。

それで、このブログがその土台のようなものになるのかもしれないなと感じてます。

デッキ構築型カードゲームで例えると、ブログがデッキで記事がカードに相当するかもしれません。
それで言うと創作行為はカードを切って戦う事に相当するでしょう。

何か物事を改善していこうと思った時に使われるのがPDCAサイクルですが、PDCAではまず初めに仮説を立てて、実際にその仮説を使ってみて、仮説が正しいかどうか検証して、間違っていたら仮説を修正する、というのを繰り返します。

このブログで言えば、自分の考え方やアイデア（と言っても大抵は他人の考え方をベースにして書いてますが）を記事に書き起こすと、それはカードを一枚生み出すという事です。この段階ではカードは仮説に過ぎません。
このカードの束を構築したのがデッキであり、ブログです。

このデッキ（沢山の仮説）を元に創作を行います。
創作の出来栄えの良し悪しで、仮説の正しさが検証されます。

そうしたらダメだったカードをデッキから外したり、新しいカードを追加したりして、デッキを調整します。

これを繰り返す事で、ブログに書いた仮説の正しさは検証されていって、それに伴い創作の品質も上がっていく…事になるはずです。
そういう一種のシステムとしてブログは結構必要なんだろうなと思い始めました。

以前はブログとか書いてるヒマがあったら創作活動に時間を使うべきじゃないか…とか思ったりしてましたが、多少遠回りでもブログ記事を書き重ねていく事で結果的には早く正解に辿り着けるのかもしれません。

とは言え、こんな事言いつつも実際は自分の中でブログ書くブームが来てるだけですぐに飽きる可能性も無きにしも非ずです。

今回は仕事について最近思ったことについて書いていきます。

例えば自分が仕事を探している時には、給料がいくらか？という点に注目しがちですが、よくよく考えると、仕事で得られるのは給料だけではありません。
仕事で働く中で、仕事の技術を学んで獲得していく事ができます。

というわけで、今回の記事では仕事で得られる給料と技術の二つの軸について考えてみたいと思います。

どうして若者は安い給料で働くのか？

誰でも最初はまったく仕事のやり方を知らない所から始まります。
新卒入社した社員なんかもそうです。

ですから、職場の先輩に仕事を教えてもらいます。

見習いや新卒社員は給料がメッチャ安かったりしますが、給料以外に仕事の技術もたっぷり得ることができるので、会社からもらえる給料と技術の合計価値で言えばたっぷりもらえてます。

ですから、たとえ給料が安くても納得して働くわけです。

あんまり詳しくないですが、配達業とか引っ越し業とか、技術がどうこうというよりも体力が物言う仕事の場合は、歩合制みたいな要素が大きくなってきて、若者でも沢山稼げたり、ベテランだからと言って高い給料がもらえるでもない感じ（スキルで体力をカバーできる要素が薄そうだから）だろうと思います。

技術が物言う仕事ほど、仕事で得られる技術の価値が高いので、その分給料が安くてもまあ、最終的に釣り合うかなという事になるでしょう。

板前のケース

まずは、和食の板前になりたい人のケースについて考えてみます。
私は板前の修業とかしたこと無いのでWebの記事とか見ながら一般論的な話を書きます。
多分、フランス料理のシェフとかケーキのパティシエになる時も同じ感じだと思います。

板前になるには料亭などで板前修業をする必要があるらしいです。
しかし、何でそんなことしなきゃいけないんでしょうか？いきなり自分で料亭を開いてはいけないの？

まあ、いきなり店を開く事も理論上は不可能では無いでしょうし、クックパッドとかでレシピを見ればぼちぼち美味しい和食を作る事もできますよね。
しかし、日本料理と言うのは奥が深いらしいですから、ちゃんと作ろうと思えばちゃんとした板前さん達から教わって、長期間修行しなきゃいけないという事になります。
それに、料理だけではなく、店の経営の仕方とかも、やはり既存の店で働いてどんな感じかノウハウを得ておくべきです。

素人がクックパッド見て作った料理の店って、それは料亭というより、なんか町のローカルな定食屋さんとかそういう路線なのでは。（もちろんローカルな定食屋でもちゃんと修行してた人がやってる場合もあるでしょうけど）

完全にノー修行で出せそうな飲食業って、まあディスッてるわけじゃないですがいくつかある気はしますね。
たとえば焼きそば屋やお好み焼き屋、タピオカ屋とかでしょうか。
素人とかプロとかそういう問題じゃないというか、まあ素人が作っても普通においしい系ですよね。

さて、板前の話に戻りますが、板前修業と言うのは最初は下積みから始まります。
下積みというのは要するに雑用です。皿洗いとか野菜の下ごしらえとかばっかり延々とやらされます。
板前になりたくて修行に来たんだから、当然料理を作りたいはずなので、雑用なんてやりたくないに決まってます。価値のある技術も教えてもらえません。給料も低いハズです。
給料も技術ももらえない、理不尽な状況ですが、ここで頑張って下積みを抜ければ後で貴重な技術をたっぷり教えてもらえるハズ…という事で下積みを我慢するのを納得するしかありません。
板前の下積みは1年から2年、下手すると3年もやるハメになるそうです。

しかし、これは私の想像ですが、どうせならメチャメチャ儲かっていて拡大傾向の料亭に修行に行った方がトクだと思います。
何故ならそういうお店は人手が足りませんから、料理を作れる人がたくさん必要だ！って事になり、さっさと下積みの人を昇格させざるを得なくなるでしょうから、サクッと下積みを抜けれそうです。

逆に、自分が修行に入った後、誰一人修行に来ない料亭とかだとヤバいでしょう。
だって、誰かが下積みの雑用をやらなきゃいけませんから、自分より下の人が入ってこない限り、10年でも20年でも永遠に下積みさせられるハメになるのは想像できます。

こんな風に、割と店の都合で人生を何年も無駄にされたりする事があったりなかったりするので、その辺計算して動くと人生をドブに捨てずに済むかもしれません。

で、下積みを抜けると料理の盛り付けをやらせてもらったり、味付けをやらせてもらったり、刺身をやらせてもらったりとステップアップしていきます。

一通りマスターしたらもうその店で得られる技術はなんも無いので、とっとと辞めて独立して自分の店を構えましょう。
そうすれば晴れてもう目上の人にコキ使われる事は無くなります。

まあ、自分の店を経営する事になればそれはそれで経営者なりの苦労を抱える事にはなりますが。

板前になりたい人の流れはこんな感じだと思います。

ラーメン屋のケース

次に、ラーメン屋のケースを考えてみます。
やはり私はラーメン屋で働いたことも無いので、想像込みで一般論的な話です。

ラーメン屋になりたい人は、自分の作りたいラーメンを作ってるラーメン屋に弟子入りとか、バイトとか、従業員とか、まあとにかくそこで働く形になると思います。
ラーメン屋の場合は、下積み３年！とかそこまでまだるっこしい事は無く、多分すぐラーメンを作りまくる仕事を任せられる気がします。（明らかに経験の浅そうなバイトが個人経営系のラーメン屋でワンオペでラーメン作ってる店とかありますよね）

日本料理の板前は色んな料理を覚えないといけないですから修行が長期化しますが、ラーメン屋は基本的にラーメンさえ作れればいいですし、そのラーメンも、豚骨とか鶏ガラからスープを取ったりするのにかなり手間がかかったりするものの、大抵は手順自体はそんなに難しいわけでは無いと思います。

日本料理の場合はチマチマ少しずつしか新しい事を教えてもらえなさそうですが、ラーメン屋は店主にとってはスープの作り方とかまあ秘密にしたい気持ちもあるでしょうが、一番しんどいとこだからそこを代わってもらえなきゃ人雇った意味無いじゃんてな事で、さっさと作り方教えてくれそうです。

要するに、ラーメン屋と言うのは短期間で仕事の技術を全部得られてマスターできる見込みが大きいです。
お好み焼き屋ほどノースキルではできないですが、日本料理ほど技術習得が大変ではないです。

てなわけで、ラーメン屋になりたくて働いてる人は、ラーメンの作り方さえ覚えたらさっさと辞めて自分の店を出しちゃえばいいですよね。
しかし、その方法だと店主との間に遺恨が残る可能性が出てしまいます。
店主からすれば、わざわざ独立させるために善意だけで人を雇ってるわけじゃないです。単に労働力がもっと必要だったから雇ってただけで、せっかく雇ってイチからスキルを教えたのに、「ラーメンの作り方さえ分かればもう用はない。独立するので辞めます」と言ってサッサと辞められるとキツいです。

労働力を失った上に自分のラーメンのパチモンを作るライバル店が増えちゃうわけですから。

私が店主の立場だったら「独立しても儲かるとは限らないよ。失敗したら潰れて借金まみれだよ」とか脅したり、「給料上げるから辞めないで」って交渉するでしょうね。

遺恨が残らずに円満に独立する方法として、”のれん分け”という仕組みがあります。
のれん分けというのは独立した時に自分が修行した店と同じのれんを出せる、つまり同じ名前のラーメン屋の支店みたいな感じで出店できるわけです。

のれん分けなら独立した上に店のブランドもゲットできて、バックれる形で独立するより最高な感じです。
しかし、のれん分けしてもらえるまでには多分、散々長期間コキ使われるハメになる気がします。
長い間貢献したご褒美としてのれん分けをチラつかせて働かせるという仕組みでしょう。

遺恨を残してバックレて独立する人もいれば、頑張って働き続けて円満にのれん分けしてもらう人もいるという事です。

ラーメン屋になりたい人の流れはこんな感じだと思います。

チェーン店で働く事のリスク

さて、ここまでは個人経営の料亭やラーメン屋の話をしてきましたが、世の中には個人経営の店以外に、企業のチェーン店のお店もありますよね。

私がよく行くのもチェーン店です。
マクドナルド、日高屋、サイゼリヤ、くら寿司、すき家、松屋、ココイチ、どれもチェーン店です。

それでは、もし自分が働くならチェーン店がいいのか、個人経営の店がいいのか？
どっちがいいんだろう？という話です。

何となく、自分もよく行くし、 チェーン店の方がいいかな～というような気がしますね。もしかすると時給も個人経営より チェーン店の方がちょっといいかもしれません。
しかし、 チェーン店では独立に繋がるような技術を得ることが出来ません。
給料と技術、トータルで得られるものを考えると個人経営系の店の方がアドな場合が多いです。

たとえば、マクドナルドの店でどんだけ働いても、独立してファーストフードの店を出せるようにはなりません。
何故なら、ハンバーガーのパテは調理済みの状態で工場から運ばれてきます。
ですから、パテの作り方自体は学ぶことが出来ません。バンズの仕入れ方とかも分からないでしょう。

同様に、ラーメン屋もチェーン店ではスープはセントラルキッチンで作られたものが運ばれてくるだけなので、まあ仕事自体はラクができそうですが、代わりにどんだけそこで働いてもスープの作り方は学べないので独立できません。

レストランだって、チェーン店では料理はすでに調理済みの冷凍状態やレトルト状態の物をレンジでチンするだけだったりします。
例えば、たまにスーパーでジョイフルのハンバーグの冷凍食品が売っています。あれは実はジョイフルの店舗で出しているハンバーグと同じものだそうです。フライパンで焼くだけで美味しいハンバーグになりますが、店舗でも同じ感じでやっているという事です。

チェーン店で働いてる人達を見ると、学生のバイトが多いですね。
どうして彼らはスキルが得られないフランチャイズ店でバイトをするのか？
それは、「ちょっと小遣い稼ぎでバイトしてるだけだし、スキルなんか要らねぇーよ！学校卒業さえしたら飲食なんかやるつもりサラサラねーし！」という事だと思います。

しかし、そうだとしても全然スキルを得られないチェーン店はバイト代だけでは割りに合わないような気もします。
チェーン店がもっぱら学生が働いていて社会人が少ないのは、社会人はそのスキルの得られなさのキツさを理解してるからかもしれません。

私が聞いた話で、イタリアン系居酒屋でバイトしていた人がパスタとかバリバリ作れるようになったって人がいます。
そういう風にスキルが付けば、自分が独立して似たような店を始める事もできるでしょうし、そうしないにしても、自炊で美味しいパスタが一生食えて嬉しいですよね。

フランチャイズのオーナーになる話

セブンイレブンやファミマ、ローソンなどのコンビニは、企業が自分で出店してる店以外に、個人オーナーのフランチャイズ店もあったりします。

たとえ何のスキルも持ってない人でも、300万円とか積めば、独立してコンビニ店舗の経営ができます。
お金さえ払えばスキル、ノウハウ、仕入れルート、全てを提供してもらえます。

コンビニのフランチャイズを始めるのに必要な準備

な～んだ、そんだけお金を貯金すれば自分だって独立できるじゃん！と考えるのは甘いかもしれません。
どうしてコンビニ企業が自前で出店しないで（自前の店舗は2%しかなくて残りはフランチャイズらしい）わざわざ個人にオーナーをやらせてあげるのか？
それはコンビニ店舗に何のうまみも無いかららしいです。

フランチャイズなら、自分達はオーナーから最初に300万円もらえるし、毎月の売り上げからロイヤリティももらえるので、個人オーナーにリスクを押し付けて、リターンの旨味だけを吸い上げることが出来ます。

まあ私がここで言いたかったのは、この個人オーナーの人は、それまでスキルを身に付けなかった事をいきなり始めようとしたせいで300万円も払うことになっている点です。

個人経営のラーメン屋で働いていれば、給料ももらいながら独立に向けてのノウハウやスキルも身に付けることができたというのに…。

このように、仕事で得られるスキルというのは何百万円もの価値があったりするわけですから、仕事を選ぶうえでスキルを得られるかどうかは重要なポイントだよねと言う話です。

そういえば、フランチャイズをやってる企業の中でも、ココイチは”ブルームシステム”という独自の仕組みでやってます。

https://www.ichibanya.co.jp/comp/bs/about/merit.html

ココイチはなんとフランチャイズからロイヤリティを一切取らないそうです。
とは言え、材料とかの仕入れはココイチを通すでしょうから、一応ココイチにも利益は入るはずですが。

ブルームシステムは要するにラーメン屋ののれん分けみたいなもんです。
オーナーになりたい人は、お金を払ったらすぐになれるのではなく、まずは下積みとして店舗でガッツリ働いてもらって、スキルを十分身に付けてからやっとオーナーにしてもらえるそうです。

素晴らしいシステムですね。
ココイチは良心的だなあという事を伝えるために書いてみました。

しかし、私はココイチで働いた事は無いのでブルームシステムの実態は知りません。
ブルームシステムをダシにして、オーナー志望の従業員を一生コキ使うみたいな事もあるかも分かりません。

独立しない人達

さて、この記事ではここまで、誰も彼もみんな独立したいよね？みたいな前提で話を進めてきてますが、必ずしもみんなが独立を目指しているとは限りません。

独立すりゃいいってもんでもないからです。
独立をゴールみたいに書いてきましたが、実際には独立してからが大変でしょう。

独立して店を出すのはいいですが、もしも儲からないで店が潰れたら、その損失は全部自分で負います。
つまり、リスクを負うハメになるという事です。

「そんな面倒なリスクを抱えるくらいなら、ずっと他人の下で従業員として働いてる方がノーリスクで気楽だよ～」という人もいます。というか、そっちの方が多いかもしれません。

会社員の場合

独立しない働き方の代表的なものは、会社員でしょう。

サザエさんの波平やマスオさん、クレヨンしんちゃんの野原ひろし、釣りバカ日誌のハマちゃんなど、みんな会社員として働いてますが、一生同じ会社で会社員やってく気マンマンで、独立したいな～みたいな気配は感じません。

日本で会社員が生まれたのは100年前の事で、昔は会社員という働き方はぜんぜん一般的では無く、むしろ個人でやってる店（八百屋とか豆腐屋とか）が多かったみたいです。

これからの働き方を考える前に。日本の「サラリーマン全史」

近くにでっかいイオンができて、商店街がさびれてしまう、みたいな話がよくありますが、個人経営の店が減っていって、企業の存在感が増していく流れの象徴みたいな出来事だと思います。

会社員の働き方がどういうものか？と言えば、最初は板前修業やラーメン屋修行と大して変わりません。
何にも仕事が分からないところから始まるので、先輩から仕事を教えてもらいます。給料は低いです。
やがて仕事を覚えて有能になってくると、ラーメン屋なら独立する所ですが、会社では”出世”したりして、ちょっと給料が増えます。
あとはそれの繰り返しです。有能になってくると”出世”して給料が増えます。
しかし、ラーメン屋は独立すれば上からゴチャゴチャ命令されてコキ使われる事が無くなるのに対して、会社員はどれだけ出世してもさらに上の上司がいて、結局ゴチャゴチャ命令されてコキ使われる運命から逃れられません。
ちなみに、社長になればもうコキ使われないでしょ？と思うかもしれませんが、社長になれば今度は株主からゴチャゴチャ言われてコキ使われる運命が待ってます。

そんな風に一生コキ使われるハメになる会社員という働き方ですが、そうは言ってもメリットなのが、リスクの無さです。
自分で独立して店を持つと、常に「潰れたらどうしよう」とか経営の心配事を抱えるハメになりますが、会社員は突き詰めると会社の経営がどうなろうが知ったこっちゃありません。会社は株主の持ち物ですから結局どうなろうが他人事です。

さらに、会社員というのは実際クビになる心配はほぼありません。
法律によって、会社はよっぽどの事が無い限り社員をクビにできないからです。
まあ、悪気が無い限りどんだけ仕事ができなくてもクビにはならないと思っていいです。
つまり、一生その会社で働ける、いわゆる終身雇用です。

釣りバカ日誌のハマちゃんなんかは、営業の仕事への情熱が無くて、万年ヒラ社員で、本人はむしろ「出世したら趣味の釣りの時間が減っちゃう」とか言うくらいです。
しかし、いくらハマちゃんがやる気に欠けていて、会社の業績に貢献しないからといっても、クビにはできません。だからこそのん気こいていられます。
これがもしハマちゃんが独立した事業主だったらそんな事言ってられないでしょう。利益を出さなければ食えないからです。

さて、終身雇用とセットでよく言われるのが年功序列です。
出世すると給料が増えるとさっき言いましたが、出世しなくても勤続年数が増えるだけでなんとなく給料がドンドン増えていきます。

ついでにいえば、会社員は厚生年金への加入が強制されて、会社が半額負担してくれるので、福利厚生にも優れています。

そんな訳ですから、我々の親世代なんかは、自分の子に独立して欲しいなんて言うよりも、安定した企業に入るのが一番！とか言います。

私なんかも子供の頃は「大人になったらどっかの会社に入社して会社員になるんだろうなあ」と漠然と思ってたし、実際そうなりました。

会社員が得られる技術

会社員もラーメン屋修行と同じく、先輩から仕事の技術を教えてもらえます。

しかし、ラーメン屋なら必ずラーメンを作り方を学べるのに対して、会社員が得られる技術は配属される部署によって違います。
しかも、新卒社員が配属される部署は割と適当に決まります。
ネットでは”配属ガチャ”なんて言われ方もするくらいです。

ぶっちゃけた話をすると、会社の部署によって、”潰しが効くスキル”が得られる仕事とそうでない仕事があると思います。
潰しが効くスキルというのは、それがあると仮に会社を辞める事になっても転職先が見つかりやすい、つまり市場にニーズがあるスキルという事です。

例えば経理部や財務部は割と潰しが効く仕事じゃないかと思います。どんな会社でも経理や財務の仕事はあるからです。
ファイナンシャルプランナーや簿記などの国家資格があるくらいですし。
ただし、最近はマネーフォワードのような、クラウドで効率的に財務の仕事ができるようなシステムがあるので、経理、財務の仕事が少人数でこなせるようになっていって、労働市場全体でのニーズは減っているのかもしれません。

人事部や労務部は潰しが効くのかどうかよく分かりません。
ただし、人事部は自分が人を雇用する時のチェックポイントは誰よりも分かってるハズですから、転職する時に何が求められるのか分かりますから、そういう意味では転職しやすいかもしれません。
これについても最近はSmartHRでクラウドで効率化されてますからやはり市場ニーズは縮小傾向かもしれません。

事務職も、潰しが効くかどうかはよく分かりませんが、事務の仕事は昔から効率化の波を一番受けてそうな気がします。
昔はソロバンで計算してたでしょうから、事務職は頭数が必要だった仕事だと思います。
それから、電卓を使うようになって、劇的に効率化しただろうと思います。
さらにパソコンを使うようになると、エクセルが使えますから、エクセルマクロを使えば大抵の計算は自動化できそうですから、超絶的に思いっ切り効率化されたでしょう。
ですから事務職の仕事はすでに相当市場規模が縮小していると思います。

さて、上に述べたような割と一般的な仕事は、まあ一般的なだけあってとりあえずニーズはあるはあるでしょうから、それはいいとします。
問題は、もっと専門的な仕事で、絶対潰しが効かねえだろとしか思えないような仕事もあるという事です。

ここで例として、ネットでよく話題に出る、”刺身にタンポポを乗せる仕事”を挙げようと思ってましたが、これは多分実際にある仕事だと思うので、その仕事をディスッてるみたいになると良くないので、”弁当のご飯にプチトマトを乗せる仕事”とします。そんな弁当見た事無いので非実在職業という事でセーフでしょう。

さて、新卒で入社したAさんが、プチトマト部に配属される事になって、延々と弁当のご飯にプチトマトを乗せる仕事をする事になったとしましょう。
会社員というのはまあクビにはならないものの、「そんな仕事したくない！」とかワガママ言って拒否する事も概ねできません。

というわけで、Aさんは毎日延々と弁当にプチトマトを乗せるだけの日々を送るハメになります。
プチトマト部と言えど、仕事をやる中で得られるスキルはあります。
それは”弁当にプチトマトを乗せるスキル”です。
でも、そんなスキルって欲しいか？
無論ですがこのような仕事は潰しも効かないでしょう。他の会社では多分弁当のご飯にプチトマトを乗せたりしてないからです。

それから月日は流れ、15年後、Aさんはずっとプチトマト部にいて、プチトマトの扱いについては神レベルに達してましたが、逆に言えばプチトマトを弁当に乗せる以外の事は何もできない人材と化してました。
しかし、その会社ではその年から弁当にプチトマトを乗せる事を廃止する事になりました！
するとどうなるでしょう。

プチトマト部が無くなった今、会社からしてみるとAさんは他に何のスキルも持ってない無能のおっさんって事になってしまいます。
しかし、この事について、Aさんにはまったく何の責任も無いんだぞという点を強調しておきたいです。

Aさんだって、好きでプチトマトの仕事をやっていたわけではありません。もっと派手でたのしい仕事がしたかったはずです。
それでも会社の命令に忠実に従って真面目に仕事をこなし続けていただけです。

そんなAさんを、お荷物になった途端にクビにするなんて事は許されない事ですし、実際に法律がそれを許しません。
若くて可能性に満ち溢れていたAさんをダメにしたのは会社だからです。
当然、会社には最後までAさんの世話をする義務があるわけです。

つまり、会社が無能な社員を育てたら、それで後々困るのは会社自身だという事です。
ですから会社は将来性があるスキル、潰しが効くスキルを持った社員を育てるインセンティブが働きます。
プチトマトの仕事には将来性もニーズも無かったので、会社はAさんにプチトマトの仕事なんかさせるべきでは無かったという事です。

そもそも、やりたくもなかったプチトマトの仕事をやれと命令されてAさんが素直に従っていたのは、その代わりどうなっても定年まで面倒見てくれよな。というのが交換条件の約束として存在したからです。

そんなわけですから、会社員として働く人の中には、「自分がやってる仕事って潰しが効くんだろうか？将来性があるんだろうか？」という事を意識してない人も多いかもしれません。

どうせその会社で終身雇用してもらうつもりなので、潰しが効こうが効くまいが、関係ないからです。

つまり、独立志向、転職志向のある人は、給料に加えて潰しの利くスキルを得られるかどうかを重要視するのに対して、独立や転職をする気の無い人にとってはそこは気にならない事になります。

終身雇用、年功序列の崩壊

さて、ここまでは昭和くらいの古き良き会社員の話をしてきましたが、最近は話が違ってきていて、終身雇用や年功序列といった制度は崩壊しつつあると言われています。

まず、年功序列について見ていきます。
そもそも論として、冷静に考えると、会社にずっといるだけでどんどん給料が上がっていく仕組みなんて、普通に考えてそんなもん成立するわけねえだろと思いませんか？

こんな年功序列なんて制度が成立したのは、まあ1960年～80年にかけての高度経済成長期の話だと思います。
高度経済成長期と現代では、状況は真逆です。

言い方は悪いですが、年功序列なんてのは一種のネズミ講みたいなもんだったのではと私は思います。

高度経済成長期は、終戦後のベビーブームで大量に生まれた赤ちゃんがじゃんじゃん社会人になってきた時期です。
要するに人口が増えまくってた時期ですから、企業が売っていた商品は、何の工夫もしなくても売り上げがドバドバ増えていたはずです。

そして利益が増えた会社は溢れまくっている新社会人をガンガン雇用しますよね。
そうやってすごい勢いで社員が増えていって、自分の下でガンガン働いて支えてくれる若者が一杯いる状況なら、まあ会社も利益が増えまくって年功序列で給料が増えていく事が可能だったわけです。

この話って、ネズミ講で自分の下に会員が増えるほど自分が儲かっていく話と似てますよね。

というわけで、年功序列と言うのは会社の状況が拡大傾向にあって、自分の下に新入社員がドバドバ入ってくるような状況でのみ可能だという事です。
そして、そんな状況は人口ボーナス期であり高度経済成長期であった当時でないと難しいというわけです。

それに比べて現在は凄い勢いで日本の人口は減り始めました。人口オーナス期です。
全体の人口が減り始めてるのですから、企業の社員数だって拡大どころか縮小してる所の方が多くなるはずです。

そのような状況で年功序列なんて維持する事は不可能です。
むしろ、その逆で働いている内にじわじわ給料が減っていくのが自然ではないかという気さえします。

企業はこのような状況をどうやって打開するか？と言うと、よく言われるのがグローバル化です。
日本のお客だけを相手にしていても先すぼみですから、じゃあ世界中の人相手に商売すればいいじゃんという事です。
日本の人口が減ろうが世界的には人口は増えてるので、グローバル志向の会社は拡大していく事が可能かもしれません。
つまりこれから先、就職するならグローバル志向の企業の方がいいかもしれないと言えます。

それでは次に終身雇用を見てみます。
終身雇用については会社は法律で社員をクビにできないので、崩壊してないっちゃしてないです。
しかし、それは会社の状況が安定している場合に限られます。

例えば、会社がこのままではピンチだ！という状況になれば、会社は社員をリストラする権利を得られますので、そうなったら会社は不要な社員をガッツリクビにできます。

そして、今や安定している企業なんて存在しないと言われています。
実際に、シャープや東芝と言った、大安定の大企業の代表みたく思われていた企業が経営危機に見舞われたりしてます。

会社が潰れたら当然失職するので終身雇用もへったくれもありません。

このように、リストラや会社倒産のリスクから、誰しもがもはや逃れられなくなったというのが終身雇用の崩壊と言われる所以です。

これが何を意味するのかと言うと、終身雇用してもらうつもりの会社員も、これからは仕事で潰しが効くスキルが得られるかどうかを意識せざるを得ないという事になります。

先ほどのプチトマト部のAさんだって、終身雇用の約束があったからこそ我慢して命令された仕事をしてましたが、会社がいつか潰れるかもという事であれば、「プチトマトの仕事してる場合じゃねえ！」と考えるかもしれません。

会社の安定度と得られるスキルのトレードオフ

何だかんだ言って、会社には安定度の高い会社と不安定な会社があると思います。

長年続いているような会社は、それなりに安定してそうですから、まあ最悪プチトマトの仕事でもリスクは小さいと思います。

逆に、スタートアップやベンチャー企業のような場合は、数年後にはどうなってるか分からないという点で、不安定です。潰れるかもしれませんし、まあ逆に大成長しているかもしれませんが。

不安定な企業で潰しが効かない仕事をするのはリスクが大きすぎると言えます。

逆に、潰しが効く仕事であれば、万が一会社が倒産してしまっても簡単に転職できるので、リスクは小さくなります。

というわけで、一番の理想は安定した企業で潰しが効く仕事をする事ですが、一番リスクが大きいのは不安定な企業で潰しが効かない仕事をする事です。

潰しが効く仕事って何？

あんまり好き勝手な事を書くと職業差別みたくなってしまいそうで難しそうですが、なるべく一般論として書きたいと思います。

１．特殊過ぎる技能は潰しが効かない？

まず、プチトマト部のような、他の会社では一切やってないような特殊過ぎる専門技能は、潰しが効きにくいと思います。
それ自体にお客さんにニーズがあるとしたら、企業の転職ニーズがなかったとしても独立して仕事をするのは不可能では無いはずだとは思います。

２．斜陽産業は潰しが効かない？

斜陽産業というのは業界全体のパイが縮小傾向にある産業の事です。
例えば出版業界は斜陽産業とよく言われます。

しかし、とはいえ出版業界はまだまだ大きな産業でしょうから、潰しが効かないという事もないのかなと思います。

どちらかというと、会社の経営が傾いてリストラや倒産リスクが大きくなっていきそうです。

３．機械やAIに奪われる仕事は潰しが効かない？

機械化やIT化、AI導入によって効率化されていく仕事は求人のニーズが減っていくでしょうから、潰しが効きにくくなると思います。

昔は工場で人間が作業して製品を作っていたので沢山求人がありましたが、工場の機械化が進むにつれて求人は減少しました。

会社員の仕事についても、SmartHRやマネーフォワード、エクセルの導入によって、色んな職種が効率化され、全体の求人としては減少傾向にあると思われます。

大体、大雑把な話として、簡単な仕事から順番に機械やコンピュータに奪われつつあると言えます。
忌々しい事ですね。ややこしい仕事から順番に奪って、簡単な仕事の方を人間に残せよタコ！と言いたくなります。

では、これから先はどんな仕事が奪われるのか？
そういう話についてはググったら未来予測について語ってる人達が一杯いるのでそちらをご確認ください。

まあ私のイメージとしては、自動運転が実用化したらドライバーの仕事は無くなりそうだなあとか、ドローンで配達できるようになれば配達業の仕事も無くなりそうだなあという気はします。

４．管理職は潰しが効かない？

さて、話がこの記事の核心に近づいてきています。

会社員は、出世すると普通は管理職になります。
管理職になると、現役でその部署の仕事をやると言うよりは、その部署で働いている部下を管理するのが仕事になっていきます。

管理職は管理職で忙しいですから、現役の仕事から遠のいて、その能力が失われていく事からは逃れられないと思います。

それで、一般的には管理職の転職は難しいという話になってます。

本当に難しい？管理職 の転職を徹底解説

何故なら、管理職の求人は少ないからです。
まあ、それはそうだと思います。会社にポッと入ってきた人にいきなり管理職を任せるなんて事がすんなりできるでしょうか？

まあ、管理職と言っても、ゲーム会社で言えば「有名ゲームのディレクターをやってました！」みたいな分かりやすい実績があれば転職しやすいかもしれません。

そんなわけですから、会社員は出世するのは嬉しいっちゃ嬉しいですが、一種のリスクが伴う感じになります。

ヒマの重要性

会社では、仕事をマスターしたベテランが、新入りに仕事を教えてあげます。
こういう風に、スキルを共有できる事が会社の強みだと思います。

会社員は、そんな風に「仕事と言うのは分かんない事があったら誰か知っている人に教わる物」という意識の人も多いかもしれません。

しかし、最近では技術の進歩のスピードがどんどん加速度的に加速していってます。
このまま無限に加速すると、もうじきシンギュラリティに到達するのでは？という人もいますが、それはさておき。

つまり、会社内で誰もノウハウを知らないような新技術が次から次に押し寄せてくる時代だという事です。
今まで分かんない事があれば知ってる人に聞けばよかったのに、誰も分かる人がいないとなれば、どうすればいいんでしょうか？

ここで、架空のソーシャルゲーム開発会社のX社の話をします。
かつてはソーシャルゲームはWeb技術で作られてたので、X社のエンジニアはWebフロントエンドの人が一杯いました。
しかし、そこにネイティブアプリの波が押し寄せてきました。
X社は、他の会社ではUnityというゲームエンジンを使ってネイティブアプリを開発してる事に気付いて、自社でもUnityを使う事にしました。

しかし、社内でUnityの使い方を知ってる人はいませんでした。
X社の社長は、みんなUnityの使い方勉強してくれよと言いましたが、ハッキリ言ってエンジニア社員はみんな業務が忙しすぎてそんな新しい事を勉強してるヒマはありませんでした！
なにしろ毎日夜まで残業して、土曜も出勤するハメになるのが常態化していたからです。

しょうがないのでX社は新しくUnityを使えるエンジニアを一杯雇いました。
当時、Unityが使えるエンジニアというのはどういう人達だったかと言うと、ヒマな人達でした。（適当）
ヒマだったからこそUnityとかいう新しいオモチャに飛び付いて遊びまくっていたのでした。

という話ですが、まあこれは本当にあった話とかじゃないです。一種の寓話として書きました。

この寓話の教訓は何ですか？と言うと、”エンジニアをヒマにさせるべき”という事です。
エンジニアという人種はヒマを与えれば勝手に新しい面白い事とかやり始めます。
全員がそうではないにしろ、そういう人が多いです。
エンジニアを遊ぶ暇がないほど仕事させて追い詰めると、その人の将来性を潰す事になりますし、引いては会社も将来性を失います。

ソーシャルゲーム会社なんかは、潰しが効くとか効かないとかいうより、常に新しい技術を取り入れていかないと時代の取り残されてしまいがちです。
X社はその場しのぎで新しくUnityエンジニアを雇いましたが、じゃあ完全にネイティブアプリに移行したあと、既存のエンジニアをどうやって技術転換させますか。
そして、もし今後UnrealEngineや未知の新ゲームエンジンとかに転換する事になったら、また新しい人を雇いまくって凌ぐのでしょうか。
しかし、社内のエンジニアにもっとヒマさえ与えてあげてれば、そんな無茶な雇用をしなくても対応できていたかもしれません。

つまり、会社でエンジニアとして働く事は、社内でのノウハウの共有が受けられるというメリットがある一方で、やたら忙しく働く（週５で８時間労働だけだとしてもまだ忙しすぎる）ハメになって新しい事に目を向けられなくなるというデメリットがあると思います。
新しい技術に目を向けられる余裕のある社員がいなくなれば、その会社は将来的に行き詰ってしまいます。

一方で、無職のヒマ人は、ノウハウの共有は受けられませんが、ヒマなのでどんどん新しい面白い事に手を出して、将来性を獲得できます。

昔はゲーム会社はそれぞれ自前のゲームエンジンやフレームワークを用意してゲームを作ってましたので、社内で閉じたノウハウがモノを言いました。
しかし、UnityやUnrealEngineなどの民主化されたゲームエンジンが使われ始めると、ゲーム会社の社内にはノウハウが無く、イチから勉強する必要が出ましたが、往々にしてそんな風に勉強してるヒマが誰にも無かったという事です。

というわけで社内ノウハウの価値は低下して、無職のヒマ人のアドバンテージは増加しました。

ここで私が主張したいのは、ヒマなエンジニアの重要性が高まっている今、エンジニアにはヒマを与えとけと言いたいという事です。
具体的には、週休4日くらい与えると良いかと思います。
どうせ休みの日も新しい事して遊んで勉強するだけなんだから、会社にとってオトクしかない気がしますので、是非やるべきでしょう。

板前やラーメン屋や普通の会社員は、他人から価値あるスキルを教わるのに対して、一部のエンジニアにとってはヒマな時間に将来性のあるスキルを自分で勝手に勉強する必要があります。
エンジニアの仕事はあんまり終身雇用してくれそうなイメージが薄いからか、いつでも転職できるように潰しの利くスキルを身に付けておく必要性に駆られています。

何よりもヒマの確保が大事なのです。
ですから、エンジニアの中には会社で将来性の無さそうな仕事で忙しく働かされていると危機感を覚える人もいます。このまま行くと将来的に詰むかもしれない…という危機感です。
ですから、twitterとかを見ていると一部のエンジニアは敢えて会社を辞めて無職になるという人もいます。

約5年お世話になったゲーム会社を辞めました

無職だと当然収入は途絶えますが、「敢えて今は給料よりもヒマを取る！」という選択です。

ついでに言えば、エンジニアは管理職になるのを嫌がる人も多そうな気がします。
管理職になって現役でコードを書く能力が衰えた上に、その上会社が倒産したりするとヤバい事になるのが想像できるからです。

まとめ

というわけで、今回の記事では働き方とスキルの獲得の関係について書いてみました。

板前修業やラーメン屋修行では、働きながら独立するために必要なスキルを得られる事が分かりました。

それに対して、チェーン店で働いてもそういうスキルは得られない事も書きました。

一切スキルが無くても、お金さえ払えば諸々のノウハウを教えてもらって独立できる、フランチャイズというものがある事も書きました。

また、必ずしも独立を目指してない人もいて、そういう人にとってはそういうスキル獲得はあまり関心が無いかもしれないという事も分かりました。

例えば会社員という働き方は、潰しが効く仕事や効かない仕事があったりしますが、終身雇用なのであまりそういう事を意識しない人が多いかもしれません。

しかし、最近は年功序列や終身雇用の制度が崩壊しつつあるらしいので、会社員と言えど、潰しが効く仕事ができてるかどうかを意識せざるを得なくなってきています。

また、安定度が高い会社かもしくは不安定な会社かどうかで、潰しが効かない仕事をするリスクは上下します。

さらに、具体的にどういう仕事が潰しが効かなそうか羅列してみました。

最後に急に話の具体性が増しましたが、ソシャゲ会社のエンジニアの仕事はどんどん新しい技術が降ってくるので、常に新しい事を勉強しないとついていけなくなりますが、仕事が多忙すぎてそれができなくなりがちな話をしました。

ではどうやって勉強するヒマを確保するのか？というと、理想を言えば会社がエンジニアにヒマを与えて週休４日とかの制度を導入するのがベストでありつつも、現状はなかなかそういう会社も少なく、いっその事会社やめて無職になってヒマを確保する人もいるはいるらしいという話をしました。

ソシャゲ会社は典型的な例でしたが、今の時代はどんな業界だって新しい技術がドシドシ押し寄せているという状況は同じかもしれません。
例えば、自動車の会社だって自動運転やEV化の波が来ていますし、出版業界だって電子化の波が来ています。
多かれ少なかれ、どうやって社内にノウハウがない新技術を取り入れていくか？という面では同じかもしれません。

結論から言うと、無職が最強、働いたら負けという事でしょうか。

絵画の美学について

最近、岡田斗司夫さんのYoutubeチャンネルが面白くてよく観ますが、その中で、岡田さんが山田五郎さんのYoutubeチャンネルを絶賛していました。

山田五郎さんはYoutubeで絵画やその作家についての解説をやってるそうです。岡田さんはアートには全然興味ないのにどうしてそこまで絶賛するのか？

と思って私も試しに山田五郎さんのチャンネルを観てみましたが、実際面白すぎて動画を全部観てしまいました。
山田さんはアートの事を面白く解説してくれます。私が好きなのはドガやルソーの解説です。

そんな風に山田さんから色んな画家の事を教えてもらう内に思ったことがあります。
西洋の絵画と言うのは、昔は基本的に写真みたいにリアルに描くのを目指す物だったという事です。まあその中でも細かい流派の流行り廃りとかはあったみたいですが、基本的にはリアルなほど良いとされてたと思います。

何故なら、西洋では肖像画のニーズが大きかったからだと思います。肖像画なんだから、なるべく写真みたいにリアルに描いてもらわないと、似てなかったら困ります。

そんな中、19世紀に発明されてしまったのが”写真“です。

写真が撮れるなら、もう肖像画なんて描いてもらう必要なんて無くなりました。
肖像画に限らず、風景画でもなんでも、全部写真でよくね？もう絵画なんてオワコンじゃね？という空気になってきました。

それまで長年リアル一辺倒だった西洋絵画の美学は、強烈に揺さぶられたという事です。

そんな状況ですから、パリの辺りでは1860年～1900年くらいまで、ジャポニスムとか言って日本の浮世絵とかのブームが来てました。
浮世絵のような、リアル一辺倒とは全く異なる美学を追及してる絵をみて西洋人がぶったまげてカルチャーショックを受けたようです。

そういう時代の中で、マネとかモネとかドガとかルノワールのような印象派の人達は、既存の西洋絵画とは異なる、独自の美学で絵を描き始めました。

今挙げたような印象派の画家達は、今でこそ誰でも知ってて超有名になってますが、最初の頃は斬新すぎてほとんど理解を得られませんでした。

ゴッホなんかは、今では日本でもトップクラスに人気な画家だというのに、生きてる間はほとんど評価されませんでした。どんだけ描いてもみんなから無視されて、絶望してもう死のう…みたいなタイミングになってから、ようやくごく一部のセンスある人達が「ゴッホよくね？」とか評価し始めましたが、手遅れでした。

さて、結局のところここで何を言おうとしてるのか？というと、つまり、アーティストはまったく見た事もない斬新な独自の美学を打ち立てようとしたりしますが、新しい美学と言うのは斬新すぎるので、一部のセンスある人達が評価してくれるまでに数十年かかったりして、さらに大衆が評価してくれるまでにそこからさらに数十年とかかかりがちだという話です。

まあ、画家なら一部のセンスある人達、パトロンとかにさえ自分の作品を買ってもらえるまで耐えれば生活できますが、大衆を相手にする芸術、例えば漫画とか映画とかの場合は自分が生きてる内に評価されなかったりしがちです。

死んだ後でいくら評価されても自分はすでにその場にいません。

というわけで、美学がなんも無いとそれはそれで評価されないかもしれないけど、美学が斬新すぎても評価されるのに時間がかかりすぎてしまうという話でした。

ゲームの美学と制約

さて、ちょっとずつ本題に入っていきますが、私が最近考えていたのは、「昔のゲームって相当グラフィックスがショボかったけど、どうして当時は気にならなかったのだろう？」という事です。

例えば、最初期のテレビゲームである、PONGの画面を観てみましょう↓

究極にシンプルなPONGの画面ですが、今見ると、「むしろこういうデザインみたいでカッコよくね？」とか思います。

例えばモンドリアンの抽象絵画みたいな世界観でしょうか。

おそらく、当時の人々も、それまでテレビゲームというのを見た事が無かった状態で初めてPONGを見た時に、「こんな超クールなデザインのグラフィックス見た事ねえ！」みたいな美学を感じたかもしれません。

しかし、PONGの開発者にしてみたら、この究極にシンプルな白黒の四角だけで構成されたデザインを、わざと狙ってやったと言うよりは、”当時のコンピュータの性能ではこんな程度の画面しか出せなかった”というのが本音じゃないかと想像できます。

できることなら、もっとちゃんとした卓球台とかラケットやボールのグラフィックスを表示したかったのに！と思ってたかもしれません。

つまり、私がここで主張しようとしている仮説と言うのは、昔のゲームのグラフィックスについて、「プレイヤーの方ではそういう”美学”なんだと思って受け入れていたのが、実は開発者の方では”制約”だと考えていた」という”錯誤”（食い違い）の歴史があったんじゃないかという事です。

例えば、世界で初めてガッツリ3DCGが使われたとされてる映画、トロンという作品があります。↓

これも…今見ちゃうと「むしろ逆にカッコよくね？」が出ちゃうんだよな…それがまた話をややこしくしてしまう。

じゃあ一昔前の、2000年くらいの人達がこれを見たとしましょう。
彼らは「昔はこんなショボいCGしか出せなかったのかよ！」とか思っちゃって、トロン当時のCGの制約をヒシヒシと感じるでしょう。

しかし、トロン公開当時の人達は、「見た事もないカッコいいCG映像！」と思って興奮したかもしれません。
技術的制約のせいでこんな映像になってる事を知らないので、斬新な美学の映像だと思ってしまってたという事です。
PONGの時と同じです。

その後、大衆はCG表現がドンドン進化してくのを目の当たりにする事で、トロンのCGは単に技術的制約のせいでああせざるを得なかった事に気付きます。
ですから、「騙されてたなあ！」とか言って、トロンに対して斬新で新しい美学！と思ってた認識を、ダサくて古い制約の産物！という認識で上書きしてしまったという事です。

それで、現在の我々というのはそういう大昔の経緯を忘れてしまってて（というか生前の話だったりするし）、何も知らないフラットな状態でトロンの映像を見ると、「むしろカッコ良くね？」という感じで結局美学を感じ取ってしまいがちというのがこの不思議な美学と制約の錯誤現象のトリックです。

この前、このブログでドット絵の魅力について考える記事を書きました。

ゲームのドット絵についても、この美学と制約の話が当てはまると思います。

ファミコンで遊んでいた当時の我々は、ドット絵のグラフィックスを技術的制約の産物だなんて全然思っていなかったはずです。こういうもんだというか、こういう美学、スタイルだと思ってたでしょう。

しかし、ゲームの開発者にとっては、制約まみれの状態で、できるだけ工夫を凝らしつつ、妥協してゲームを作っていたのが実際でしょう。

スーパーマリオブラザーズでも、雲のグラフィックスを使い回して草を表現するというような、涙ぐましい努力をして容量を節約していました。

容量削減の創意工夫 その2

開発者は、「もっとロム容量があればなあ…とかもっとリアルな表現ができればなあ…」なんて夢見ながら制約に苦しんでゲームを作っていた事でしょう。

そういう中で、ニンテンドウ64とかプレステ世代のゲーム機になると、ドット絵を使わなくてもポリゴンを使って3Dのゲームを作れるようになりました。

ゲーム開発者は、「これで2Dドット絵の制約から解き放たれて、もっと凄いゲームが作れるぞ！」とか言って、それまでやってたドット絵表現をアッサリ捨て去って、嬉々としてポリゴンでゲームを作り始めました。

この時期にポリゴンに移行したIPは山ほどあります。FFもドラクエもボンバーマンもマリオもゼルダもポリゴンになりました。
むしろポリゴンにならなかったゲームあったっけ…ロックマンとかストリートファイターくらいでしょうか。ロックマンもロックマンDASHはポリゴンになりました。

それで、ゲーム機のメーカーも、新しいゲーム機を売りたいばかりに、「今までのゲーム機では技術的制約でショボいドット絵のゲームを遊ばされていた皆さん！新しいゲーム機を買ってカッコいい３Dゲームを遊ぼう！」みたいな、大げさに言えばそんな感じの宣伝をしまくりました。

そんなんですから、別にそれまでドット絵のゲームで何不自由なく遊んでいて、ドット絵を”そういう美学”として楽しんでいたプレイヤー達も、「今まで騙されてたんだ！ドット絵はこういう美学なんじゃなくて、ハードウェアの制限でこんなショボい絵しか出せなかっただけなんだ！」と信じ込まされました。

とまあ、これが「昔のゲームはグラフィックスがショボかったのに、当時は気にならなかった」理由の仮説です。
まず”昔のゲームのグラはショボい”という部分がそもそもマーケティングで信じ込まされていたウソと言えるかもしれません。

逆に、「いや、ドット絵って制約じゃなくて美学だよね」と敢えて今言ってしまえば美学になっちゃうかもしれません。
豊井さんが描くドット絵もそういう事だと思います。

ゲーム開発者達が技術の進歩に流されてどんどん捨て去っていった過去の表現方法は、まだまだちゃんと掘り下げていけば価値が眠っている金脈だったかもしれません。

さて、プレステが出た以降はどうなったのか？と言うと、プレステ２とかプレステ３、プレステ４とか新世代のゲーム機が出るたびに後は同じ事の繰り返しです。

今までのゲームのグラはショボかった！次世代機でもっとこんなにリアルなグラフィックスが出せますよ！というマーケティングが繰り返されました。
スーファミからプレステへの移行でドット絵からポリゴンへと大きな変化がありましたが、それ以降はひたすらハードウェア性能が向上するばかりで、ポリゴンという表現自体は変わりませんでした。

ですから、私は以前はドット絵VSポリゴンという対立項だけで考えてて、同じポリゴンのゲームに関しては、どんどんハード性能が向上して進歩すればするほど良いだろうくらいに思ってました。

そういう認識が変わったのはこういう画像を見たからです。↓

これらはR4-リッジレーサー タイプ4-というナムコのプレステのゲームのスクショです。
devilsblushというtwitterアカウントの方は、色んなレトロゲーの画面を撮影して上げまくってます。

初代プレステのゲームのグラなんて、本来であればショボすぎて見るに耐えないという事になるハズです。

しかし、私はこれを見て、「逆にメチャクチャカッコ良くね？」と思いました。
現代人がPONGとかトロンとか見た時に思うアレと同じです。

これは私だけが感じてる事ではないらしく、こちらの方なんて、「このスレはPS1が究極の美学である事を証明している！」と言ってます↓

つまり、同じポリゴンではあるものの、初代プレステにはそれ特有の美学がある！という事になるかもしれません。

というわけで、ここではゲームのグラフィックスというのは新ハードが出るたびにそれ以前の表現が否定される歴史であって、プレイヤー側も毎回それが美学だと思ってたのに単なる制約だったと暴露されて、今まで騙されてたと思って過去の表現をネガティブに感じるようになる流れについて書いてみました。

それから、過去のゲームグラフィックスはそうやって一旦ネガティブな印象にされた後、20年くらい経つとそういう経緯を忘れちゃって、あるいは見た事のない世代があらためて見てみると、「これって逆に良くね？」が出てきて、美学のようなものになるという話でした。

ゲームグラフィックスってリアルなほどいいのか？

さて、プレステ以降のプレステ２、プレステ３、プレステ４、プレステ５というゲーム機の進化の歴史は、言ってみれば表示できるポリゴン数が増えていって、あとシェーダとかが強化されるという、要するにポリゴンがどんどんリアルに表示できるようになってくだけの歴史でした。

コントローラなんか、初代プレステのデュアルショックからプレステ５のデュアルセンスまで、ぶっちゃけあんま変わってません。

しかし、ゲームグラフィックスって果たしてリアルなほどいいもんなんでしょうか？

ゲーム機メーカーからすると、とにかく「次世代機ではこんなにグラがリアルになります！」とアピールすれば、たとえばポリゴン表示可能数とかの数字で比較できて分かりやすいですし、ゲームプレイヤーからしても「う～ん、たしかにリアルになったなあ」とすごく分かりやすい（しかしここで「でもゲームってリアルならいいってもんなのか？」と立ち止まって考えてみるべき）ので、マーケ的に都合が良かったでしょう。

しかし、これを言うと「単に年食ってついていけなくなったんだろ」と言われそうですが、最近のリアルなグラのゲームって、どれも似たかよってて見た目で区別が付かない…気がします。

例えばこれがモンハンのグラです↓

これは三国無双のグラです↓

これはFF14のグラです↓

いかがでしょうか。
他の人が見たら、「全然違うよ！」と思うのかもしれませんが、私からすると、たとえば画像見て何のゲームか当てろとか言われると困ります。

さて、ここで最初にした西洋絵画の歴史みたいな話が絡んでくるんですが、”リアルを追求するほど美学的じゃなくなる”ような気がするんですよね…。
だって、リアルって突き詰めると実写になっちゃうじゃないですか。
ドット絵とかローポリの頃のゲームの方が美学的だったりして…。ゲームのグラフィックスって西洋絵画の歴史を逆行しているのでは！？（まあ実際には最新のゲームでもスタイライズされた個性的なグラフィックスのゲームも一杯出てますが）

そういえば、このブログでもたびたび言及してますが、ゲームエンジンのUnrealEngine5は、Naniteによって無制限にポリゴン表示できるようになって、LumenによってリアルタイムGIが表示できるようになりました。
要するに、プリレンダーと同じくらいの高品質CGがゲームのリアルタイムで表示できるようになったわけです。
そして、UnrealEngine5のこれらの機能は最新のXBoxやプレステ5向けゲームに対応しています。
つまり、プレステ5の世代で、グラフィックスのリアリティの表現は行く所まで行きついてしまったわけです。

すでにUE5を使って開発中のゲームの画像や動画が上がったりしてます↓

いや、たしかにリアルです。メチャクチャリアルですね。
しかし、ここまで行きついちゃったらもうこれ以上リアルにはできないでしょう？

というか、PS4からPS5になった時も、すでに違いがほとんど分からんが？という話がありました。

たしかに、これまでのゲームのどんどんグラフィックスをリアルにしていくという流れは分かりやすかったですし、マーケティング的にも効果はあったでしょう。

しかし、もはやリアリティ表現が行く所まで行ってしまった今、西洋絵画がリアル追及で行き詰った歴史と同じポイントに到達しようとしています。

印象派の独自の美学を持った画家たちが現れたように、ゲームもそろそろ単にリアルを追求する流れから一旦立ち止まって見て、”美学“について考え直してみる時期に来ているかもしれません。

ちなみに、ソニーがプレステでリアル一辺倒に進化していったのに対して、任天堂のゲーム機は、WiiU辺りからハードのスペック競争から降りている印象があります。

任天堂は早い内から「ゲームのグラとかリアルならいいってもんじゃねえだろ」という事に気付いていたのかもしれません。

美学が必要なゲームとそうでないゲーム

とは言え、とにかくグラフィックスがリアルならリアルなほど良いゲームもあるにはあると思います。

例えば、スポーツゲームとか、実車を扱うレースゲームはグラがリアルなほど良いでしょう。
例えばグランツーリスモはソニーが新ハード出すたびに最新グラフィックスを駆使した超リアルなグラフィックスでリリースされてます。

しかしあいにく、私はそういう系のゲームに興味を持った試しが無いです。

さて、それじゃあゲームを作る際に、独自の美学を入れるべきなのか、それともリアルを追求すべきなのかについて、簡単に判断する方法を考えてみました。

テレビで観戦するような類いのジャンルについては、リアルなほど良さそうです。野球の試合とか、バスケの試合、カーレースはテレビでは実写映像を見て観戦します。
こういうのは、ゲームでもグラがリアルなほど良さそうです。
そう言えば、任天堂はあんまこういうゲーム作ってないですね。

それ以外のジャンルについては、リアルなほど良いとも限らないという事になるでしょう。
まあ、実写映画を意識した内容のゲームなら、やはりリアルを追求した方がいいかもしれません。リアルな戦争を体験させたいFPSゲームならリアルなグラフィックスが適してるでしょう。
アニメを意識した内容のゲームなら、アニメに寄せた方がいいでしょう。

さて、じゃあ自分のゲームには”美学”を入れようかな。と考えたとして、どういう美学を入れるのが適切なのでしょうか？
ぶっちゃけ美学は美学であれば何でもいいっちゃいいとは思います。

絵画だって、みんな独自の美学がありますが、スーラの点描とか、モンドリアンの抽象画とか、正直もう何でもアリみたいなところがあります。
ゲームでも、まあ私の場合はとにかくパッと見で目新しくさえあれば「おっ？」と思うので、なんか目新しい感じの何かの美学があるとよいでしょう。

しいて言えば、ゲームプレイの邪魔にならないような美学が適していると思います。
これは個人的なイメージですが、なんとなく、シンプルで情報量が少ないほど、「美学的だなあ…」と感じるような気がします。

ファミコンとかの頃は、「性能的にシンプルな画面しか出せねえんじゃん！美学じゃなくてそれしかできひんのやろ？騙されんぞ」という感じでしたが、当時から比べると数千倍、数万倍に性能が向上した今敢えてファミコン並みにシンプルなグラのゲームを出したら、「おお、美学だなあこれは。リアル一辺倒な昨今のゲームグラフィックスに一石を投じている！素晴らしい！」という感じです。

それに、表現がシンプルだとゲーム画面が見やすくなりすいでしょう。しかし、PONGまで行ってしまうと極端なので、限度があるでしょう。例えばDownwellは白と黒を基調にしたドット絵で、差し色で赤が入ったりしてて、かなり美学を感じます。

現実世界はゴチャゴチャしすぎてて、つまり完全にリアルな世界は美学を感じない世界と言えるかもしれません。
逆に現実以上にゴチャゴチャさせちゃったりしたら、それはもうキツいという事が想像できます。

どういう美学がゲームに適してるんだろう？という話は、それはそれで研究の余地がありそうですが、とりあえずsteamに行くと色んな美学のゲームが売ってます。

例えばHylicsというゲームは相当個性的な美学を感じるゲームです↓

‎Monument Valleyというゲームは、エッシャーに寄せてました↓

steamで色んな有名ゲームを眺めてると、まあ大体こういう感じか。と言うノリが掴めそうです。

敢えてPS1世代のグラフィックスを真似て作られたゲーム

豊井さんのドット絵を、これまで書いた美学と制約の話で語ってみると、こんな感じでしょう。
まず、ドット絵は、ファミコンとかの時代はゲームプレイヤーにはこういう美学だと思われてました。
しかし、ポリゴンゲーが出てきた時に、「ドット絵は技術的制約でしょうがなくやってた古臭い表現！」という事にされて、一旦ネガティブな印象が付きました。

そしてドット絵は忘れ去られていって、それに伴いドットに付けられたネガティブな印象も忘れられていきました。
そして、ある日豊井さんのような方が「むしろドット絵よくね？」と言い出して、ガンガンドット絵を描いて見せると、それを見た人は、「たしかにむしろいいな」ってなりました。
こうなると、ドット絵は美学として完全に復活した事になります。

ゴッホはまったく新しい美学の絵画を描いて、なかなか大衆に理解されずに苦労しましたが、ドット絵という美学のいい所は、かつては誰しもが馴染んでいた表現ですから、「なつかしいなぁ～」と言ってスッとみんなに受け入れられるメリットがあります。
それでいて、一旦ネガティブな印象が付いていた時期があるせいか、ある意味絶滅したみたいな感じで、同じような表現をやるライバルが少ないのもアドバンテージです。
さらに、現代のキッズや若者からすると、ドット絵なんてロクに見た事がありませんから、「斬新な表現だ！カッコいい！」という事になります。（多分）
そんなわけですから、誰も見た事がない斬新な美学を生み出すより、一旦廃れた過去の美学をもう一度発掘してくる方がメリットが沢山ある事になります。

さて、上でも書きましたが、初代プレステのグラフィックスも、今あらためて見てみると、「逆によくね？」みたく感じてしまう、ドット絵の時と同じような美学の種があるような気がします。
（しかし、私が「逆に良くね？」と思ったのはR4のスクショですが、ナムコにして見たら別に当時そういう美学を敢えて入れようなんて思ってなくて、単に初代プレステの性能の中で頑張ってリアルな表現をやろうとしてただけかもしれませんが。）

豊井さんの成功例をなぞって、同じパターンをドット絵じゃなくPS1風作品でやる事で、成功の二番煎じが可能かもしれません。

とは言え、初代プレステ逆に良くね？をやってる人は実はすでに沢山います。

その先駆者は、「Back in 1995」という初代プレステ風ゲームをリリースされたIchijoさんです。

Ichijoさんがこのゲームを出した後、追随する人達が沢山現れているそうです。

例えば、休符さんが制作中の”水瓶上のフェルマータ“というPS1風？ゲームも注目を集めています。

休符さんはロックマンDASHの影響を強く受けているとどこかで書いていた気がします。

さて、インディーゲーム開発者が、ドット絵とか初代プレステ風とか、そういうレトロゲー風のグラフィックスを採用するのは、単にそういう美学が好きだからという以外にも理由があったりします。

上で述べた通り、最近の大手のゲームのグラフィックスは、超リアルです。
という事は、ゲームのキャラクターや背景の机だのイスだのと言った小物を一つずつ超リアルにモデリングするハメになります。
これは、気が遠くなるほど大変な作業です。
大手のゲームでは、何十人も３Dモデラーを雇ってモデリングさせてるからなんとか可能なのです。

ですので、個人開発者はそんなリアルなグラフィックスでゲームを作ろうとしても、そもそもそれは不可能です。
しかし、ドット絵とか初代プレステのローポリ３Dモデルなら、比較的短時間で素材を用意していく事が可能です。

しかし、そんなにゲーム制作コストが圧縮されるなら、どうして大手は追従してPS1風ゲームを作ったりしないんでしょうか？
ゲームに限らず、メジャーな商業作品と言うのは、何も知らんド素人でもいいと思えるような表現が求められます。要するに万人受けするモノを作るという事です。

マニアじゃないと理解できないようなモノを作っても、ニッチすぎて売り上げが見込めないので、そういうのは大手は相手にしないという事です。
「敢えてPS1風に作りました！」みたいなゲームも、ゲームファンからすると「たしかにこれは逆にカッコいいね！」となりますが、ド素人の方からすると、「なんか古臭くてショボいグラ…」と思うかもしれませんから、美学を理解できない人も結構いますから、ニッチという事になります。（とにかく超リアルです！という価値観ならどんだけド素人でも分かるので大手のゲーム向きですね）

レトロゲーム風は、大手が攻めてこないニッチだから競合しないというメリットもあるという事です。

「な～んだ、ニッチなのか」と思われるかもしれませんが、たとえばUndertaleだってドット絵でレトロゲームリスペクトな美学モリモリですが、100万本以上売れてます。

ニッチな世界で爆ウケしてしまうと、それ以外のドット絵見た事無いキッズとかにも飛び火して「見た事無い斬新なゲーム！」みたいな感じでウケちゃって大ヒットしてしまうというような事かもしれません。

戦国TURBの話

戦国TURBというドリキャスのゲームがありますが、最近、twitterの海外の特定界隈で地味に話題になってます。

戦国TURBのグラフィックスを見ると、「かなりポリポリしててチープだけど、まあレトロゲームだしこんなもんか。」とか思うかもしれませんが、このゲームは1999年のドリキャスのゲームですが、ドリキャスは同じ年にシェンムーがリリースされてます。

つまり、当時からしても敢えてチープなグラフィックスにしてるという事です。考え方としては現在のインディーゲームクリエイターが敢えてPS1風ゲーム作ったりするノリと同じで、その先駆者だと言えます。

黒柳陽子さんという、たまごっちのキャラデザインもされていた方がキャラデザをやっています。

この戦国TURBのいい意味で力の抜けたキャラクターが、一部の海外勢からすると「むしろクールじゃね？」みたいな風潮になってて、ファンアートとかもぼちぼち描かれてます。

最近はレトロゲームが遊びづらい

さて、上でPS1風ゲームがアツい！という話をしましたが、そのカウンターとしての話になりますが、

「PS1風ゲームがやりたきゃ、普通にPS1のゲーム遊べばいんじゃね？」という意見もあるかもしれません。

まあ、実際レトロゲームはメチャメチャ一杯あります。
特にPS1のゲームは、それまでの任天堂ハードでゲームを出すのに比べて大分敷居が下がったらしく、奇ゲー珍ゲーも腐るほど一杯あります。
ユーチューバーが珍ゲーをゲーム実況して再生数稼ぎたいなら過去の遺産が充分活用できます。

ただし、PS1世代のゲームは3Dポリゴン黎明期なためか、今思うと操作性に難があったな…と思うようなゲームも多いです。
たとえば、マリオ64とかも、あの宮本茂のマリオと言えども、カメラ操作とかはやや模索段階だったような気がします。（ゼルダ時のオカリナのカメラシステムはゲームファンに褒められてた印象）

ですから、PS1風のゲームを作る時に、ガワはPS1のグラだけど操作性は現代的で快適！とかなら差別化できるでしょう。

それから、ガワはPS1だけどゲームの中身は新機軸！とかも売れそうです。
たとえばUndertaleもグラフィックスはレトロゲーリスペクトですが、ゲームのテーマ（誰も死ななくていいやさしいRPG）は新機軸でした。

もう一つのポイントとして、なんか最近のゲーム環境ではレトロゲームが遊びにくくなっているという点があります。

ソニーはゲームアーカイブスという、PS1やPS2、PCエンジンのゲームソフトをダウンロード購入してプレイできるサービスをやっていて、タイトル数がかなり充実していました。
対応しているゲームハードはPS3、PSP、Vitaです。

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%B2%E3%83%BC%E3%83%A0%E3%82%A2%E3%83%BC%E3%82%AB%E3%82%A4%E3%83%96%E3%82%B9

しかし、このゲームアーカイブスは何故かPS4やPS5は対応していません。
代わりに、PSNowという、サブスクでクラウドゲーミングで遊び放題なサービスがありますが、こちらは割と新しいゲームばかりでレトロゲーは無さそうです。

余談ですが、私はICO20周年の記事を見て、久々にICO遊びたいなあと思いましたが、PS2もPS3も実家に置いてきてしまっていて、手元にPS4しかありません。
PS4だとPSNowでICOが遊べるようですが、HDリマスター版しかありませんでした。

たしかに、以前の私だったらPS2のICOよりもHDリマスター版の方がいいに決まってんだろ！と思ってたでしょうが、「逆にPS1よくね？」と思い始めてる今となってはむしろ最初のPS2版が遊びたかったりします。

ちなみにPS2版のICOはGPL違反が見つかったとかで絶版になってるので今後も新しく遊ぶ手段は用意されないでしょう。

さて、任天堂もwiiの時代はバーチャルコンソールで遊べるレトロゲーのタイトルが相当充実してました。

https://ja.wikipedia.org/wiki/Wii%E7%89%88%E3%83%90%E3%83%BC%E3%83%81%E3%83%A3%E3%83%AB%E3%82%B3%E3%83%B3%E3%82%BD%E3%83%BC%E3%83%AB%E3%81%AE%E3%82%B2%E3%83%BC%E3%83%A0%E3%82%BF%E3%82%A4%E3%83%88%E3%83%AB%E4%B8%80%E8%A6%A7

しかし、バーチャルコンソールもやっぱり現行機のSwitchでは対応していません。
代わりに、Nintendo Switch Onlineというサブスクに加入すると遊び放題なファミコン、スーファミ、N64タイトルがあります。
しかし、バーチャルコンソール時代に比べるとタイトル数はかなり減ってしまいました。

どうして任天堂もソニーもかつては充実してたレトロゲーで遊べる環境が今では悪化してしまってるのでしょうか？

まあ、次世代機が出るたびにタイトルごとに対応するのが面倒くさかったんだとは思います。

そんなですから、一般ゲーマーにとって最近はレトロゲーが遊びづらくなっている環境ですから、「なんか懐かしい感じのゲーム遊びたいなあ」って人にはSteamとかで手軽に買ってプレイできるPS1風ゲームの需要も増大しつつある可能性も…多分あるでしょう。

まあ、本当にレトロゲーで遊びたい人はアーカイブがあるPS3やwiiを入手するでしょうし、それでも遊べないゲームは旧世代機の実機を買ってプレイしてますね。

レトロブームについて

ゲームに限らず、様々な文化でレトロなものを懐古するレトロブームは常に起きてます。
ブームと言っても、大ブームとかではないです。ニッチな局所的ブームだったりします。

AC部さんは有名なので誰でも知ってそうですが、AC部さんの制作する動画には昭和のCMみたいなフレーバーが盛り込まれてます。

Vtuver 蟹さんは、PS1（N64？）ゲーム風なグラフィックスでVtuber的に動画などを制作されてます。
N64のゲームのネタを入れまくった動画とかが面白いです。

葛飾出身という方は、日記と称してtwitterでレトロフレーバーな動画でその日あった出来事を報告されてます。

そう言えば、1980年代のシティポップが何故か世界中で大人気になってるという現象も起きてたりします。

2021年、シティポップの海外受容の実態 Spotifyのデータで見る

どうしてそんな事になってるのか、正直言って記事を読んでもよく分かりませんでした。
そういえば、豊井さんのドット絵の昭和の街並みな感じが海外でウケてるというのも不思議な話でした。

日本のおじさんとかが自分の子供時代の昭和を懐かしむ、という話ならよく分かりますが、外国人は日本の昭和の文化とか知らないでしょう。
まあ、初めて見たもの、聴いたものに不思議と懐かしさを感じるという事もあるのかもしれません。

たとえば、日本のアニメやゲームの音楽がシティポップとかを参照していて、外国人の人もアニメやゲームに馴染んでく内に、知らず知らずの内にシティポップの魅力が刷り込まれていた…というような仮説は想像できます。

おわり

最近、ゲームを作りたいなあと考えていますが、どのような美学（スタイル）のゲームにすべきか？というのを決めなければなりません。

何でも好きなように作ればいいじゃんという話ですが、個人開発でのゲーム制作は、最初から色々な制約がある事に気付きます。

まず、大手の大作タイトルのようなゲームは作れない事は明白です。極めてリソースが限られてるからです。

ですから、一番グラフィックスのコスパが高いのは2Dドット絵ですから、「2Dドット絵のアドベンチャーゲームを作ろうかな。」というのは去年やろうとしました。

しかし、制作開始してみると、ドット絵のキャラって動きを付けようとするとアニメみたいにキャラのアニメーションパターンを大量に作画するハメになって、意外と大変だという事に気付きました。
しんどくなったのでこれは制作中断されました。

これならドット絵より3Dモデルのキャラクターの方がコスパいいかもと感じました。
3Dなら大量に作画しなくてもポーズを付けていくだけで動きが付けられます。それに、色んなキャラでアニメーションの使い回しも可能です。

ですが、やはり大手の最新ゲームみたいに緻密な3Dモデルを作っていたら時間がかかりすぎてしまうので、やっぱしローポリだよな…という話になります。

で、今敢えてローポリ３Dでゲーム作るとなると、そんなゲームってどういう美学なんだろう？と逆算して考えると、やはり「敢えて今PS1風でゲーム作りました！」って言っちゃうのが手っ取り早いよねとなります。

そんなわけで、PS1風ゲームという美学は正当化できるだろうか？と考えて理屈を書いてみました。

普通に考えると、PS1のゲームのグラはショボいと思われがちですが、それは次世代機を売るためのマーケティングのせいでそう思い込まされていただけという説です。

ある程度時間が経って思い込みとかが無くなって、フラットな気持ちで、今あらためてPS1のグラを見てみると、「むしろ逆にいいんじゃね？」と思える気がします。

そしてレトロの文脈に乗っかると、ライバルは少ないし、大人が見るとなつかしいと思ってもらえるし、子供が見ると新しいと思ってもらえるし、大手とも競合しないし、いい事づくめである事も書きました。

それから、まったく斬新な美学で作品を作ると、みんなから理解を得られるのにやたら時間がかかったりします。その分最終的な名声は爆上がりするかもしれませんが、死んだ後評価されても困るっちゃ困ります。
その点、レトロな美学を持ち出す場合は、誰しもかつては馴染んだことのある表現ですから、スッと受け入れられてラクです。

結論としては、作るならPS1風ゲームがアツい！という事になりそうですから、そういう方向性でちょっと制作を考えてみようかなという気分になりました。

最近twitterで描き始めてる一次創作マンガについて

11月からtwitterで一次創作のマンガを描き始めてます。

この漫画は、すでに描き始めてるにも拘わらず、タイトルを決めてません。一応私の中では”ヤギ人間”という仮題があります。

概ね一日に１枚、毎日描いてアップしていて、2021年12月25日の今日の時点で41枚描いてます。

まあ、まだ描き始めたばかりと言っていい漫画ですが、個人的には人生で未だかつて無いくらい上手く行っている漫画になりつつあると思います。

というのも、私が一次創作の漫画を描こうと思ったのはこれが初めてではありません。

以前から、何度も一次創作マンガを描く事を試みていましたが、ことごとく失敗していました。
そもそも描き始める前に挫折する事が数えきれないくらいありましたし、描き始めてもすぐ放棄してしまうパターンで終わってしまってました。

私が一次創作で悩んでる事は以前の記事でも書きました。↓

たとえばこの作品なんかは12Pしかない短編なので最後まで描けた稀なケースです。↓

さて、こんな風に、生まれてこの方一次創作マンガを描くのに失敗し続けていた私ですが、今回の”ヤギ人間（仮）”はなんと41ページまで描けてます。これはかつてない快挙です。

実は、今回のマンガを描くにあたっては、今までの失敗をしっかりと反省して、かなり色々な作戦を練って描き始めました。

というわけで、如何にして私は「ヤギ人間（仮）」をとりあえず現在まで41ページまで描く事に成功したのか？について書いていきます。

「そういうメイキングとか”制作の裏側！”みたいなのって、普通は作品が完結してから書くもんじゃねえの？描き始めてすぐ書くか？」と思われるかもしれません。

たしかに、今こういう記事を書いた後で、数日後に結局挫折しちゃった！みたいな事も起きないとも限らないので、完結してから記事を書く方が望ましいでしょう。

しかし、完結する頃にはどういう事を考えてマンガを描き始めたのかサッパリ忘れてしまっている可能性が高いので、とりあえず1ヶ月は継続できている今のタイミングで書いてしまう事にしました。

自分の創作人生を振り返る

さて、このブログでは毎回私の人生の振り返りが語られるのが定番行事のようになってきてますが、今回も、”なぜ自分は一次創作マンガを描かなければいけないんだろう？”という理由を把握するために、自分の創作人生を振り返ってみる事にします。

私が覚えている限りでは、たしか小学１年生くらいから、自由帳にカービィの絵を描きまくってた気がします。
おそらく、当時から「人間とかキャラクターは描きたくても上手く描けない」と感じていたはずで、だから極めて簡単に描けるカービィに逃げていたのでしょう。
小学生の間はひたすらカービィを描いてました。

中学生になると、さすがにカービィを描くのは卒業して、人物を描こうとあがいていたはずです。
ある日クラスの絵ウマ女子が、学校に”筋肉ムキムキのドラえもん”系の同人誌を持ち込んで見せてくれました。
その女子は地元のスタジオYOUが主催する同人イベントで入手したとの事。
私もその同人イベントに行ってみて、いわゆる同人文化、二次創作文化に触れて衝撃を受けました。
当時はまだネット環境が無かったので、そういった大規模な二次創作カルチャーが存在する事はそこで初めて知りました。
その影響で、絵ウマ女子と一緒にデジモンアドベンチャー02の同人誌もどき（紙に漫画を描いてスクリーントーンとかも貼ったりしている。コンビニのコピー機で印刷）を作って内輪で配るといった黒歴史もやってました。

高校生になると、パソコンを入手してネット環境も得て、ペンタブも買ったりしたので、まあお絵描き掲示板で絵を描いたり、自作ホームページに絵をアップしたりするようになります。

何を描いてたのか？というと、まあ同人文化に毒された流れでもっぱら二次創作を描いてました。
月姫に始まり、Fate、ひぐらし、東方、マクロスF、まどマギ…という感じで今に至ります。

こうして振り返ってみると、私が一次創作を描いてこなかった主な原因は、二次創作を描くので忙しすぎたからというのが大きそうですね。

「じゃあずっと二次創作やってりゃいいじゃん」と思うかもですが、最近はそうもいかなくなっている事情があります。

まず、まどマギ以降はあんまり二次創作を描きまくるほどにハマり狂うような作品に出合えてないという事があります。
それでいて、まどマギ二次創作は数年前からとっくにネタ切れしていて何も描く事がありません。なにしろまどマギは1クールの本編と叛逆の映画以降はほとんど燃料が投下されてこなかったからです。最近になってマギレコにまどマギキャラが出演したり、続編の廻天の制作発表がされたものの。

今までの人生経験から、どんだけ作品にハマって二次創作に没頭しても、最終的にはいつか飽きてしまうという事も経験上分かってきました。

また、最近はじわじわと二次創作活動への締め付けが厳しくなりつつある気がします。
けものフレンズ事件では、権利者によって作品が破壊されてしまうリスクが顕在化しました。
エヴァやウマ娘では公式で二次創作ガイドラインが用意されて、これは二次創作を認める事でもありますから、ありがたいものの、描ける内容に制限がかけられる傾向があります。
それから、TPPの関係で著作権侵害が非親告罪になってしまう危機なんかもあったりします。
二次創作のリスクは上昇傾向にあります。

最近はvTuberの人気が高まってますが、vTuberは半分ナマモノ（ナマモノというのはキャラクターでは無く実在人間という事。芸能人とかは完全にナマモノで、vTuberは半分ナマモノ？）みたいなコンテンツなので、二次創作のリスクは一層高いです。本人がそれを見た時にショックを受けるような二次創作は控えるべきでは？みたいな議論があります。
この前も、DLSiteでにじさんじの二次創作作品が一斉販売停止になる事件がありました。

DLsiteでにじさんじ作品が一斉販売停止に　エイシス広報に販売停止に至った経緯を聞いた

これについては、そもそも論として二次創作をダウンロード販売する行為がかなり黒に近いという話もありますが。（物理同人誌がセーフ扱いなのは、ほとんどの同人作家は利益が得られてない、つまりほぼ原価で頒布してるからこれは利益目的の活動では無い。という言い訳があったけど、ダウンロード販売は原価がかからないから物理同人誌での言い訳は通用しない）

そんなこんながあって、これから先も創作活動を続けていくなら、二次創作から一次創作に転換した方が結果的に長くやっていけるだろうという見込みになってきました。

「二次創作の意欲が無くなってきたんならそのまま創作活動やめちゃえばいいじゃん」と思われるかもしれませんが、私自身としては自分の創作活動に極めて不完全燃焼感を抱えた状態でいます。

私は結構切実に、自己表現の手段としての創作活動を必要としています。

少し話が逸れますが、歌手のCoccoさんが「自分にとって歌はうんこだった」という旨の話をされています。

http://gogonyanta.jugem.jp/?eid=1390

で、悲しいこととかがいっぱいになったときにそれを歌で出したら、人はそれをいいというけれど、こっこにとってそれはうんこなわけ、ただの。嫌なのだから排泄しないといけない。排泄行為を人はいいといって、だからもうそれがどうしていいかわからないだったわけ。だけど、ある日、ハッ！歌好きだって気付いてしまったわけ。

Coccoさんは悲しい事やイヤな事などのネガティブなインプットを、人々を感動させる歌というポジティブなアウトプットに変換していました。Coccoさん自身は自分の歌を最初はそんなイイモンだと思っておらず、うんこみたいなもんだと思っていたようですが。

Coccoさんにとって歌がうんこだったように、創作活動はある意味で脳の排泄行為と考えることができるかもしれません。漫画で言うと、普段から脳内で妄想とか空想してるお話というのは思いついたその都度排泄していかないとどんどん脳内で詰まっていきますから、漫画としてアウトプットしていく必要があるという事です。

そうしてみると私なんかは、小学１年生で人物を描けなかったあたりからずっと創作に困難を感じ続けていましたから、脳みそが上手くウンコできない、脳の便秘状態がずっと続いていたと言えるでしょう。

私だって、脳が糞詰まりになったまま死ぬのはイヤですね。脳の便通を良くしてあらかた脳のウンコを全部綺麗に出しきってから死にたいと思うのは真っ当な感情では無いでしょうか。

私は創作する人間がしない人間より偉いとか言うつもりはありませんが、ネガティブなインプットをポジティブなアウトプットに変換する力は凄いよなあと思います。

たとえば漫画家は難病とかにかかってもむしろそれをネタにしてマンガを描いて本にしたりしがちです。

それに比べて、前澤社長なんかは100億円払って宇宙ステーションまで行って、誰よりもスゴイ体験をしたはずなのに、創作者では無さそうですから、特にアウトプットは無さそうです。

めちゃくちゃお金やリソースをかけて、宇宙体験という超高級料理を食べたんだから、どうせならめちゃくちゃ立派なウンコをアウトプットして欲しかったところではないでしょうか。

まあともかく、大体ここまでの話で私が一次創作マンガを描きたい理由が分かっていただけたかと思います。

脳に溜まってるウンコを出し切ってしまわないと死んでも死にきれないという事です。

具体的には何ページくらい描けば未練なく死ねるのか？というのはよく分かりませんが、まあ2000ページくらいは描いておきたいところではないでしょうか？

2000ページと言うのは普通のコミックスで言うと10巻分くらいに相当します。1日1ページ描くとしたら6年くらいで達成できる量なのでまあ生きてれば可能でしょう。

ちなみに、搾精研究所さんが描かれた搾精病棟は全11話で総計3101ページあります。1話が2018年12月17日にリリースされており、大体月に1話ずつリリースされ、約8ヶ月後の2019年10月21日に最終話がリリースされてます。毎日描いていたとしても1日当たり10ページ以上描いている計算になります。凄まじい生産能力です。

創作ってマンガじゃないといけないの？

Coccoさんにとっては創作は歌う事だったように、創作と言っても必ずしもマンガじゃなくていいんじゃないか？という議論があるかもしれないので、その辺について軽く検討してみます。

私がマンガを選択しているのはマンガが一番コスパがいいメディアだと思ってるからです。

漫画以外のメディアとして、たとえば小説について考えてみます。

絵を描けなくても文章なら大抵の人は書けるから、マンガより小説の方が簡単だ、と思う方もいるかもしれませんが、そうとも限りません。
小説ではなんでもかんでも文章で説明するハメになります。例えばヒロインキャラの美貌を表現するにもボキャブラリーを駆使して美麗美句を並べ立てるハメになりますが、結構大変です。こんなん絵で見せられたら一発で伝えられるのに…！という事もよくあります。

では逆に、一枚絵のイラストだって創作でしょ？という話を考えてみます。
私もかつてはイラストを描いたりしてましたが、意外と一枚絵を描くというのは難しいのです。
何故なら、これまた小説とは逆に、絵だけで言いたい事を全て伝えなければならないからです。
例えば、「この女の子、かわいいでしょ？」という事が伝えたい絵の場合、メッチャクチャかわいく描かないとなかなか伝わりません。
それに比べると、マンガなら大して可愛く描けてない絵でも、マンガの中で可愛い事をさせたりすれば、一枚絵より簡単にかわいいでしょ？を伝えることができたりします。
別の例で言うと、エッチな絵で「エッチでしょ？」を伝えようとすると、これまた相当な画力を要求されます。しかし、大して上手くない絵でも、エッチなテキストを付ける事で、絵だけでエッチさを表現しているウマ絵よりも大幅にエッチさがアップしてしまうという事もよくあります。

つまり、文章で表現するのが難しい所は絵で補って、絵だけで表現しきれない所は文章で補うのが一番強力だと言えます。
絵と文章の組み合わせと言えば…やはり漫画です。

「ビジュアルノベルだって絵と文章の組み合わせじゃん！」という反論もあるでしょうからそれについて考えてみます。
たしかに、ビジュアルノベルという表現手段はコスパ的に強力です。
しかし、ビジュアルノベルは読者に読ませる手段が限定されています。基本的にはアプリケーションとして実装するしかありません。
twitter上でビジュアルノベルを読んでもらう方法はありません。（他のSNSなどでも同様だと思います）

さらに言うと、ビジュアルノベルはかなりまとまったボリュームで提供する形が一般的になってるので、細切れで提供したいと思っても難しいです。
それに比べて、マンガならまあ最低1Pずつアップしても構わない風潮があるので細かくアップしやすいです。

それじゃあいっそ動画ならいんじゃね？という話もあります。
実際、私もUnityを使って3DCGの動画を作ってみた事がありますが、やってみると相当大変だという事が分かりました。

作った動画というのはコチラです↓

まず、動画なのにキャラが動かないのはヘンだという事になりますから、キャラにモーションを付ける必要がありますが、大変です。また、動画なんだからボイスも欲しいだろという話があったりして、ボイスを用意するのも大変です。ビジュアルノベルと同じ問題で、少しずつ細切れでアップするというわけにもいかず、ある程度まとまった尺を用意しなきゃいけないのも大変です。

「でも、vTuberのぽこピーやおめシスはほぼ毎日動画上げてんじゃん！」という意見もあるでしょう。
たしかに、ぽこピーやおめシスのように、VRデバイスを駆使してモーキャプで動画を制作する手法はコスパ的にかなり有望な方法だと思います。
私も実際にやろうとしましたが、一人ぼっちでVR演技するのは相当寂しいです。ぽこピーやおめシスは二人だからいいよな…。
それに、ぽこピーやおめシスの動画では創作ストーリーというよりはユーチューバー的な企画動画をメインにやってます。創作ストーリーとかやり出すと今のようなペースで動画を作るのは難しいでしょう。（登場キャラが二人だと寂しいし）

最近は例えばVRChat上で劇をしたりする人たちもいるようです。

一人演技は寂しすぎるので、やるとしたらこういうやり方でみんなで演技する形がいいんじゃないでしょうか。
というわけで、有望な選択肢ではある気がするものの、今回はVRモーキャプによる動画制作という選択肢は一旦棚上げします。

最後に、ゲームという選択肢も考えてみます。

以前の記事で、私が青春時代をゲーム制作への挑戦と挫折に浪費してしまった事について書きました。↓

今思うと、私はゲームを作る事とお話を物語る的な創作活動を混同していたような気がします。
多分、FF7とかのストーリー性の強いゲームの影響でしょう。

今ならわかりますが、ゲームは別にストーリーを物語るメディアではありません。
どっちかというとプレイヤーの体験を設計するメディアです。

もちろん、ゲームにストーリーの要素を組み込む事もできますが、創作ストーリーをやりたいがためにゲームを作るというのは、2階に上がるために階段を使わずわざわざヘリコプターを用意しようとするような大げささがあるっちゃあるかもしれません。

まあ、ゲームはゲームで作ろうと思ってます。ですが、それとはまた別にストーリーのための創作もやろうと考えているという事です。

というわけで、創作をするにあたって、マンガ以外の色々な選択肢を検討してみましたが、そうする事でかえってマンガのメリットが際立ってきましたね。

マンガは、
・絵と文章を組み合わせて相互に補完できる
・twitterや他のSNSにアップできて、つまり拡散されやすく、沢山の人に気軽に読んでもらえる。
・動画やビジュアルノベル、ゲームはまとまった量を完成させないと提供できないのに対して、マンガは最低1Pずつの細切れでもアップできる。
みたいなメリットがあります。

ちなみに、脳に溜まった空想や妄想を排泄したいだけなら、それを他人に喋るだけでもいいんじゃないの？みたいな意見もあるかもしれません。

ですが、例えば自分だったら友達の益体も無い妄想のお話に付き合ってあげようと思いますか？
ゆうべ見た夢の話をされるのと同じくらいキツいと思います。
少なくとも、私にはそういう話を聞いてくれるような友人はいません。
ですから、漫画などの形で具体的に表現しなければならないと思ってます。

そういえば、今書いているこのブログも、創作ではないですが、脳のウンコみたいなもんかもしれません。
とにかく、考えてる事が溜まってくるとこうやって書き出しておかないと頭の中の整理が付かなくなりそうな気がします。

今までの一次創作マンガ制作の失敗の原因

新しいマンガを描くにあたって、私はまず今まで一次創作マンガを描こうとして”どのように失敗したのか”という原因を分析するために洗い出してみる事にしました。

・ネームを考えるのが面倒くさくなって挫折する

・キャラが上手く描けなくて挫折する

・背景が上手く描けなくて挫折する

・まどマギみたいな話を描こうとして失敗する

・一次創作を描いてみたけど二次創作より反応が少なくて挫折する

・そもそもマンガを描く労力が大変すぎて挫折する

・今度こそ最高のマンガを描いてやる！と決意するのに何故かすぐ挫折する

・頭の中では最高のマンガだったはずなのに、描き出してみるとつまんなくて挫折する

まあ大体こんな感じでしょうか。こうやって書き出してみると、あまりにも挫折要因が多すぎて驚愕しますね。
では次は、これらの問題に如何にして対処したか？について書いていきます。

そもそも論としてマンガを描くのが労力かかり過ぎて大変な話

早速ですが、マンガを描くにあたっての最大の挫折要因であるこの問題について考えていきましょう。

そもそもマンガは描くのが大変すぎる。

たとえば、あなたがある日、なんか面白そうな漫画のネタをふと思い付いたとします。
そうですね、「全校集会の時にテロリスト集団が体育館を占拠してしまうけど主人公の少年がホームセンターで集めた武器とかで無双する」みたいな話だとしましょうか。
あなたは早速、この面白そうなストーリーを漫画にする事に決めました。

ストーリーの分量としては、まあ単行本３冊分くらいだとしましょう。つまり600ページです。
漫画を描き始める前は、「まあ、１日10ページくらい描けば2ヶ月で終わるだろう」くらいに考えていたかもしれません。

しかし、実際に描き始めてみると、想像を絶する泥沼にハマった事に気付くでしょう。
１日10ページどころか、丸一日机に向かって作業していたのに、1コマしか描けなかったなんて事も起こり得ます。

例えばこういう漫画のコマがあったとします。↓

この例は素材画像から持ってきましたが、この背景をイチから描き起こそうとすると平気で4時間とか5時間とかかかったりします。

さらにこのコマに3人のキャラを載せるとします。

これまた例ではクリスタの3D素材を使いましたが、これを実際に作画する場合、各キャラごとに、ラフに30分、下書きに30分、ペン入れと仕上げに1時間、合計2時間かかるとすると、3体で6時間、背景と合わせて11時間くらいかかることになります。

ほら、１日がかりでしょう？
「そんなにかかるか？」と思うかもしれませんが、まあ作画コストは画風にも左右されます。

三輪士郎先生みたいな作風の人は多分もっとかかるでしょう。

実際は背景が無かったりなど手間のかからないコマも多かったりしますから、概ね平均１ページ描くのに３日かかるとしましょう。

その場合、ストーリーの終わりまで描くのに3日×600ページで1800日間付きっ切りで作業するハメになります。
ちょっと思い付いただけのオハナシを、マンガとしてアウトプットするだけで人生を丸々５年間棒に振るハメになる…マンガを描くという行為には相当な犠牲が伴うという事です。

私は無邪気だった子供の頃は、漫画家の人達が死ぬほど苦労して漫画を描いてるなんて想像してませんでした。
当時の私は「今の自分は絵が下手だし描くのにクッソ時間がかかるし、ちょっとポーズ付けて描こうとすると人体が完全に崩壊しちゃうけど、漫画家の人は上手いから何も見なくても背景も人物もスラスラ短時間で描けちゃうんだろうな～」とかナメた事を考えてました。（だって漫画家ってサイン描く時にスラスラ絵を描いて見せたりするから…漫画もああいう感じでサクッと描いてるのかと子供は思うでしょう）

しかし、今ならわかりますが、”漫画家は天才だから凡人よりラクして漫画描いてる”みたいな事は基本ありません。単に漫画家はメッチャクチャ苦労して漫画を描いてるだけです。

「でもさあ、凡人と同じくらい手間がかかるんだったら週刊連載なんて無理じゃね？」と思うかもしれませんが、ハイ、そうです。無理ですね。

つまり、週刊連載の漫画家は、無理をしてマンガを描いてます。

漫画家の過酷な生活

例えば、高橋留美子先生は、作画期間中は3時間しか寝れてません。
睡眠を削ってマンガを描いてるという事です。

ワンピースの尾田栄一郎先生は毎日5時から翌日2時まで働いてるそうです。つまり、睡眠時間3時間です。休みはないそうです。

『ワンピース』作者の尾田先生「朝5時に起きて深夜2時まで仕事しています。休みは無いです」

デスノートの小畑健先生も、基本的に睡眠時間は３時間だったそうです。すいませんがソースは知恵袋しか見つかりませんでした。↓

https://detail.chiebukuro.yahoo.co.jp/qa/question_detail/q1298001857

小畑先生は寝食忘れて没頭して漫画を描いていた結果、健康面で何かあったらしく、最近はちゃんと寝ているそうです。↓

https://gakumado.『ヒカルの碁』『DEATH NOTE』などの大ヒットを生み出してきた漫画家・小畑健。その飽くなき探求心に迫る。

漫画家がマンガ描くのが忙しすぎて生活が破綻している例は他にもいくらでも出てきますが、キリが無いのでこれくらいにしますが、どんなメジャーな漫画家でも死ぬほど無理をしてマンガを描いていて、決してプロだからラクにスラスラ描けているわけでは無い事がお分かりいただけたかと思います。

無理をしているどころでは無くて、命を削って描いていると言ってもいいでしょう。
というか、冗談でも何でもなく、死んでいる人もいます。

マンガを描くという行為は、基本的には楽しいもんだと思いますが、毎日３時間睡眠で命を削ってまでして描くか？と言われると、そうなると個人的には苦行になるというか、命が惜しいです。

子供の頃は漫画家に憧れていた頃もありましたが、このような地獄のような漫画家の生活の実態を知るにつれて、漫画家に対する憧れはスーッと引いていきました。

もしも今、出版社に「マンガを描いてくれ！」と求められて漫画家になるという子供の頃の夢が叶うとしても、健康を害するようなスケジュールが求められるならばむしろお断りしてしまうような気がしますね。

そういうわけですから、この記事で私はマンガを描く事を目指しているものの、さしあたってプロの漫画家を目指してるわけではありません。あくまで趣味として描いてみたいという話です。

サプライチェーン的な話

ところで、最近は企業にも”サプライチェーンの健全化”が求められる風潮がありますね。
どういう事かと言うと、例えばディズニーのおもちゃは子供たちに夢を与えるものですが、実はそのおもちゃは発展途上国の子供たちを奴隷のように酷使して作られているものだった…となると、それは搾取ですよね。

そういう搾取を無くそう！という事で、企業はまず自社工場の環境を改善もしつつ、さらになるべく奴隷みたいな労働から作られた原材料とかも使わないようにしよう！というのがサプレイチェーンの健全化です。

それで言うと、クリエイターの命や睡眠時間を削って作られたマンガやアニメ作品を、我々が安価に消費している構造もサプライチェーンがやばいのでは無いでしょうか？
しかし、一般的にエンタメ業は奴隷労働にはあたらないという説もあります。クリエイターは別にやろうと思えばもっと手を抜くというか効率化する事が可能なのに、”わざわざ好きで睡眠時間削ってる”だけだろうという説です。
たしかに、小畑先生も「寝食忘れてマンガに没頭してた」と仰ってましたし、好きで睡眠時間削って、過剰に高品質なマンガを描いてしまってるだけかもしれません。
しかし、少年ジャンプのアンケートシステムという過酷な生存競争の環境が小畑先生を無意識的に追い詰めていた可能性もあります。

私は最近はそういうマンガのサプライチェーンが気になってきて、メッチャ描くの大変そうなコマを見ると、昔は純粋に「スッゲー！」とか思ってましたが、今では作業の大変さを想像してゾッとしてしまいます。

さて、漫画家が命まで削ってマンガを描くハメになってる現状は分かりましたが、そんな地獄みたいな状況の原因は何でしょうか？

それは、ハッキリ言ってマンガを描くのに労力がかかり過ぎる事です。

最近の漫画は、昔の漫画に比べて求められるクオリティが上がり過ぎている気がします。まあ昔の漫画のクオリティが低かったというわけでは無いですが、昔より手間がかかるようになってると思います。

マンガを描くのが大変すぎる。それが問題なのです。

ちなみに、描くのが大変そうな漫画と言えば、やはり三浦健太郎先生のベルセルクが挙げられます。

ベルセルクはずっと不定期連載だったそうですが、それは描くのをサボッてたんじゃなくて、単に他の漫画の何倍も描くのが大変だったんだと思います。

マンガは高いクオリティで描かなければならない、なんて決まりは無いハズです。
仮に、マンガのキャラは棒人間で描かなければならない、としてしまったらどうなるでしょうか？
少なくとも、漫画家はマンガがサクッと描けるようになって、ぐっすり眠れるようになるでしょう。
読者だって、全部の漫画が棒人間になっちゃえば、別にそれはそういうもん、と思って不満も出ないと思います。

（余談ですが、マンガじゃなくてゲームの話ですが、登場人物が全員棒人間であるヘンリー・スティックミンというゲームが売ってます。かなり人気です。つまり、キャラクターが棒人間だろうが、面白ければユーザーは気にしないという事です。↓）

https://store.steampowered.com/app/1089980/The_Henry_Stickmin_Collection/?l=japanese

漫画家がみんなこぞって無理をしてマンガの品質を上げてしまっているから、読者だってそれを求めてしまうという事に過ぎません。

ところで、私が今までで一番マジメにマンガを描いていたのは、10年前くらいの頃です。
当時は東方やマクロスFの二次創作同人誌を描いたりしてました。

その時は4～5冊くらい同人誌を描いたと思います。
「じゃあ数十ページくらいのマンガ描けてるじゃん」って話ですが、それは二次創作だったから、作品愛のパワーでなんとか乗り切れたという事です。

例えばこの東方二次創作の「宇宙妹紅」とか描いてました。↓

しかし、同人誌を描く中で、「マンガって描くの大変すぎるだろ…」とつくづく思い知らされました。
その時は私は同人活動からフェードアウトしていってゲーム制作の方に傾倒するようになりましたが。
結果的にはUnityエンジニアになれたりしたので描くのがひたすら大変なマンガからフェードアウトする選択は正解っちゃ正解だったと思いますが。

その後も私はちょくちょくとまどマギの二次創作マンガを描いてtwitterにアップしたりしつつ、「マンガってもっとラクに描く方法無いのかなあ」と常日頃から考えていました。

全く新しいマンガの形と新しい制作方法を考える

私が若かった頃なら、たしかにちゃんとした漫画を描けるように努力するのは正しい選択だったと思います。若者には可能性が広がってますし、あわよくば漫画家になってやろうみたいな夢もありました。

しかし、いい歳こいてきた今となっては、”できない事はできないと割り切って、他のやり方を考える”みたいな事を考えるべき時期です。
先ほども書いたように、正直言って漫画家になりたいという夢よりも、死にたくない…みたいな守りの姿勢も出てきました。

しかし、他の方法と言っても、漫画以外の小説とか動画とかのメディアも先ほど検討しましたが、やっぱりなんだかんだマンガがコスパに優れているという結論が出ています。
ですので、マンガはマンガなんだけど、”さらにコスパが優れてる全く新しいマンガのスタイル”をイチから考えてみようと思いました。

今までは”普通のちゃんとしたマンガ”を描こうとして挫折を繰り返していたわけですから、”自分でも描けるようなマンガ”の形を考え出さなければならないという事です。

既存のマンガのフォーマットに拘る理由って？

プロの漫画家だろうと同人作家だろうと、紙に印刷する漫画を描く場合は、当然普通のマンガのフォーマットに従ってマンガを描かなければなりません。
決められたサイズの紙の枠の上で、白黒で描く必要があります。

それに対して、紙に印刷しない、PCやスマホ上でのみ読まれる電子上のマンガなら、ページのサイズや色の制限などの制約は無いはずです。

例えば、スマホのマンガアプリでは普通のマンガフォーマットよりも縦にスクロールして読むWebtoonのフォーマットの方が流行ってます。

それなのに、現実にはtwitter上にアップされているマンガは、既存のマンガフォーマットのページサイズや色制限を守ってる場合が多いです。私も色は好きにカラーで塗ってるものの、ページサイズは普通のマンガです。

何故なのか？

一つ目の理由として、”マンガとはそういうもんだから”という思い込みがあるかもしれません。それに、読者だって読み慣れたマンガフォーマットと同じの方が読みやすいだろう、という配慮でもあるでしょう。（しかし、スマホアプリではWebtoonというスマホに最適化された縦長のフォーマットが流行っているので読者は多少フォーマットが変わったりするのは気にしなさそうです）

二つ目の理由は、あわよくば紙に印刷しようと思ってるからという理由があります。
例えば量がまとまったら同人誌にしようと思ってるとか、もしもバズッたら出版社が書籍化してくれるかもしれないし…みたいな期待を抱いているケースがあります。

それから、twitterはPCから閲覧される場合とスマホから閲覧される場合があります。普通のマンガフォーマットならばPCでも読めるしスマホからでもそれなりに読めるので折衷的に便利です。

普通のマンガフォーマットは、PCのtwitterではこんな風に見えます↓

画像をクリックするとこうです↓

まあ、普通に読めますね。

スマホ（Pixel3a）からはこう見えます↓

まあまあ読みやすいです。

というわけで、これらが電子上のマンガでも紙のマンガのフォーマットに拘る理由です。

ですが、私は新しいマンガを描くにあたって、紙マンガのページサイズを崩す事にしました。
どうしてか？

私の最初の構想としては、映画みたいなマンガを描いてみよう！というコンセプトがありました。
つまり、映画みたいな横長のページに、１ページに１コマずつ描く。コマ枠さえなくて、紙マンガで言えば全部のコマが見開きページで出来ているマンガみたいなイメージです。

これが紙のマンガだったら、雑誌や単行本には紙幅の都合というものがありますから、そんな贅沢なページの使い方は絶対許されませんが、電子上のマンガなら何も問題ありません。

ちなみに、実際に描き始めてみると、画面というかページが広すぎて、結局コマを割って２コマとか３コマで描くページが多くなりました。

それから、どうせならPC画面に目一杯大きくマンガを表示したい！という欲求もありました。
調べたところ、PCのtwitterで画像が目一杯表示されるには、画面の横幅が縦幅の2.16倍の時がベストだと分かりました。

というわけで新しいマンガの画面フォーマットは2.16:1に決まりました。

新しいマンガをPCのtwitterから見るとこんな風に目一杯表示されます。↓

これは満足ですが、PCの画面は横長ですが、スマホの画面は縦長です。つまり、PC上での表示に最適化してしまうと、スマホでは見づらくなる事を意味します。

スマホ（Pixel3a）から見るとこうなってしまいます。↓

小さい！まあ読めなくは無いけど…

横持ちならかなり目一杯表示されます。↓

ちなみに、普通の紙マンガフォーマットだと1ページ辺り4～5コマ描かないと埋まりませんが、新マンガのフォーマットなら1～3コマで埋まります。
先ほど、最低１ページの細切れでもアップできるのがマンガの強みだと書きましたが、そういう意味では新マンガはさらに細切れでアップできるのでさらにラクできます。

今まで私がこういう横長の画面でマンガを描いてこなかった大きな理由として、映画みたいな画面にしちゃったら、ページが大写しになっちゃうし、背景の面積が増えるから背景をしっかり描くハメになるという問題がありました。

私は背景を描くのが苦手です。いや、まったく描けないと言ってもいいでしょう。

しかし、新マンガでは背景を描くのを完全に放棄して、3DCGに頼る事にした（詳しくは後述）ので、一切の手作業無しで大画面大写しに耐えるような美麗な背景を表示できるようになりましたので、横長ページのマンガが可能になりました。

さて、そうは言っても既存のマンガフォーマットを放棄した事で、紙のマンガとの互換性を失ってしまいました。
新マンガを描き溜めても同人誌に印刷する事はほぼ不可能です。しかし、これについては紙に印刷しなくても電子でBoothとかでダウンロード販売すればいいんじゃないでしょうか。二次創作は先述したようにダウンロード販売すると極めてグレーになってしまいますが、一次創作ならどんな形で販売しようが自由です。

また、もしもバズッたりして人気が出てしまった場合、出版社から本として出したい！とお声がけいただいても、新マンガのフォーマットでは紙に印刷できません。
どうするか？

まあ実際にはそんないい話が転がり込んでくる可能性はそもそも低いですし、仮にそうなったとしても、誰か私より漫画描くのが上手い人がちゃんとしたマンガとして描き直してくれるんじゃないかな？と思ってます。

例えば、ONE先生の描かれているWeb漫画の「ワンパンマン」ですが、商業化にあたって村田先生によって描き直されました。

パーダ先生の描かれていた「魔導」もガンガンWINGで五十嵐洋平先生によって描き直されました。

搾精研究所さんの「搾精病棟」も亀山しるこ先生によってコミカライズされました。

とまあこんな感じで、すごい面白いけど、フォーマット的にそのまま紙に印刷できなかったりする漫画は、結局他の人が描き直してくれたりしがちです。

ちょっと違う例ですが、天原さんというこれまた天才的な漫画家の方がいますが、彼が原作者として作画のmasha先生とタッグを組んで描いた「異種族レビュアーズ」はヒットしました。

一般的なマンガフォーマットとちょっと違う描き方の人を商業化する場合、原作者に回されがちな風潮があります。 搾精研究所さんも原作者になって作画の丈山雄為先生と「淫獄団地」を描いてます。

漫画は原作としてネームを作る作業も大変ながらも、それ以上に作画作業が大変なので、作画担当と原作担当で比べると、どちらかと言うと原作の方が命が削られずに健康的な生活が出来そうな気がします。

とは言え、自分もマンガ描きたいのに原作者に回されちゃうと、「自分だってマンガを描きたいのに！」と不満が溜まるかもしれませんから、ワンパンマンや搾精病棟みたいなスタイルで、自分は自分で漫画として描きつつ、商業媒体では他の人に作画担当してもらって描き直してもらう形が一番良さげな気がします。

ちなみに、twitter上でもちゃんと紙マンガ互換フォーマットでマンガを描かれてる場合はそのままで商業出版されたりします。

例えば、最近twitterで人気のケモ夫人です。↓

出版社って、自分は何のリスクも負わずにただtwitter上でバズッて人気になってるマンガを出版するだけで、作者には印税1割だけ渡して残りをかっさらっていくのって何かズルい気がします。

ですが、ケモ夫人を描かれた藤想さんは、商業出版化はしつつも、自分でもケモ夫人の同人誌を刷って売るというテクニックをやってます。

同人誌なら、売り上げから原価を引いた利益が全て自分の物です。

商業出版のケモ夫人が、仮に2万部刷られたとします。１冊辺りの印税は68円ですから、藤想さんは136万円得られる事になります。

それで、同人誌版のケモ夫人が、メロブで3000部売れたとします。印刷費が250円として、メロブの取り分が3割ですから、1冊辺りの利益は240円です。藤想さんは72万円得られます。

商業出版は、印税率は少ないものの、書籍流通に乗せて幅広く売ることが出来ますし、同人誌はその逆ですから、両方組み合わせることでメリットを最大化できます。
出版社からすると「同人誌とか売られるとこっちの売り上げ減りそうだからやめてくれよ」とか思うかもしれませんが、そんな事言われる筋合いはありません。だって出版社からは原稿料とかもらってないし。（まあアフタヌーン側からは雑誌掲載の提案もあったらしいです）

というわけでケモ夫人の話はまあ余談でしたが、
このセクションでは既存の紙のマンガのフォーマットに拘らなくても大したデメリットは無いという事を確認した上で、新マンガではPC上のtwitterに最適化された横長のページフォーマットで描く事にしたという話でした。

画力の問題を克服する

さて、かつての私がマンガを描くのを挫折してしまっていた大きな理由の一つに、「絵が上手く描けないから」というものがありました。

こういうしょうもないコンプレックスはさっさと対処する必要がありますが、正直言ってすでに私はこの問題は対処済みです。

逆に「むしろ絵が上手いってどういう事？」と訊きたいくらいです。

「絵が上手くないとマンガを描いてはいけない」みたいな思い込みは間違ってます。
だって、マンガのキャラなんて突き詰めれば棒人間でも全く問題無いですからね。

私がマンガについて気付いた重要な事実の一つに、

「絵は見るものだけど、マンガは読むもの」

という事があります。

マンガのページを見ると、コマ割りに沿って、まずフキダシを読んで、絵を見て、次のコマのフキダシを読んで、絵を見て…という風に、文字を読むのと絵を見るのを交互に繰り返す感じになります。

この際、マンガの絵が”記号”で描かれていれば、記号を読むのは左脳の仕事ですし、フキダシの文字を読むのも左脳の仕事ですから、全てが左脳だけ使ってスムーズに読めます。

それに対して、マンガの絵が記号的でない、”画像”で描かれている場合、フキダシの文字は左脳で読むにも拘わらず、絵は右脳を使って”眺める”ハメになってしまい、イチイチ右脳と左脳の切り替わりが発生してかなり読みづらくなります。

左脳は文字や記号を読むのは得意ですが、画像は分かりません。それに対して、右脳は画像処理は得意ですが、文字や記号は読めません。

つまり、「マンガの絵が上手い」というのは、絵画的な意味での絵の上手さと言うよりは、”絵の記号”を描くのが上手いという事になります。
（そうとも限らんだろ！という意見もありそうですが、あくまでここで言ってるのは私自身が描くべきマンガについての理論なので、多少主語がデカくて断言しててもご容赦願います。他人のマンガについて批判しているわけでは無い）

例えばマンガで美人の女性を描くというのは何を指すのか？と言うと、実際に美しい女性を描く必要は無いのです。”美人の記号”を描けばいいのです。

例えばこういう、ほとんど棒人間みたいなキャラがいます↓

このキャラを改造して美人の女性にすると、こうなります↓

何をしたのかと言うと、単に美人の記号を付け足しただけです。主には、目をキラキラさせて、睫毛をバチバチに盛りました。

これは絵画的な意味で女性の美しさを描いたわけではありません。美人の記号を描いただけです。

記号と言う意味では、こんな風に顔面に”美人”って描き込んでるのとやってる事は大差ありません。↓

というわけで、マンガの絵というのは絵画的な意味で上手い必要は無くて、記号さえ描ければいいという事がお分かりいただけたでしょうか。

私は昔は常に自分の画力が無さ過ぎる事に悩んでましたし、まあ実際に画力が無さ過ぎたと思いますが、この事に気付いて自分に言い聞かせ続けた結果、最近では自分の画力って充分あるんじゃね？という気分になってきて気がラクになってきましたし、だから画力で悩んでマンガを描くのを挫折するリスクは減っているはずです。

マンガの絵は記号ですが、一枚絵のイラストの絵は記号では無く、絵画的な絵だったりします。何故なら、イラストは文字に挟まれたりして無いので、左脳では無く右脳でじっくり鑑賞される事が想定されたりします。
つまり、絵画的な絵が求められうるという事です。イラストの世界ではマンガと同じ感じで描かれるケースから、ほとんど写真みたいにリアルに描かれるケースまで幅広いです。

例えば三国志大戦のカードのイラストを見てみましょう↓

かつての私は、マンガを描いたりイラストを描いたりしてどっちつかずでしたから、マンガの絵とイラストの絵の話をゴッチャにして勝手にパニクッてました。
マンガ絵とイラスト絵は、ある意味では、日本語を書くか、英語を書くかという話と同じくらい全然話が違うというのに。

でも、twitterにアップする絵はもしかすると記号で描く方がいいのかもしれません。twitterの絵は、たしかに絵自体にはテキストが含まれてないものの、タイムラインでは上下のツイート文章に挟まれる形で絵が表示されるものですから、ある意味漫画と同じ条件になってしまうからです。

ちょっとソースが見つかりませんでしたが、昔見たツイートで、イラストレーターから漫画に転向された方が、「漫画って大変だなあ」と嘆いていました。
何かと言うと、小説の挿絵とかなら、１つのお話で数枚の絵を描けば済みましたが、マンガだと絵を１枚描いても1コマしか進まない！という衝撃です。1枚の絵で数秒しか物語が進みません。

イラストだとキャラは１回描いて終わりですが、マンガだと、例えばジョジョのダービー戦の中の一話のキャラ数を数えてみましたが、20ページで100体くらい登場してました。という事は、週刊連載漫画を描く作家は、毎週100回キャラを描かないといけないという事です。イラストなら１体のキャラを描くのに１週間でも２週間でも時間をかけられますが、マンガを描くなら200倍くらい効率化するハメになります。

つまり、イラストの文法のままでマンガを描こうとすると相当しんどい事を表しています。絵画じゃなくて記号として描いて、手間を省くべきです。

手塚治虫先生は、「マンガの描き方」という本でこのように書かれています↓

この辺のページで手塚先生が云わんとする事も、要するに「マンガは記号で描け」という事です。

まあ、手塚先生の時代にはマンガを記号で描くのは言われるまでも無く当たり前だったのかもしれませんが、その後、劇画が流行したりして、マンガに記号じゃないコードが持ち込まれたり表現が多様化していくにつれて、結局マンガの絵って何なのかあやふやになっているのが現代かもしれません。

ところで、アレックス・ロスというアメコミ作家がいます。

こういうアメコミを描かれています。↓

見ての通り、メッチャクチャ絵が上手いですが、完全に写真みたいな写実的な絵です。マンガは記号で描けという話から、完全に正反対を行っている人です。

私もこの「キングダムカム」を読んだことがありますが、たしかに絵が上手すぎてビックリするものの、マンガとしてはこれまたビックリするくらい読みにくいです。

普通のマンガは流れるようにスラスラ読めますが、キングダムカムはスラスラ読む事を脳が拒否してきます。
「マンガは記号で描くなんてホントかよ？」と思う人はキングダムカムを読んでみると「こういう事か～」と実感できて面白いと思います。

アレックスロスは、このような写実的なマンガを描くために、まずモデルを雇ってきて、彼らにスーパーヒーローのコスプレをさせて写真を撮ってそれを模写して描くという、尋常じゃない手間をかけてマンガを制作してます。

「プロの漫画家は何も見ないでラクしてスラスラ絵を描いている」とか思い込んでた昔の私ですが、基本的に絵を描くのに魔法なんてありません。
アレックスロスが天才だろうが何だろうが、何も見ないでスラスラこんな激ウマ絵が描けるわきゃ無いのです。いや、ある程度は描けたとしても、資料を用意して描いた方がちゃんと上手く描けるに決まってるんだから、資料を用意しないのはむしろ手抜きだよね？みたいなのが絵が上手い人の思考です。

かつての私もそうですが、絵が下手な人ほど何故か何も見ないで描こうとするというか、何も見ないで描く事が偉いと誤解してたり…だからこそ上達しないのかもですが。
絵が上手い人はちゃんと資料を用意して模写するなど手間をかけてるからこそ上手く描けるのであって、むしろそうしていたからこそ上達したとも言えます。

私がこの事に気付いたのは、まどマギの二次創作マンガを描く時に、「手抜きしたろ」というつもりでまどマギアニメのスクショを撮って模写とかしてる内に、何故か絵が上達してしまった経験からです。

いくらマンガが記号で描けると言っても、ある程度は人体を描けないと結局は話にならないわけですが、それもちゃんと資料を見て描けばそれなりに描けますし、そうしている内にイヤでも絵は上達していくので、まあ「自分は絵が下手だからマンガ描くレベルまで辿り着けない…」とか悩んでる人も、マンガ描いてる内に勝手に上達するから気にする必要無いのでさっさと描き始めた方がアドですね。

ところで、アレックスロスみたいな面倒な描き方をしてたら時間がかかり過ぎるのでは？と思いませんか？
はい、実際にメッチャクチャ時間がかかってます。アレックスロスはビックリするくらい遅筆な事で有名らしいです。
あまりにも描くのが遅いので、アメコミの中身を描く仕事は回ってこなくなり、もっぱらカバーアートの仕事をしているそうです。
ですから、漫画家を目指してる人は、あんまアレックスロスみたいな人の真似はしない方が良さそうです。

なんかアレックスロスをディスッてるみたいに思われると困るのですが、そうではなくて日本のマンガとアメリカのアメコミでは文化の違いがあるから気を付けろ！という事が言いたいです。

日本のマンガ文化的にはどうかな？と言う感じでも、アメコミ文化においてはアレックスロスの手法は正解なのです。
スーパーヒーロー物のアメコミは、昔はそうでもなかったかもですが最近はやたらリアルに絵が描かれる傾向があります。

執拗に描き込みされてたり、ガッツリ黒ベタを入れて画面の密度を上げようとする傾向があります。
このような絵は、たしかにじっくり眺めるとメッチャカッコいいですが、マンガとしては普通に読みづらいです。
パッと見で何がどうなってるのか把握するのに時間がかかります。

読みづらいためか、日本のマンガではこういう表現はあまり見られないか、取り入れてるとしても見やすくなるように整理されています。

「遊戯王」の高橋和希先生の絵は、アメコミの影響を受けていますが、読みづらくならない範囲に抑えられています。

久正人先生はガッツリとアメコミ感があります↓

さて、どうしてアメコミ文化ではマンガとしての読みやすさよりも絵画的な上手さが優先されがちなのでしょうか？

一説には、最近はアメコミがコレクターアイテム化しているからという話があります。
印刷部数が限定されており、買うのはもっぱらアメコミマニアの人達で、時間が経つにつれてプレミア値が付きがちです。
つまり、いわゆる絵画、アートのような消費のされ方になってきていて、キッズが買うわけでも無いので、スラスラ読みやすければいいという形から、１コマずつをじっくり眺めて堪能する形に変わってきたと。

それに対して、日本ではマンガは大量に刷られて大人から子供まで広く読まれたりするものなので、アート的にどうこうというより誰でもスラスラ読みやすい事が重視されがちだったりします。

ちなみに、一概に全部のアメコミが非記号的というわけでもないです。
アメリカのマンガでも、”カートゥーン”と呼ばれるジャンルでは、逆に思いっきり記号的な絵が描かれています。

例えばカートゥーンネットワークのアニメのキャラとかはこんな感じです↓

ディズニーにもカートゥーンアニメがあります。

「これらはアニメ作品で、マンガじゃねえじゃん？」と思われるかもしれません。
まあ、マンガなら、例えばスヌーピーが出てくるピーナッツとかあります。

カートゥーンのマンガはスラスラ読みやすいですね。
というわけで、アメリカのマンガは写実的なアメコミとか記号的なカートゥーンとかがあって、ジャンルによるという話でした。

ところで、マンガは記号で描くべきか、リアルに描くべきか？という話はスコットマクラウド氏の「マンガ学」でも似たような話が出てきます。

スコット氏が言ってる事を私の言い方で言うと、カートゥーンのような記号的な絵のマンガなら、まるでキャラクターがアニメーションしてるみたいにコマからコマへの移行がスムーズに補間されて読める（この現象をスコット氏は”閉合”と呼んでる）けど、リアルな絵になると、それはただ絵が並んでるだけに感じて、スムーズな補間が起きなくなるという話です。

ただし、スコット氏はカートゥーン的な絵でも写実的な絵でも、その選択は好みの問題に過ぎないとしています。リアルな絵は、スムーズに読めなくなる分、時間をかけて絵を眺めてくれるというメリットもあるとしています。

ついでなので「マンガ学」から別のページも引用してみます。

マンガの作画担当になりたいアーティー君と、原作担当になりたいリタさんの話です。
最初はまだアーティー君はカートゥーンしか描けないし、リタさんもシンプルな文章表現しか描けない状態だったので、二人はそれぞれ腕を磨くために修行に出ます。
アーティー君は西洋絵画を学んで、超リアルな絵が描けるようになりましたし、リタさんは文学を学んでメッチャ凝った文章表現が書けるようになりました。
さあ、再び二人でタッグを組もう！と思ったら、リアルな絵は一番右脳を使う表現ですし、凝った文章は一番左脳を使う表現です。この組み合わせって最悪じゃん！
これなら修行する前の方がマシだった！という皮肉なオナハシでした。

さて、このオハナシを裏付けるような例があります。
森岡正博さんが下書きまで描いて、寺田にゃんこふさんが作画された、「まんが哲学入門」という本があります。

これはマンガで哲学を解説するというよくありそうな本なのですが、そのマンガの絵がかなり高度に記号的というか抽象的な絵が描かれています。

下手すると手抜きに見えてしまうかもしれませんが、実はこの本の後書きで、「最初はちゃんとした漫画家の方に普通のマンガっぽく作画してもらっていた」と書かれています。
しかし、なにしろ話の内容が哲学という高度に抽象的で論理的な内容なせいか、むしろ絵がジャマで話が追いづらくなるという問題が発生したそうです。
それで試行錯誤した結果、著者が自ら描いた、相当記号っぽい絵をそのまま清書してもらったそうです。こうする事で話の内容がスッと頭に入って読みやすくなりました。

マンガ学でも、主人公であり作者役であるキャラを、リアルでなくカートゥーンっぽくシンプルに描いている理由が語られてます。

スコット氏によれば、シンプルな絵柄のキャラは、誰の顔でも有り得ますから、読者はそのキャラを自分と同一化してしまうそうです。
だから、そのキャラは読者自身ですから、読んでいて気が散らないそうです。
これがもし、リアルな絵柄で描かれていたら、それはあまりにも”他人すぎる”から、絵に意識が行き過ぎて、喋ってる話が頭に入ってこなくなるらしいです。

そういうわけですから、マンガというのは見るものというより読むものですから、見るのは右脳の働きですが、読むのは左脳の働きですから、写実的な絵よりも、カートゥーン的な、記号的な絵のマンガの方がスムーズに読みやすいという説は割と裏付けられたかと思います。

しかし、アレックスロスみたいな作家もいたり、スコット氏も言っているように、別に写実的な絵でマンガを描く事が悪いわけではありません。それは好みの問題なのです。

このセクションの最初の論点に戻りますが、結局何が言いたかったかと言うと、マンガを描くにあたって”絵画的な意味で絵が上手くない”みたいな事に悩むのは無意味だという事です。
それなら、記号の絵でマンガを描けばいいだけです。（とはいえ、イラストを描く場合は絵が上手くないのは問題になるかもしれない）
そして、むしろ写実的な絵よりも記号的な絵の方がスムーズに読めて嬉しいというアドバンテージさえある事が分かりました。

今の私にしてみれば、タイムマシンで昔の悩んでる自分の所に行って、この話をして、「だからウジウジ悩んでるヒマがあったらさっさとマンガ描けボケ」と言ってやりたいですね。

というわけで、”画力の問題でマンガ描くのを挫折しちゃう”という問題は、まあ画力を上達させるまでもなく、気の持ちようだけの問題だったという事で片付いたことにします。

マンガを描かないという選択肢

画力の問題の次は、いよいよ”漫画を描く労力が大変すぎる”問題にとりかかります。

この問題を一番簡単に解決する方法は、マンガを描かない事です。

何言ってんだ？と思うかもしれませんが、世の中には、「マンガを描くぞ！」と口では言ってるけどいつまで経っても実際にはマンガを描かないワナビーの人達がいます。

ぶっちゃけ、”マンガを描きたいけど描かない”というのは合理的な選択です。
マンガを実際に描くのは命削られるほどつらい作業ですが、マンガを描かないで頭の中でアレコレ想像を膨らますだけにしとくのが実は一番たのしいという説があります。

脳内で無限に空想を膨らますのにはまったく労力がかからないのに対して、その空想を現実にアウトプットしようとした途端、死ぬほど手間がかかります。マンガに限らず、ゲームなどでも同様です。

ですから、「死ぬほど苦しんでマンガを描く」か、「空想だけしてマンガを描かない」という二択しかないなら、描かない事を選ぶのが合理的では無いでしょうか？

第三の選択肢

しかし、私は、よくよく考えると必ずしもこの究極の二択に囚われる必要はねえんじゃね？という事に気付きました。

そこで、第三の選択肢が登場します。

「あんまり苦しまないでマンガを描く」です。

「そんな事ができるんだったら誰も苦労しねえだろ！」と思われたかもしれませんが、これには一つのトリックがあります。

「マンガを描くと言っても普通のマンガを普通の方法で描くとは言ってない」という事です。

普通のマンガを普通の方法で描こうとして、今まで挫折してきたんだから、できない事はできないと割り切って、普通じゃないマンガを普通じゃない方法で描いてもいいんじゃないでしょうか？

というわけで、ここでマンガを描き続けられる自分になるための、究極の目標を一つだけ設定する事にします。

「マンガを描き続ける」

「マンガを描き続ける」という目標が達成できればマンガを描き続けられる自分になれます。そりゃあそうだ。

「マンガを描き続ける」という目標を達成するために、一旦、他の全ては諦める事にします。他を全部諦めても、この目標さえ達成できればとにかくマンガを描き続ける事ができるからです。

たとえば、”クオリティ”とかも目標達成のためなら一旦諦めます。別にプロのマンガでは無くて、趣味で描くだけなのですから、クオリティに難があってもとりあえずは構わないでしょう。
クオリティにこだわったせいでマンガに挫折するよりは、クオリティを捨ててマンガを描けるようになるなら、一旦はそっちで良くないですか？

というわけで、マンガを描く事を達成するために、全てに優先する究極の目標「マンガを描き続ける」を設定して、そこから逆算してマンガ制作をイチから考え直してみましょう。

マンガ制作を効率化して、生産性を爆上げする

さて、究極目標達成の最大の障害になっているのは、目下のところ、「マンガを描くのに手間がかかりすぎる」という問題です。

この問題を潰せば目標に一気に近づけるでしょう。

というわけで、マンガを描く手間を減らす必要があります。
いわゆる、”効率化”です。

効率化というと、クオリティを維持できる範囲で手間を減らすという話かと思いますが、それだとちょっとしか手間を減らせないでしょうから、クオリティさえ維持しません。つまり、言ってしまえば手抜きです。

考えてみると、プロの漫画家は作画作業のためにアシスタントを雇ってます。
例えば３人アシスタントを雇ってたら、合計４人分のリソースでマンガを描けます。

それに対して、私は趣味でマンガを描くだけですから、アシスタントなんて雇えません。
１人分のリソースしか無いので、普通に考えると１日が96時間無いとプロには追い付けないって事になります。
つまりこの時点で４倍の効率化が必要になりますね。

それから、プロのマンガはマンガ自体で稼げるのに対して、私が趣味でマンガを描くのはお金になりませんから、プロ漫画家と違ってマンガだけを描いている訳には行きません。
睡眠時間を削るのも正直しんどいですから、プロ漫画家に比べて1/5くらいの時間しか漫画を描くのに割けないかもしれません。
そうすると、これまた5倍の効率化が必要になります。さきほどの4倍と掛け合わせると、合わせて20倍の効率化が要求されます。

しかし、いくらなんでも20倍も効率化できねえだろという気がします。
プロの漫画家と同じペースでマンガを描くという前提がそもそもキツいので、プロの半分のペースで良しとする事にします。それなら10倍の効率化で済みます。

というわけで、普通にマンガを描く手間から10倍に効率化する事を目指せば、私でも何とかマンガを描く事が可能になるかもしれません。

デジタルでマンガを描く

一般的な話として、紙にアナログでマンガを描くよりも、デジタルでマンガを描く方が効率化できると言われています。

どれくらい効率化できるのか？と言うと、まあ適当ですが2倍くらいでしょうか。
さらに、カラーで描く場合は、アナログのカラーとデジタルのカラーではさらに1.5倍くらい効率が違いそうです。
合わせると、3倍の効率化ができるという事にしましょう。

私は以前からマンガはデジタルで描いていたので、すでに３倍界王拳を使っていた状態みたいな感じです。

ところで、アナログで描かれたマンガは、付けペン特有のタッチがマンガらしくてカッコいいと昔の私は憧れていました。
それで、付けペンでマンガを描こうとしては、手間がかかったり失敗したりして挫折したりしてました。
「できないもんはできない」の精神でこだわりはさっさと捨てましょう。

あと、最近はスマホの小さい画面で絵を見られる事が多いので、小さい画面では細かいペンタッチのこだわりとか良く見えなくて映えなかったりします。スマホ画面ではカッコいいけど白黒のアナログ絵よりもカラーのデジタル絵の方がウケが良かったりするかもしれません。

それから、デジタル作画は紙と違って拡大縮小が自在です。
小さい紙の上で細かい作画作業をするのは加齢で老眼とかになってくるとキビしくなります。デジタル作画は老眼対策にも有効です。

サステナブルなマンガ制作を考える

マンガの絵は（イラストとかに比べて）手を抜いた方がアドです。理由はいくつかあります。

先ほども書きましたが、20ページのマンガだと100体くらいキャラクターを描くハメになります。
最初の１体を、メチャメチャ頑張って描いたとしても、あと99体描かなきゃいけません。
これはウンザリします。
マンガは記号で描けという話がありましたが、キャラを絵として描くとしんどくなってきます。
記号として、文字を書くのと同じノリで描けば、いくらか気楽です。文字なら100回書いても大してしんどくありません。
手書きで文章を書く時に、必ずしもすべての文字をお手本を見ながら完璧に清書しなくても、とにかく読めさえすればそれでいいですよね？

マンガの絵に対して、ハードルを思いっ切り下げておきましょう。
ぶっちゃけ、10回のうち、9回はしくじっても、100回描けば10回は良く描けた絵が見せられる事になるわけですから、十分じゃないですか？

そうは言っても、キメのコマとかはやっぱりカッコよく描く必要があるでしょう。

例えば、こち亀では、最初の扉絵だけやたら気合が入った風景が描かれてたりします。

扉絵にはフキダシがありませんから、読者がじっくり眺めてくれる事が期待できます。

そして、最後のページのオチのコマも派手だったりしますよね。
人間、一番印象に残るのは最初と最後ですから、逆にそこだけしっかり描いておけば、あたかも全体が凝って描かれていたかのような印象が植え付けられます。（こち亀の中身がしっかりしてないという意味では無い）

それに、読者はマンガを読み始めて没入してしまうと、よっぽど下手くそとかでない限り、一つ一つの絵が上手いとか下手とかあんまり気にしません。そういう事にしておきましょう。

というわけで、マンガの絵でしくじっても、むしろそれが普通！と開き直れば、作画作業をさらに1.5倍くらい効率化が期待できそうです。

それから、マンガの絵柄についても、その絵柄ってサステナブル（ずっと続けていける）なんだっけ？という点も考えた方がいいでしょう。

たとえば、やなせたかし先生は、94歳で亡くなる直前まで現役で作品を制作されていました。

それは、歳を取ってからも問題なく描ける絵柄を選択されていたから可能だったという面もあるでしょう。（やなせ先生はアンパンマンを描いた時点ですでに69歳という結構高齢でした）

逆に、若い時の有り余る体力の勢いで、睡眠時間を削って限界ギリギリまで緻密で手間がかかる絵柄を選んでしまうと、年齢を重ねて体力が衰えていくにつれて、同じクオリティで作画していく事が不可能になっていきます。

会社員をしながら趣味で同人誌を描いたり小説を書かれてりしている方々がいますが、彼らはなんで忙しく働きながらマンガとか書く暇があるんだろう？というと、大抵はそれは魔法でも何でもなくて、単に睡眠時間を削って作業してたりします。

そういう無茶なやり方は、まあ20代のあいだだけにしておくべきです。
歳を食ってからも無茶をやってると、体がキツくなってきますし、そして「キツいッス」という身体からのメッセージを無視して、根性だけで無茶を続けてたとしても、最終的には身体をぶっ壊したり、命が危なくなってきます。

加齢のせいでキツくなってきた時は、無理をせずに描ける方法を模索するべきでしょう。
ですが、ベストなのは、”最初から無理なく描ける絵柄にしておく”事です。加齢で体力や視力が落ちる事まで計算に入れて、サステナブルな絵柄にしておくのがよいでしょう。

どうしてかと言うと、体力の低下に合わせて絵柄の手間を落としたりしていくと、読者は「あの漫画家、最近手抜きだな～」とか「劣化しちゃったな～」とか好き勝手言う人もでてきます。
「いや、手抜きじゃねえよ！もう今の自分だと限界まで頑張ってもこれしか無理なんだよ！」と言っても読者全員が納得するとは限りません。

「機動戦士ガンダム　サンダーボルト」を描かれている太田垣康男先生は、細密な絵柄を得意とされてました。

しかし、利き手の腱鞘炎が悪化した事で、もはやこれまでのような絵柄を維持できなくなり、絵柄の変更を余儀なくされました。

太田先生は、「プロスポーツ選手と同様に、漫画家も肉体を酷使する仕事です。いつまでも若いころと同じ様には体は動いてくれません」と心情を語られています。

太田先生は絵柄の変更を謝罪されてますが、もしも最初から変更後の絵柄で描いていたとしても、別に誰も気にしなかったし、腱鞘炎も悪化しなかったのではないでしょうか？
以前と比べて相対的に見映えが落ちてしまうという事が問題なのです。

太田先生に起きた腱鞘炎は、自動車事故のようにたまたま起きた不幸な事故…ではありません。手間がかかる絵柄で無理しながらマンガを描いていると、むしろいつかは必ず訪れる必然…とさえ言えるかもしれません。

ですから最初からマンガの絵は手を抜いておく…というか、サステナブルな絵柄にしておく事で、水木先生ややなせ先生のように、生涯現役でマンガを描き続ける事が可能になるのです。

どうして肉体の限界まで酷使しないと描けないような絵柄で描く漫画家が多いんだろう？というと、これは想像ですが、漫画家はデビュー前に漫画家志望者同士でデビューを巡って競争する形になるかと思いますが、その時に「自分は他人よりすごい絵が描けます！」ってアピールするためにむやみにクオリティを上げようとしてしまうのかもしれません。

野球選手とかのプロスポーツ選手は割と選手生命が短くて、大体30歳くらいで現役引退になります。

太田先生が仰られてるように、漫画家もプロスポーツ同様、肉体を酷使する仕事です。
しかし、どれくらいつらいかは、その人が選んだ絵柄とか次第…でもあります。
サステナブルなマンガ制作を行い、作画の手間をコントロールすれば、生涯現役も可能になります。

こういう言い方をすると物議をかもしそうですが、マンガの絵にメッチャ手間をかけても、具体的になにかアドバンテージがあるのでしょうか？

ぶっちゃけた話、マンガの絵に手間をかけるほどマンガが売れるのか？というと、そうでもありません。

世の中、あんまり描くのに手間がかかってなさそうな絵柄でも爆売れしてるマンガは一杯あります。逆に、メッチャ上手くて緻密な絵柄なのに全然売れてないマンガも多分一杯あります。

マンガの原稿料だって、メッチャ緻密に手間をかけてるマンガでも、全然手間をかけてなさそうな、なんなら下書きのまんま掲載されたようなマンガでも、もらえる原稿料は大差ありません。

たとえば、会社に就職する時に、１日3時間労働の会社と、12時間労働の会社があって、どちらも給料が変わらないとしたら、どちらに就職しますか？
マンガの絵柄の選択もそれと同じような感じがあります。

もうちょっと踏み込みますが、マンガの作画に手間をかけすぎると、むしろディスアドバンテージもあるかもしれない話です。

マンガの制作と言うのは、作画のアウトプットも重要ですが、それと同じくらい、取材などのインプットも重要です。
インプットと言うのは、例えば他人のマンガを読んだり、映画を観たり小説を読んだりして、自分のマンガに活用できるネタを増やす作業です。
インプットを増やせば面白いマンガが描けるようになります。

で、作画の作業に手間がかかり過ぎるようになると、インプットに充てられるはずだった時間まで圧迫され始めて、アウトプットだけで一杯いっぱいで、まったくインプットができなくなったりします。
一般的な話として、インプットができないとマンガを面白く描けなくなりがちです。

これは偏見だと思いますが、絵がメッチャ凄くて手間がかかってるマンガはどちらかというと話が面白くないケースが多い…かもしれない…気がする…のはそれが原因かもしれません。

さらに過激な事を言わせてもらうと、一旦マンガを読み始めると、そのマンガの絵が上手いとか下手とか緻密だとか雑だとかは全く気にならなくなる気がします。
何故なら、マンガを読み始めるとその作品世界に没入して、マンガの絵を絵画的な絵として眺めずに、そこから記号だけを拾って読むからです。
マンガの絵柄と売り上げに相関が無さそうなのは、その辺に要因がある気がします。

そうは言っても、例えばなんか面白そうなマンガを買いに本屋に来た人は、中身を読む事はできませんから、表紙だけを見て選ぶハメになります。
その場合は、絵画的に表紙を眺めて選ぶので、絵がスゴイほど有利になるかもしれません。

ちなみに、私はゲームについても全く同じ理論を考えています。
ゲームも、遊び始めるとゲームメカニクスに気を取られて、グラフィックスがすごいとかすごくないとかはすぐにどうでも良くなります。
とは言え、ユーザーはゲームを買う前はそのゲームを遊べないので、プロモムービーだけ見て買うかどうか判断しなきゃですから、つまりゲームのすごいグラというのは単に宣伝のためだけに必要になる説です。

というわけで、このセクションでは、マンガを描く時にサステナブルな絵柄を選べばアドバンテージが一杯あるという話でした。
無論、サステナブルな絵柄にすることで、手間がかかる絵柄と比べるとマンガ制作作業は大幅に手間が省けて効率化できます。

ちなみに、この記事ではしつこく言ってますが、サステナブルな絵柄というのは必ずしも「ザツに描け！」という意味ではありません。むしろ「記号を駆使して描け！文字だと思って描け！」という事です。
”女性を美しく描く”よりも、”美人の記号”を描く方が、読者の脳みそにダイレクトに美人の概念を伝えることが出来て、コスパが優れています。

UnrealEngine5を使ってマンガを描く

さて、新マンガの技術的な内容に話が移っていきます。
マンガ制作作業を劇的に効率化するためには、3DCGを導入するしかないと、私は前々から感じていました。

現在では、プロの漫画家でも3DCGを活用している人は多いです。

例えば、「攻殻機動隊」を描かれた士郎正宗先生は、W・TAILS CATなどの作品では背景に3DCGを使ってます。

士郎正宗先生はかなり早い時期からCGを使ってますし、なんなら手描きの頃からCGみたいな絵を描かれたりされてたので、省力化のためにCGを使ってるというよりは、好きだからとか、自分の作風に合うから積極的にCGを使ってるとかかもしれません。

「GANTZ」の奥浩哉先生は、背景だけ3DCGを活用されてます。

成年向け漫画を描かれている、三条友美先生は、「家畜人ヤプー」のマンガで、背景もキャラクターも、全面的にCGを使われてます。

https://book.dmm.co.jp/detail/b390bleed01915/?i3_ref=list&i3_ord=8&dmmref=gTop_List

木多康昭先生の「喧嘩稼業」では、キャラは3DCGに加筆する形で描かれてるらしいです。

同人作家のなかにさんは、マイホームデザイナーというソフトウェアを使って漫画背景用の3Dモデルをサクッと作って作品に活用されてます。

さて、プロの漫画家が3DCGを導入するのは何故でしょうか？

それはやっぱり、基本的には省力化のためです。

マンガにはキャラクター以外に、どうしても背景も描かなくてはいけません。
背景がないと、キャラがいる場所がどこなのか分からないからです。
「ト書きで説明すればいんじゃね？」と思うかもしれませんが、ト書きで「新宿に来た」って描いてるのに背景が真っ白だと、読者は信じてくれません。

というわけで背景を描くハメになりますが、状況説明のためだけに必要な割に、背景を描くのってクッソ大変です。
背景は頑張ってちゃんと描いても読者は大して見てくれないにもかかわらず、テキトーに間違えて描くと「背景がおかしいぞ！」というのが一瞬でバレてしまいます。

ですから、透視図法とかを駆使して定規で補助線を引き倒して、メッチャメチャ手間をかけて描くハメになります。
読者は「自分はこんなの絶対描けないけど、プロはサラサラ描けるんでしょ？」とか思いがちですが、マンガ制作に魔法はありません。単に死ぬほど苦労して描いてます。

マンガの背景を描くのがどんだけしんどいか、もはや言葉では説明できないくらいです。というか、キャラを描くより全然大変です。そもそもキャラより背景の方が描かないといけない面積が広いですし。
背景を描くにはパース（透視図法）の技術が必要になりますが、私が読んだパースの本はこの２冊です。

例えば20ページのマンガに100個のコマがあるとすると、普通に考えると背景を100回描くハメになります。
ヴォエ！想像しただけでしんどすぎて吐きそう…！
まあ、実際には全部のコマに背景を描き込んでもむしろ見づらいのでそこまではしません。キャラがどこにいるのか示すときなど、必要なコマだけ背景が描かれます。スティールボールランを見てみると、大体、平均で１ページ辺り２コマくらい背景が描かれているようです。20ページなら40回背景を描くハメになります。

ドラえもんのマンガの背景は、カメラアングルがほぼ固定されていて、描き込みも最小限なので、まあかろうじてサクサク描けなくもない感じです。

しかし、最近の少年漫画、例えばジョジョなんかだと、カメラアングルはダイナミックに動きますし、そしてキャラクターがリアルで緻密に描かれている場合は、そのキャラクターに合うように背景もリアルに緻密に描くハメになりますから、地獄は加速します。

このように、緻密でリアルな背景が求められるようになった結果、もはやイチイチ手描きで描いていられる限界を超えて、「だったら3DCG使えばいくらでもリアルで正確な背景描けるわい！」となってCGを駆使する漫画家が増えたという事もあるでしょう。

背景を描くのがあまりにも大変すぎるため、同人誌などでは一切背景を描かないで切り抜けているケースもよく見かけます。

また、マンガは自分の世界観で描いてしまえますから、工夫次第で背景を描かないで済ませる事もできます。
例えば、鳥山明先生はドラゴンボールで「精神と時の部屋」という、何もない世界を用意する事で背景を描かずに済ませました。

また、ドラゴンボールではバトルの時に、作画カロリーの高い街の建物とかは敵が「邪魔だ」とか言って吹き飛ばしたりしがちです。

そうまでしなくてはいけないほどに、背景の作画はしんどいという事です。

そんなしんどすぎる背景作画ですが、3DCGを使えばイチイチ手で描かなくて済みます！
最高だ！是非私も取り入れたいですね。

3DCG背景はベストではないかもしれないがベター

さて、地獄の背景作画を省力化してくれる、まさに魔法のような3DCGですが、必ずしも最高の方法だとは限りません。

マンガを読む読者の立場に立ってみると、CGを使った背景は、手描き背景と比べてなんかどうしても劣るというか、違和感を感じるような気がします。

士郎正宗先生も、正直に言ってしまうとCG背景より「攻殻機動隊」や「アップルシード」の頃の手描き背景の方が好きでした。

ですから、自分がマンガを描くにあたっても、できればCGじゃなく手描きで描きたい…かつてはそう思ってました。

しかし、そもそも私は手描きだとロクな背景が描けません！ですからぶっちゃけCGに移行しても何も損は無いでしょう。
それに、背景を描くのが大変すぎてマンガを描くのに挫折してきた面もあったと思います。

CG背景は必ずしもベストな選択肢ではないかもしれませんが、手描きで背景を描くのがしんど過ぎてマンガ自体を挫折するくらいなら、CG背景でもマンガを描ける方がよっぽどマシではないでしょうか。

背景はCGだとして、キャラはCGにすべきか、手描きにすべきか？

さて、先述したように、私は「マンガを描き続ける」という唯一にして究極の目標を設定しました。

どういうスタイルでマンガを描くか？という事すら、この究極目標から逆算して選択するべきです。

例に挙げたCGを使用している漫画家の方々も、色々なスタイルに分かれてます。
まず大きなところで、白黒で描いてるか、カラーで描いてるか？という違いがあります。
それから、背景だけCGの場合と、背景もキャラも全てがCGの場合があります。

さて、新マンガは白黒で描くか、カラーで描くか、どっちにしよう？
結果から言うと、カラーで描く事にしました。これは、CG背景の都合です。

詳しくは後述しますが、白黒のマンガ向けのCG背景は、素材があまり多くなく、マンガの全てのシーンを賄えそうになかったです。
それよりは、カラーのマンガ向け…というよりはゲームエンジン向けの3DCG素材は、最近ではかなり潤沢になりましたから、大抵のシーンは賄えそうです。
というわけで、新マンガはカラーで描く事にしました。

カラーのマンガって白黒マンガより手間がかかるんじゃないの？と思うかもしれませんが、まあ一般的にはそうなんですが、必ずしもそうでもない可能性もあります。

例えば、沢山のキャラクターが登場する漫画の場合、白黒のマンガだとよっぽど顔や髪形などの特徴を描き分けないと、誰が誰だか見分けが付かなくなりがちです。
それに対して、カラーなら全員同じ顔でも髪の色が違えばパッと見でキャラが判別できたりします。
つまり、白黒マンガは線とベタだけで説明しなければならないのに対して、カラーなら色を使って説明ができますから、画力に自信が無かったり、描き分けが難しいようなシンプルな絵柄の場合はむしろカラーの方が手間が省けたりします。

というわけでカラーに決まりましたが、キャラクターはCGにすべきか、手描きにすべきかという選択があります。

結果から言うと、とりあえず手描きにしました。この選択は、どういう絵柄で描くかによるかと思います。

カートゥーン的なシンプルな絵柄の場合、ぶっちゃけCGよりも手描きの方が手っ取り早いです。
それに対して、リアルで緻密な絵柄の場合は、手描きだと描くのに手間がかかり過ぎるので、3DCGを使う方が省力化できる事になります。

キャラにもCGを使用している三条友美先生の場合はかなりリアルな絵柄のキャラですから、CGを使ってます。

それに、CGのキャラはカートゥーン的な誇張した表情を表現するのが苦手です。
いや、メッチャ頑張ればできなくは無いでしょう。最近のCGアニメはマンガっぽい表情をしてるケースもあります。

例えばハイスコアガールはCGアニメですがあまり違和感を感じず、マンガっぽい表情も表現できています。

しかし、こういう表現力豊かな3Dモデルはそもそも作るのがクッソ大変です。
アニメなら作画枚数が膨大なので、例えば数カ月かけて3Dモデルを作成するコストも正当化されるでしょう。

しかし、マンガだとキャラごとにそんな手間かけてモデル作成するよりもう手描きで描いちゃった方が早かったりするでしょう。

仮に、素晴らしい表現力の3Dモデルが用意できたとしても、１コマごとにパラメータを調整して表情を作り込んでいく作業は実はかなり手間です。「もう手で描いちゃった方がはぇ～よ」となりがちです。

というわけで、キャラを3DCGで描くか、手描きで描くかについては、絵柄次第という事になりますが、私はあんまりリアルというよりは記号っぽい絵柄を描く気がするので、3DCGよりも手で描いた方が早そうですから、とりあえず手描きを選択します。

ただし、マンガを長く描き続けていくと、３Dモデルの制作コストより描く手間の方が上回るかもしれません。
ちょっと考えてるのは、あんまり表情とか弄れないようなシンプルな3Dモデルをサクッと作って、引きの絵でキャラの立ってる位置さえ分かればいい程度のコマでは使っていくみたいなのはアリかもしれません。

例えば少女終末旅行のアニメでは、引きの絵の時だけはケッテンクラートに乗るチトとユーリは3DCGで描かれてます。

このCGのチトとユーリには表情モーフとか付いて無さそうです。

背景を描くのにCGに頼っていいのか？

ところでマンガの背景って本当にCG使っていいんでしょうか？
「CGなんてズルだ！」と思う人がいるかもですが、私に言わせればマンガ描くのは大変すぎるんだからできるズルがあるなら全部やりたいよという感じですが。

「ちゃんと自分で背景を描かないとマンガは損なわれる」のでしょうか？
私は必ずしもそうだとは思いません。

そもそも、商業連載のマンガでは、背景は大抵アシスタントの方々が全部描いており、漫画家はキャラだけ描いてるのが普通です。
これはズルくないんですか？
もちろんズルくありません。これは手抜きではありません。週刊連載では、漫画家はキャラを描くだけでも死ぬほど大変です。これに加えて背景なんて描いてるヒマがあるわけ無いです。

尾田栄一郎先生モデルのキャラ「背景の練習なんて時間のムダ。プロになったら自分で描かない」

それに、マンガを読んでる読者だって、別に背景を描いたのが誰だろうが気にしてません。

もしも背景がマンガの本質だとしたら、むしろ漫画家が背景を描いて、アシスタントがキャラの方を描いているマンガがあったっておかしくないはずですが、あまりそういうマンガは見かけませんね。

マンガの背景はどうでもいいと言っているわけでは無いです。背景はマンガには欠かせません。
背景を上手く描ける人の需要は、マンガでもアニメでもゲームでも山ほどあるでしょうから、背景を描ける人は一生食いっぱぐれなそうです。

ところでジョジョのマンガは背景もキャラと同じようなタッチで描かれてるので、ひょっとして荒木先生が全部描いてるのか？とか思ってましたが、やっぱりアシスタントの方にそれっぽいタッチで描いてもらってるようです。

私はアシスタントの方に背景を描いてもらってるプロ漫画家をズルいとは思いませんが、羨ましいとは思います。

何故なら、趣味でマンガを描きたいだけなのに、キャラだけ描いてるプロ漫画家よりも苦労して自分で背景もどうにかしないといけないからです。
そりゃあ、CGくらい使わせてくれよ…と言いたいですね。

余談ですが、アシスタントの方はどんな風にマンガの背景を描いてるんでしょうか？

普通に考えると、背景を描いてからキャラを置く形で描くような気がしますが、実際には大抵キャラを描いた後に無理やりでも辻褄を合わせて背景を描くケースが一般的なようです。

というのも、マンガのコマの中はたしかに三次元空間的に絵が描かれるものの、実際には画面上の平面的な二次元の構図が重視されるからです。

例えばこういうコマです↓

キャラが二人いて会話をさせようと思ったら、画面上で右からフキダシ→キャラ→フキダシ→キャラという風に並べないと、読みづらくなります。

それで、漫画家が描いたこのコマに、アシスタントの方が何とか辻褄が合うように背景を付けます。
そもそも、この絵ってどこにアイレベル（水平線）があるんだよ？

アイレベルはここになります↓

何故そう言い切れるかと言うと、横線を引いた時にその線が二人の同じ位置を通る場合、その水平線は辻褄が合います。（二人が坂道を歩いてたりすると、アイレベルは変わるかも）
この場合、水平線が二人の腰の位置を通ってるので、辻褄があってます。
アシスタントの方はこんな風に色んなテクを駆使して逆算して背景を描くという困難な作業を強いられます。

背景と言えば、水木しげる先生はマンガの背景が緻密というか、細密画レベルな事で有名です。

水木しげる先生のメチャクチャ凄い背景も、やっぱり水木先生ではなくてアシスタントの方が描かれてます。

というか、私も「水木しげる 魂の漫画展」の解説で知ったのですが、水木先生は単にアシスタントに背景を描かせるののさらに一歩先を行ってます。

水木先生は、近所の美術系の学生を集めてきて、写真を渡して緻密な背景イラストを描かせていました。そしてそれらをストックしておいて、マンガで必要になった時にコピーして貼り込んで使っていたそうです。
背景を使い回しまくってたという事です。

でもこれってズルですか？違いますね。
こうでもしなければ週刊連載とかであんな高いクオリティでマンガを描いていく事は不可能に決まってます。

水木先生は、ここまで効率化していたのに、それでも多忙な時期は家から一歩も出られず仕事に追われて、１日の内で休憩できるのは窓から数秒間外を眺める事だけだった…という日もあったそうです。

ところで、マンガの背景も全部漫画家が描いてるケースも中にはあります。

panpanya先生は、背景も込みで作風の内みたいな感じがしますし、本人が背景を描いてそうです。

石黒正数先生は、「それでも町は廻っている」で背景も全部自分で描いていたそうです。

漫画家の中には、別に好きでアシスタントに背景を任せてるんじゃなくて、本当なら全部自分で描きたい！けどそれだと間に合わないからしょうがなくやってるんだ…という方もいるかもしれません。

ちなみに私は背景は描きたくありません。背景が無いとマンガが成立しないから仕方なく何とかしようとしてるだけです。
アシスタントさんに任せられたり、CGに頼れるなら喜んでそうしたいです。

昔はちゃんとした漫画みたいにちゃんと背景描けるようにならなきゃ…とか頑張ろうとしてましたが、この歳になるとできない事はできないと割り切って、CG丸投げもやむなしでしょう。

マンガを描くのにテクノロジーに頼っていいのか？

マンガを描くのにテクノロジーに依存してしまうと、もはやそれ無しでは描けなくなるけど、それでいいのか？という懸念がある人もいるかもしれません。

例えば、デジタルでマンガを描くと、アナログで描けなくなるぞ！みたいな話です。
しかし、アナログでマンガが描けなくなって何が困るんでしょうか？一生デジタルでマンガを描けばいいだけの話です。

（ただし、最近は漫画家のアナログ画やマンガ原稿が美術品として高値で取引される傾向が始まりつつあるようなので、デジタル漫画だとそうはならないので、そういう意味ではアナログで描いてる作家にもアドがあるかも。美術館などで漫画家の企画展をやるとしても、手描きの生原稿とかがないとデジタルのコピーだとなんか寂しい）

背景をCGに頼ると、手描きで背景を描く力が付かないぞ！という話は、もう一生背景をCGに頼ると決めてしまえば何も問題ありません。

第一、それを言うならプロ漫画家だってアシスタントに背景任せたら背景描く力が付かないぞ！って話になるかと思いますが、漫画家にしてみれば、「いやもう背景は一生アシスタントさんに任せるから問題無いよ」ってだけです。

というわけで、個人的には全面的にテクノロジーに頼るべきだと思ってます。

それに、テクノロジーに頼るほど、テクノロジーの進歩に乗っかれるというアドがあります。
後述しますが、背景CG作成にはUnrealEngine5を使う事にしたのですが、UnrealEngineはグラフィックス機能がどんどん進歩していってます。

つまり、私のマンガの背景も、UnrealEnginenの進歩とともに、私が何もしなくても勝手にクオリティが上がっていく事が期待できます。

背景CG作成には、どのソフトウェアを使うべきか

私は以前からマンガの背景にCGを使う事を考えていました。

私がマンガを描くのに使ってるソフトは、クリップスタジオペイント（クリペ）です。
そもそもクリペには3D機能があって、3Dモデルを読み込んで表示する事が可能です。
そしてクリペはコミスタの3D素材も読み込めます。コミスタの3D素材は白黒マンガで使用する想定なので、モデルにカラーテクスチャが付いてません。クリペの3D素材はカラーイラストにも使えるように、カラーのテクスチャが付いてます。

まあ、ありがたい機能なのですが、ちょっと問題があって、ソフトに付属している背景の種類がイマイチ少ないです。

大体、背景用の3Dモデルはこれくらいしかありません↓

素材がある背景ならそれを使えば良さそうですが、素材に無い背景はどうしますか？

以下の２択が考えられます。
①3D素材が無い背景は、しょうがないので手描きで描く
②3D素材が無い背景は、3Dモデルを自作する

②については、3Dモデルを自作するのは、実は高度が技術が要求されて、しかも手間もかなりかかります。むしろ手描きで背景描くより手間がかかるかもしれません。ですので極力避けたいです。
①については、たしかに素材で賄いきれない背景は、そりゃ手描きで描くしか無いんですが、それにしたって3D素材の種類が少ないので、結局ほとんどの背景を手描きで描くハメになりそうで、だったらあんまり3DCG導入の意味が薄そうです。

クリペのカラーの3D素材以外に、コミスタの白黒の3D素材もあります。
コミスタの3D素材の種類は、クリペに比べたら確かに充実しています。しかし、それでもたかが知れてます。
ちなみに、セルシスはコミスタ用の3D素材の追加パックを販売してましたが、すでに販売終了しており、Amazonでは5万円のプレミア価格が付いてます。

実は、セルシスはその後、コミケでClip Premium DVDというDVDを無料配布しましたが、その中にこの3Dデータコレクションのコンプリート版が同梱されていたという爆アド事件がありました。

私はそのDVDをヤフオクかなにかで手に入れました。無料配布でバラ撒かれてたものですから、ヤフオクで1000円くらいで出回ってます。

さておき、この3Dデータコレクションを手に入れたとしても、それでもやっぱり背景素材は足りません。私はもはや一切手描きで背景は描きたくないですし、3Dモデリングも面倒くさいので、素材が足りないのは困ります。

そんな風にしばらく困ってましたが、一方で私はゲームエンジンのUnityを触ってゲーム関係で何やかんややってました。

そこで気付いたのですが、なんかUnityのアセットストアで売ってる3Dモデル素材がやたらめったら充実してきてるなあという事です。
昔はロクなモデルを探す方が大変でしたが、世界中のアセット作者が凄い勢いでアセットを量産した結果、年々3D素材が充実していき、最近ではほとんど網羅的と言っていいくらい何でもあります。

アセットストアの3Dモデルは、本来はゲームを作るための素材ですが、私が思うにむしろゲーム用途には使いづらい印象があります。色んな風景の3Dモデルがバラバラに売ってますが、アセット作者によってテイストやクオリティにバラツキがあるので、一つのゲームにまとめた時に違和感が出そうだったりします。そもそもバラバラの3D素材を一つにまとめる事自体結構大変です。

私はむしろこれらの3Dアセットを、ゲームじゃ無くてマンガに使えば便利なのでは？と思い始めました。Unityを使ってマンガの背景をレンダリングするというアイデアです。マンガの背景ならそれぞれの3D背景アセットが一つに繋がってなくてバラバラでも撮影セットが沢山あるというだけなので特に困りません。

Unityと同じようなゲームエンジンとして、UnrealEngine4があって、Unityより簡単に綺麗なグラフィックスがレンダリング可能です。
また、UE4にもマーケットプレイスという素材ストアがあり、これまた高品質な3D素材が山ほど売ってます。

ゲーム用の3D素材って、低ポリゴンのカクカクなんじゃないの？と思うかもしれませんが、まあ一部のモバイル向けの素材はそういうのもありますが、基本的にはまるで実写みたいなリアルなアセットが多いです。

つまり、金さえ払って素材を買えば、大抵どんな背景でも用意できそうな気配になってきました。

マンガでアシスタントに背景を描いてもらうとどれくらいお金がかかるのか知りませんが、例えば１ページあたり5000円で背景アシスタントを募集してるツイートがありました↓

アシスタントが1ページで5千円かかるとして、UE4のマケプレでは例えばこちらのリアルな中世の背景3Dが7,592円です。

https://www.unrealengine.com/marketplace/ja/product/fantasy-and-medieval-artchitecture-kit

3D素材なら何回でも使えるから、ある意味安いかも…。

ところで、3Dレンダリングするんだったら、ゲームエンジンよりBlenderみたいな3Dソフトを使う方が綺麗にレンダリングできるんじゃないか？という意見もあるかもしれません。
たしかにそうですが、Blenderでのレンダリングは、”やたら時間がかかる”という弱点があります。マンガ制作では手間を減らすために3D背景を使いたい訳なので、待たされるのは困ります。（まあCyclesじゃなくてEeveeなら待たなくて済むけど、Eeveeだと結局ゲームエンジンと同等の絵だし）
その点、ゲームエンジンならリアルタイムレンダリングで、待ち時間ゼロでそれなりに綺麗な絵をレンダリングできるのでとても便利です。

ですが、ゲームエンジンにも弱点があります。
ゲームエンジンでは、綺麗な間接光などを表現するのにライトのベイクを行っています。ですから、ちょっとライティングを弄りたいな～とかやっちゃうと、ライトの再ベイクが必要になります。これがまた、かなり待たされます。
こうなると、リアルタイムレンダリングのメリットが潰されてしまいます。

Blenderもゲームエンジンも一長一短だな…とこれまた困ってしばらくこのアイデアも寝かせていました。

そうこうしてたら、今年、ついにUnrealEngine5のアーリーアクセス版がリリースされました！
UE5には、リアルタイムで間接光を表現できる、Lumenという新機能が追加されました！
つまり、もはやライトをベイクしなくても、美しい間接光が表現できて、Blenderで時間をかけてレンダリングするのと同じクオリティの画像がリアルタイムで描画できるようになったわけです！

たとえばこちらのツイートによると、2時間かけてVRAYでレンダリングした画像とほぼ同じような品質の画像がUE5でリアルタイムレンダリングできちゃってます↓

というわけで、UE5はマンガの背景CG作成にとってまさに神のようなソフトになりましたので、早速これを使ってマンガを描く事にしました。

マンガの背景に写実的なCGは合わないんじゃないか？

ところで、UE5で写真みたいに綺麗な背景がレンダリングできるようになったのはいいですが、そんな写真みたいな背景って、マンガには合わないんじゃないでしょうか？

しかし、私は必ずしもそんな事も無いかもしれないと思います。

例えば、アニメはキャラが描かれたセル画と背景とで全然タッチが違いますけど、別に見ていて気にしませんよね。

キャラがリアルなのに、背景がリアルじゃない、というパターンは見ていて違和感があると思いますが、その逆の、キャラがリアルじゃないのに、背景がリアルな分にはあんま問題が無い事が知られています。

たとえば「よつばと！」は背景の緻密さに比べるとキャラはデフォルメされていますが、別に読んでて違和感ありません。

https://natalie.mu/comic/gallery/news/23749/34595

先ほど紹介したpanpanya先生のマンガでも、背景がやたらめったら描き込まれていて黒々とした画面の中で、キャラはそもそもタッチが違って鉛筆でササッと描かれたシンプルなスタイルをしていますが、こうする事でキャラクターが浮き上がってるように引き立って見える効果があります。

水木先生の、緻密な背景の中にポンとシンプルなキャラが置かれるのも同様な効果がある気がします。

つまり、キャラと背景はチグハグでも構わない…むしろそれがいいケースがあるという事です。
マンガ学でもこれについて解説があります。

スコット氏は、「タンタンの冒険」なんかもキャラのシンプルさに対して背景がやたら緻密な点を指摘してます。
スコット氏の理論によれば、キャラをカートゥーン的にシンプルに描く事で、読者がそのキャラと一体化できる効果があるとしています。ところが、読者は別に背景とは一体化したくありません。

ですから、キャラ（読者がなりたいもの）の表現と背景（読者が眺めたいもの）の表現は違っていい。という事になるわけです。
スコット氏の指摘によれば日本のマンガはすでに全面的にこのキャラと背景の描き分け効果を使ってるとの事。

「そんなに言うならじゃあ実際にUE5で背景描画してるマンガあるなら教えてくれよ！」と言われると、まだそういう作品は出回ってないかもですね。しかし、私はその内UE5で漫画背景を制作するのが当たり前になる時代が来ても別におかしくないと思いますけどね。

UE5じゃないですが、UE4がジャンプに載ってるマンガ背景に使われた例はあります。

しかし、この例ではわざわざUE4でレンダリングした後、線画抽出して普通のマンガっぽく加工してますから、私が考える「UE5でレンダリングした写真みたいな画像をそのまま貼り込めばいんじゃね？」説とはちょっと違いますけどね。

浅野いにお先生がマンガ背景にUE4を使用した例もあります。↓

漫画家 浅野 いにお氏、Unreal Engine でリアルタイム背景を制作する

やっぱり普通のマンガっぽく加工してますね。しかし、これらの例では白黒マンガとして雑誌に掲載する必要があったのでそうしただけで、紙に印刷するという制約さえなければ別に加工無しで使っていいと思いますけどね。

最近はイラストがCGに寄って行ってるような気がする

またこれも一概に言える話じゃなんですが、昔に比べると最近は写実に近いリアル志向の厚塗りの絵が多くなってきてる傾向があるような気がします。

昔はカラーイラストと言うと、アニメのセル画に描かれたキャラみたいに描くのが普通だった気がします。（コピックとかで綺麗なグラデで塗ってる人もいたけど）

さらに、これはまた別の記事で書こうかなと思ってた話ですが、最近は背景のロケーショニングに凝っている絵が目立ってる気がします。
昔はイラスト背景なんてキャラをドーン！と描いた後に後ろに適当に付け足すみたいな、言わばアニメージュのピンナップみたいな、まあそういうのが多かったというか、私もそういうもんでしょと思ってた気がします。

要するに昔はイラストはマンガ・アニメ的で記号的表現だった傾向が、最近はリアル・映画的な実写的な表現が多いみたいな話です。

例えばこういう感じです。

どのイラストも、まるで写真みたいにリアルな構図、質感、ライティングが用いられてます。
とりあえず真ん中にでっかくキャラを描いてから後ろに背景を付け足す…みたいなアニメピンナップ的な平面構成というよりは、奥行きのある三次元空間の背景の中にキャラを配置する…みたいな逆の方法が取られてるように見える点にも注目です。

なぜこのような表現のイラストが増えてきているのか？というと、ゲームグラフィックスの進化が関係しているのかもしれません。
最近のゲームはPBR（物理ベースレンダリング）によって、実写みたいにリアルで美しい質感・ライティング・反射表現がされています。
ゲームでは三次元空間の世界を歩き回りますから、そういうゲームを遊んで育った人達はイラストでも平面的な構図じゃなくてリアルな三次元空間を表現しよう！という感じになるのかもしれません。

ですから、イラストレーター側からは、「こういうゲームがあったらいいなと思って描きました！」という出し方をしがちです。
その絵を見る我々も、やっぱりそういうリアル傾向なゲームで遊んでいますから、リアルなイラストに共感して、「たしかにこういうゲームがあったらいいな…」と感じます。

昔のアニメピンナップ的なイラストは、マンガと同じような”記号”のシステムで描かれていたのに対して、最近のゲーム、映画、実写的なイラストは、”写実”のシステムで描かれ始めているという事です
イラストのキャラや背景にリアリティが求められるようになると、要するにどんどん描くのが大変になります。

さて、イラストがリアル化していって描くのが大変になると、それに比例して、「こんなにリアルに描くんだったらもう写真とか3D使えばいいじゃん」という感じも高まっていきます。

しかし、一般的に知られている事実として、イラストの背景に写真を使うと残念な感じになります。

この現象がなぜ起こるのかはまだよく分かっていません。
私が今思いつく仮説では、写真とキャライラストを混ぜても馴染まないからかもしれません。
キャラと背景が同じ世界だと信じる事が出来ないという事です。キャラがその世界で生きているというより、現実の中に印刷されたキャラの等身大立て看板が置かれてるだけ…みたいな感じで見えます。
手描きのキャラは”絵の世界“にいますが、写真背景は”現実の世界“です。だから、馴染みません。

クリペには写真をイラスト調にするフィルターとかもあって、多少イラストっぽくなりますが、まだそのままだとキビしいです。

では写真背景は諦めるとして、3DCGを使うとどうなのか？
実は、上に挙げたイラストの中でも、多かれ少なかれ3DCGが使われてたりします。

手描きイラストと写真の組み合わせはダメだという事が分かりましたが、じゃあ手描きイラストとCGの組み合わせはどうなんでしょうか？
これは実際にやってみないと分からない事でした。

で、実際に上で挙げた方々はそれに挑戦して、成功しています。
しかし、これは最近になってようやくアリになった表現かもしれません。昔は、パソコンのスペックが貧弱だったので、個人のPCでは貧弱なCGしか出力できなかったでしょう。それだとイラストに使うのはキビシイです。
それから、最近はリッチなグラフィックスのゲームに触れて、見慣れている人が増えたというのも昔とは違う所です。

つまり、手描きのキャラは”絵の世界”で、3DCGの背景は”CGの世界”であって、昔だと表現能力の不足と馴染みの無さのせいでこれらが同じ世界だと信じられなかったかもしれませんが、最近はどちらも同じ”ゲーム世界”だよね！という形で世間的に受容可能になったらしいという事です。

もちろん、キャラとCGを馴染ませる工夫はしています。キャラのライティングはCGに合わせて、CG寄りに描かれていますが、これは昨今のリアルなイラストが流行ってる風潮とベストマッチしています。
CGの側も、写真だと思われると困るからか、リアルなグラフィックスながらも非現実的なシチュエーションとかにして、CGである事を強調する傾向があります。そして、現実よりも劇的なライティング演出を行って、写真よりも映画的、ゲーム的な雰囲気を演出してたりします。

それで、イラストの背景に3DCGを使うと何が嬉しいのか？という話ですが、まず、手描きよりも完全に正確でリアルな質感の絵が出せます。
それから、手描きで背景を描くのが嫌いな人や、苦手な人でも、3DCGならパースやらの面倒な作画テクニックが要りませんから苦手な背景を克服できるという人もいます。（3DCG作成もそれはそれで面倒だったり技術が必要だったりするので、向き不向きの問題かもですが）

さらに、何より重要なのが”省力化“です。例えば背景にビル街が必要になったとします。
手描きだと一つ一つビルを描かないといけないので地獄ですが、CGなら例えば１個ビルのモデルを用意すればあとはコピペで増やしてなんとかなったりします。

というわけで、イラストが写実的、映画的、ゲーム的な方向に寄せられる傾向があり、それに伴ってイラストを描く手間が爆上がりして、そういう事もあって背景に3DCGを導入する人が増えているという話でした。

どうして突然こんな話を始めたのか？というと、つまり私が新マンガのページを横長にしたり、背景にUE5を導入しようみたいな思いつきも、これらのイラスト表現の傾向を踏まえているという事なのです。

つまり、「へ～、こういう絵がウケてるんだったら、このノリでマンガ描いたっていんじゃね？」みたいな発想があったわけです。

Blenderという3Dソフトがありますが、これは無料で使用することができ、しかもVer2.8以降、劇的に使いやすくなりました。最近3.0がリリースされましたが、ほとんど神みたいなソフトになってます。
ですから、イラストレーターの方々も「こりゃあ便利だ」って事でみんなこぞってBlenderを使い始めています。

「オレには3DCGとか関係ない」と思っていても、業界の傾向としてのイラストのリアル化の傾向とそれに伴う手間の爆上がりがあると、3DCG使える人とそうでない人の間に圧倒的な生産性の格差が生まれます。

もうじき、イラストレーターがBlender使えるのはフォトショが使えるのとほとんど同レベルに必須条件になっていくとしてもおかしくありません。

ちなみに余談ですが、”絵の世界”と”写真の世界”は馴染まない、そして”絵の世界”と”CG世界”は馴染む事が分かりましたが、ではもう一つのパターン、”CG世界”と”写真の世界”の組み合わせはどうなんでしょう？

CGキャラと現実世界の組み合わせが見たければ、「AR動画」を検索すれば一杯出てきますので、それを観れば分かります。

他にも、実写映画にCGのキャラが合成されているケースはいくらでもあります。ジュラシックパークなんかもそうです。

基本的に、このパターンはCGキャラが完全に写真、映像に馴染んでる必要があります。
twitterとかで写真にCGキャラを合成してイラストとしてアップしてるみたいなのは比較的あんまり見かけません。
多分、写真背景は現実世界ですが、そこに乗せるCGキャラはフィクション世界ですから、”ウソ“になってしまうのが問題なのかもしれません。
CG背景と手描きキャラなら、両方フィクション世界なので、それはフィクションとしては”本当“なので信じられます。

他には、実写の人間とCG背景の組み合わせとか、CGキャラと手描き背景の組み合わせとかも考えられますが、キリがないので飛ばします。

そういえば、記事の上の方で、「マンガはリアルを目指して描くと手間がかかって大変だから記号で描け！」と言ったくせに、このセクションでは「記号じゃなくてリアルっぽく描かれている最近のイラストの風潮を取り入れてマンガを描く事にした」って言ってるのは話が矛盾してるんじゃないか？と思われた方もいるかもしれません。

私も自分で書いててちょっとそう思いましたが、あくまでもキャラは記号で描け！という事で、背景はどんだけリアルなCGでも構わないというスタンスなら矛盾しないはずです。
また、キャラがシンプルなのに対して背景がリアルすぎるって分には問題は起きないだろうという事も説明済みです。

マンガ背景にCGじゃなく、写真を使う選択肢はないのか

さて、上のセクションで、イラスト背景に写真は使いにくい話をしましたが、マンガの背景に写真を使うのはどうなんでしょうか？

例えば、「低俗霊DAYDREAM」では写真を二値化に加工した背景が使われています。

マンガの写真背景って、なんか”ホラー”っぽい雰囲気になりがちなのですが、この作品では心霊などを扱っているので上手い事雰囲気がマッチしています。
どうして写真背景はホラーっぽくなるのか？というと、よく分かりませんが、写真を二値化すると”見づらい写真”になりますが、”見づらい”というのがすでにそれだけで怖いですから、ホラーになるんだと思います。ゲームのバイオハザードでも、画面が見づらいとか操作しづらいといった要素がホラー度を増していたという事があります。

「アイアムアヒーロー」の背景も写真を活用しているらしいです。

アイアムアヒーローの背景は、シーンによって普通に描いている場合と、写真からトレスする場合、写真を加工するだけの場合があるように見えます。

ここまでリアルな背景が必要になると、全部のコマで写真資料を用意してくれないと、ゼロベースで描いてと言われても困りそうです。
写真ベースだとホラー感が出てしまう問題も、アイアムアヒーローも作風にマッチしているのでむしろメリットです。

「屍鬼」でも、背景は写真がそのまま貼り込まれてます。これも、ホラーな作品だから行けるという判断でしょう。

そういえば、ググってたら見つけたのですが、マンガの背景に写真を活用する事の是非みたいな事でかつてtwitterでバトルが勃発した事があるようです。

江口寿史先生の「マンガの背景」論と、マンガ家たちの反応。

背景に写真使うだけで文句が出るんだったらCGなんか使った日にはどうなるんだろう…？
もし私が苦言を言われても、「だったら代わりに背景描いてくれよ」としか言いようがありません。

というわけで、マンガの背景に写真を活用している例は結構ある事が分かりました。

じゃあ私も背景は写真で済ますか？と言うと、いくつか問題があります。
まず、雰囲気がホラーっぽくなってしまうのは正直困ります。（まあ実はCG背景も若干ホラーっぽくなりがちな面がありますが）
それから、マンガの背景を写真で補おうと思ったら、必要な写真を撮りに行く取材の手間が発生します。正直言ってちょっと面倒です。（まあ街を3Dモデリングするくらいなら街の写真撮った方が早いだろうけど）
さらに、撮影に行ける近所の風景だけでマンガを作んなきゃいけないという制約も発生するでしょう。

他にも問題はあります。
普通のマンガだと、漫画家がキャラを描いた後に、アシスタントが整合性取れるように背景を描いてくれますが、写真背景のマンガは、写真の背景ありきで、そこにキャラを描き加えるという、逆の流れになります。
写真にキャラを描き足すのって、実は結構むずかしいです。

ちょっと間違えると、こんな風になってしまいます。↓

でかすぎんだろ左の女の子…。
右の男の子くらいのサイズが適正でしょう。
道路が水平だと考えると、水平線はこの赤い横線あたりだと考えられますが、よく見ると道路が坂道のようにも見えますし、というかカメラがちゃんと水平に向けられていたのかさえ定かではありません。
そうなってくると、もはやどう描けば正しくなるのか、私の手に負えなくなってきます。

「たとえ巨人になっちゃうとしても、キャラは写真的にこの位置に立ってて欲しいし、かつコマ上ではこれくらいのサイズで描きたいんだよ！」という場合は、写真の方を拡大して調整するしかないですが、拡大しすぎると解像度が不足してしまいます。
という事は、もう一回この場所まで行って来て、写真を取り直してくるしか無いかもしれません。しんどすぎます。

さらなる巨大な問題もあります。ライティングで演出したくてもできないという問題です。
たとえば、実写映画は、実写という意味でスマホで撮る写真と同じように思えますが、全然違います。
実写映画の照明は、全てが人工的に演出されてます。

ライトを沢山配置して演出する事で、劇的なシーンを撮影することができます。
スマホとかで背景用写真を撮っても、ライティングが操作できません。

仮にスマホで劇的なシーンが撮れたとしても、写真だとキャラクターがどういう照明条件にいるのか、つまりライティングがどうなってるのかよく分かりません。
白黒のマンガなら大した問題では無いでしょうが、カラーの場合だとキャラをどう塗れば背景に馴染むのかよく分からないので問題です。

というわけで写真を背景に使うのには問題が色々ありますが、UE5による3DCGを使えばほとんどの問題が解決します。

まず、わざわざ外を歩き回って写真を撮らなくても、家の中でパソコンだけで必要な背景が撮影できます。
近所に無いようなドラマティックな風景も、アセットさえ売っていれば撮影できます。

写真にキャラを描き加えるのが難しい問題も、UE5ならこのように、マネキンを実際にシーン内に配置してポーズを取らせれば、どんなふうにキャラを描けばシーンと整合性が取れるのか、簡単に分かります。↓

というか、もはやこのマネキンをトレスしてしまえば、デッサン能力が無くてもちゃんと形を取れます。

しかも、キャラクターのライティングも、このマネキンを見れば分かります。マネキンから色を拾ってキャラに塗ればＯＫです。
これだけで正確にキャラのライティングを描けます。

あとは、キャラにディフューズ色（3Dモデルで言えばキャラのテクスチャの色）を足せば完成です。

さらに、写真だと「アングルを変えた写真が必要だからまた撮り直しに行かなきゃ！」ってなる時も、UE5ならその場でパッと撮影し直せます。

何より、UE5なら、リアルタイムでライティングを自由自在に調整できます。映画のような劇的なライティングも簡単です。

というわけで、3DCGを使えば作業のワークフローが大幅に簡単かつ便利になる事がお分かりいただけたかと思います。

本当にUE5で作業が効率化されるのか？

ところで、このUE5でのワークフローで実際どれくらい作業が効率化できてるんでしょうか？

まず、背景に関してはそりゃもう、制作時間がゼロになりましたから最高に効率化されました。

しかし、キャラクターの作画についてはあまり効率化されてないかもしれません。
作業にどれくらい時間がかかるか、一度計ってみた事がありました。

まず最初に、背景のロケーションを決めて、そこにマネキンを置きます。

マネキンの位置を決めたら、マネキンにポーズ付けします。これは１体当たり5分くらいかかります。

次に、マネキンをトレスして下書きします。キャラの顔や服は自分で描く必要がありますから、１体あたり20分くらいかかりました。

それからペン入れに１体当たり20分くらいかかります。

色塗りも１体当たり20分くらいかかります。

合計で、キャラ１体あたりの作画に1時間ちょっとかかる事になります。
たとえば１ページにキャラが３体出てくれば、描くのに3時間半くらいかかるでしょう。

個人的には１ページに３時間半というはちょっと時間がかかり過ぎててキツいです。
もう少し効率化したいですね。

たとえば、UE5ではマネキンに付けたポーズを保存して、使い回すことができるので、制作を続けていけば段々とポーズ集が充実してきてイチイチポーズ付けする手間が減らせるかもしれません。

他には、以前描いたのと同じようなコマはコピペで持って来るようにすれば手間を削減できます。これも制作を続けるほどコマのバリエーションが増えて省力化が進むでしょう。

あとは、必ずしも全てのコマで背景とキャラを合わせる必要は無いでしょう。
キャラの顔のアップや上半身しか映ってないようなコマは、イチイチUE5でマネキンをどうこうする作業はスキップできます。

それから、キャラの絵柄もデフォルメを強くしたりシンプルで記号的な絵柄にする事で手間を減らせそうです。最初描き始めた時はついついマネキンの頭身に引っ張られてリアルっぽい絵柄になりがちでしたが、絵柄がリアルだと上で書いた通り、読みづらくなったり描くのが大変になったりと、デメリットが多くなります。

というわけで、UE5を使う事で、背景に関しては圧倒的に効率化できましたが、キャラの作画は今のところそうでもないですが、続けていく事でじわじわ省力化が進む事が期待できます。

背景の3D素材が見つからない時はどうするのか

というわけで、新マンガの背景をUE5の3DCGで作成するアドバンテージはあらかた説明しました。

しかし、いくらアセットストアやマーケットプレイスの3D背景素材が充実しているとはいえ、必ずしも全ての必要な背景を賄えるものなのでしょうか？

いえ、必ずしもありとあらゆる全ての背景を補えるわけではありません。
例えば、「山手線の電車が欲しい」と思っても、売ってないかもしれません。

どうするかと言うと、「無いものは無いとして諦める」という選択肢があります。
例えば実写の映画だって、なんでも好き勝手に撮影できるわけではありません。
「バックトゥザフューチャー」や「ブレードランナー」だって、限られたオープンセットの中で工夫して撮影されてます。

例えば原作の小説とかがあってそれを漫画化する場合は、原作に山手線が出てきたらマンガでも山手線を描かざるを得ませんが、私の場合は一次創作で好き勝手に描けばいいので、山手線なんか登場させなければいいだけです。

「だったら最初からクリペの3D素材だけで工夫してマンガ描けばよかっただろ！」と思うかもしれませんが、クリペの3D素材はあまりにも数が少なすぎて、工夫で補える範囲を超えていると思います。

素材が見つからないけどどうしても登場させたい背景の場合は、しょうがないので自分で作るしかありません。
作ると言っても、必ずしもゼロから作る必要はありません。UnityやUEの背景アセットは、バラバラのパーツで構成されていて、好きな形に組み立て直せる作りの物が多いので、そういう背景キットやアリモノの小物を組み合わせれば、まあ大抵の背景は表現できるはずです。

それでもどうしても無い！というものは、本当にしょうがないので、手描きで描くか、Blenderでゼロから作るかになります。

ゼロから作るといっても、UnrealEngineユーザーは、Megascansライブラリが利用できます。
Megascansって何？と言うと、まあ3Dモデル用の膨大な質感（マテリアル）素材集です。
Megascansだけで大抵のマテリアルが揃ってますので、Blenderでちゃちゃっと作った3DモデルにMegascansのマテリアルを貼り込めば、簡単にフォトリアルなモデルが作れます。

そして、UEユーザーは、驚くべきことにMegascansを全て無料で使用できます。
ただし、利用規約によると、「タダでMegascansを使うのは、最終的なレンダリングをUnrealEngine上で行う場合に限られる」みたいな事が書かれています。
しかし、UE5を漫画で使う場合は、当然ながらUE5でレンダリングした画像をクリペなどに持っていって仕上げる必要があります。これって規約違反なのでしょうか？

いえ、こちらによると、セーフみたいです。↓

https://help.quixel.com/hc/en-us/community/posts/4408574911889-Unreal-Unlimited-License-in-Comics

ついでに書いておくと、そもそもUnityやUEを使ってマンガ制作を行う事自体は元々セーフですし、Unityアセットストアの素材やUE4マーケットプレイスの素材をマンガ制作に使うのもセーフなハズです。Unityアセットストアの素材をUEに持っていったり、その逆をやるのも基本的にセーフです。

というわけで、背景3D素材が見つからない場合の考え方を書きました。
ちなみに、アセットストアとマーケットプレイス以外にも、3D素材を売っているサイトは色々あるので、そちらをチェックしてみるのもいいでしょう。

アセットストアやマケプレ以外で売ってる3D素材はC4D用だったり3DSMAX用だったりするケースが多いですが、UEのDatasmithを使えば簡単にUE4向けにコンバートしてインポートできたりします。（ただし3DSMAXのライセンスが必要になったりするので注意）

内なる自分のモチベーションをコントロールする

さて、ここまではマンガ制作の効率化についてひたすら書いてきましたが、私が一次創作マンガ制作を克服するためには、単に効率化だけでは不十分です。
内なる私のモチベーションをコントロールする必要があります。

ここからはちょっと自己啓発的というか、精神論的な話になりますのでご了承ください。

ここまで記事を読まれた方は、私が必死こいて一次創作マンガを描こうとしてるのを見て、「モチベーション高いな～」と思われるかもしれません。
たしかに、ある面では私はマンガを描くぞ～！という意欲に燃えていますが、しかし別の面では完全にモチベーションがゼロなのです。

つまり、外側の私の中に内なる自分がいて、外側の私にやる気があっても内側の私にはやる気が無いという事です。
外側の私は「有意義な事をやりたい！」とか言って意識が高いですが、内側の私は「評価されないし儲からない事やっても意味ねぇ～よ」とか言って意識がクソ低いです。

私が思うに、世の中にいるワナビーな人、例えば漫画家になるぞ～！とか言ってるのに絶対に実際にはマンガを描こうとしない人達はみんなこの外側の自分のモチベーションの高さに対して内側の自分はモチベーションがゼロだから実際に行動することができないという問題を抱えていると思います。

というわけで、ポイントになるのは、如何にして外側の自分がやらせたい事を内なる自分にやらせるか？という事になります。
これは、結構難しい問題です。

内なる自分の特徴としては、報酬に忠実というのがあります。
頑張って挑戦してみた事が、評価されたり儲かったりするほど、もっとそれをやろうとする、やる気のサイクルが回りますが、逆に、苦労した割に全然評価されない事とかは、その事を学習して、もう内なる自分は二度とそれをしようとはしません。
これが人間のやる気のシステムです。別の言い方では、”脳の報酬系回路”とか呼ばれます。

この報酬系回路には、まあ基本的にはメリットがあります。
自分の苦手な事（苦労しても儲からない、褒められない事）はとっとと諦めて、得意な事（簡単にできる割に儲かる、褒められる事）に集中するように自分を誘導するための脳の仕組みというわけです。

しかし、報酬系回路にはメリットだけでなくてデメリットもあります。
”易きに流れがち”という事です。つまり、目先のコスパに囚われて、本当は時間と手間をかけて少しずつ上達させていかなければならない大事な取り組みよりも、ラクしてパッと報酬が得られる安易な事しかやらなくなってしまうという事です。

脳の報酬系回路を崩壊させるtwitterの罠

例えば、それまで絵を描いたことが無かった人が「イラストレーターになるぞ！」と決心してtwitterを始めたとします。

しかし、twitterには化け物みたいに絵が上手い人がひしめいているので、残念ながら上手くない絵が注目を集めるのは難しいです。
絵を上げてもなかなかLikeもリツイートもされない…しばらくの間は内なる自分もやる気出してくれますが、いつまで経っても全然評価されないじゃん！ってなると、内なる自分は「絵を描いても評価されない」という事を学習してしまい、やる気を失います。

そうこうしてる内に、むしろしょーもないネタツイの方が評価が付くやん！という事に気付いたりします。これに気付いてしまうと、脳の報酬系回路はギュンギュン回転を始めます！
こうなるともう完全にネタツイを考える事ばかりに意識が集中してしまって、イラストを描く努力は完全に放棄されてしまいます！

こうしてまた一人のイラストレーターの芽が摘まれ、ネタツイッタラーが生まれてしまった…。
twitterってクソだな！！

女性のユーチューバーやツイッタラーが段々露出が激しくなっていったりするのも、この報酬系回路が悪さをしています。自分の描いた絵よりもエロい自撮りの方が大量Likeが付いてしまった日には、報酬系回路は暴走を始めます！
報酬系回路の暴走には歯止めが効きません。そうしている内に最終的に女性ユーチューバーの露出がライン越えしてしまい、Youtubeからバンされてしまうという結末を迎えがちです。

自分が本当にやりたかった事、評価されるまでに多くの努力や時間を要する事などを達成するためには、とにかくどうにかしてこの内なる自分、報酬系回路を飼いならす必要があります！

二次創作を描いていたツイッタラーが一次創作に転向しようとする場合も、この報酬系回路の問題に直面します。

一般的に言って、一次創作のイラストやマンガよりも、二次創作の方がウケやすいです。
何故なら、プロの漫画家は基本的に二次創作は描かないので、二次創作が見たかったらアマチュアの二次創作作品を見るしかありませんが、一次創作についてはアマチュアの作品を見るくらいだったらプロの絵やマンガを見た方がいいじゃん！という事でしょう。

ですからツイッタラーは一次創作は全然評価されないけど、二次創作は評価される！という事を報酬系回路が学習してしまいます。だから一次創作は放棄して、もっぱら二次創作ばっかり描くようになります。

これって誰の事言ってんの？って、もちろん私の事です。

今まで一次創作マンガを描くのに失敗していた原因の一つはこれです。
「一次創作は描いても二次創作に比べて反応が少ないから挫折する」問題です。

じゃあどうすれば良かったんだろう？という話ですが、”余計な報酬を受け取らない”べきだったという事に尽きます。
上で書いた、イラストレーターになりたかったのにネタツイッタラーになってしまった人は、余計なネタツイなんかしないでひたすらイラストだけをアップしていれば、報酬系回路は悪さをせずに、いずれはイラストが上達して伸びていったかもしれません。
どんどん露出が過激になっていってしまう女性ツイッタラーは、そもそも自撮りを上げなければ、報酬系回路は悪さをしませんでした。

同様に、私は一次創作マンガを描きたかったんだったら、そもそも二次創作なんかtwitterに上げるべきでは無かったのです。最初からひたすら一次創作だけをアップするべきでした。

まあしかし、今さらそんな結果論を言ってもしゃーないです。
それはそれとして、じゃあこれからその報酬系回路を修正するにはどうすればいいんだろう？という点に集中しましょう。

一旦ネガティブな学習をしてしまった報酬系は、修正は難しそうです。
とりあえず、twitterの報酬に依存してしまった脳みそから毒抜きをするために、私はしばらく前からツイートするのを基本的に止めました。

報酬系回路がtwitterに依存してる限り、ラクしてウケそうなツイートをする以外の行動ができなくなるからです。
それでしばらく経ったので、結構毒抜きできたはずです。

しばらく経っても全然一次創作のやる気は起きませんでしたが、本当に微粒子レベルでちょっとだけやる気が湧いてきつつあるような気がしてきました。

ここからどうすべきかは上で書いた通りです。余計な報酬を回避するために、一次創作の作品だけをツイートして余計なネタツイや二次創作のツイートは避ける。
これを守る事で、とりあえず報酬系回路が悪さをするのは防げるはずです。

習慣だけが人間の行動を変える

上のセクションで、とりあえず報酬系の悪さは回避できましたが、モチベーションを失ってる一次創作をどうやって可能にするか？という話は別問題になります。

人は、「俺は今日から変わるぞ！」と決心する事がよくありますが、そんなんで実際に人が変わる事ができません。

なぜなら、決意とか決心をしてるのは、外側の自分がそう言ってるだけで、内なる自分は「そんなん知ったこっちゃねぇ～し」って思ってます。
だから、どんだけ決意しても、人間は自分の行動を変える事はできないのです。

「じゃあもうどうにもならんじゃん…内なる自分には逆らえないじゃん…」って絶望しそうになりますが、実は一つだけ、内なる自分の行動を変える方法があります。

それは、”習慣”です。
習慣の力だけが人間の行動を変えることができます。

私はこの事実を、けんすうさんという方のnote記事で知りました。

エネルギーがない人が新しいことをはじめる時のコツみたいなやつ

けんすうさんは「習慣の力」という本で習慣のパワーを知ったそうです。

例えば、我々は月曜日の朝、「マジで仕事行きたくねぇ～」と思っても、でも仕事に行きますよね？どうしてそんなにやりたくないと思ってる事ができてしまうのでしょうか？
それは、仕事に行くことが”習慣”になってるからです。

他にも、私はジムに筋トレに行くのが心底しんどくて億劫ですが、それでも週１でジムに行ってます。
どうしてそんな事が可能なのか？
それも、”習慣”だからです。

”習慣”さえ身に付けば、人はやる気ゼロでも行動することができます！

つまり、たとえ私の脳みその報酬系回路がぶち壊れてて、一次創作マンガのやる気がゼロだとしても、一次創作マンガ制作の習慣さえ身に付けてしまえばやる気に関係なく描き続ける事ができます！

死ぬほどハードルを下げる

ところで、習慣を身に付けると言っても、実際の所どうやればそれができるんでしょうか？

けんすうさんが言うには、「挫折するのが難しいくらい小さな習慣から始める」との事です。

要するに、最初は限界まで死ぬほどクッソハードルを下げて始めるという事です。

例えば、毎日10分だけタブレットのペンを握るだけ…とかならどうでしょうか？
報酬が無い事のために苦労なんか絶対したくないぞ！と思ってる内なる自分も、「まあそれくらいならいいか。よし、通れ！」と言って見逃してくれそうです。

報酬系回路さえ突破してしまえば後はこっちのものです。
とにかく行動の習慣化には成功しましたから、後は報酬系回路にバレないようにこっそりじわじわとノルマを増やしていきます。

筋トレでも最初っからベンチプレス100kg上げるとか無理なので、最初は10kgとかしょぼい負荷でもやってればじわじわ鍛えられていって筋力が増えて負荷を増やしていけるハズです。

というわけで、私の場合はさすがにもう少しくらいは最初からハードル上げても大丈夫そうですが、まあ無理は禁物ですから、「とにかく１日１ページ描く」という目標を設定しました。

１ページと言っても、新マンガは横長のフォーマットなので、１～３コマしかありません。
３コマも描きたくない日は１コマで済ませればいいでしょう。

さすがに１日１コマくらいは描けるんじゃねえか？

そうは言っても、１コマさえ描くのがしんどい日もあるかもしれません。
そういう時は、例えばいきなりこういうコマを描いてその日を凌ぐのも許容する事にします。

ここまでハードルを下げておけば大丈夫かな…。

というわけで、毎日ノルマとして1ページマンガを描くという方針が固まりました。
毎日描いたらtwitterに上げてスレッドで繋げていく事にします。

私は絵を描いたらすぐtwitterに上げないと気が済まない身体になってしまってます。
しかし、マンガは普通はある程度まとまった量を描いてから投稿するなり同人誌にするなりが普通です。
twitterに上げないでこっそり何十ページもマンガを描き溜めるのはかなりしんどいです！
私がマンガを描くのに挫折してきた一因はこれです。

毎日１ページ描いてその都度ツイートしちゃう形なら挫折要因が一つ減らせます。
マンガはゲームや動画と違って最低1ページ単位で細切れでアップできるという特性が活かせています。

「でも、読む側にとってはそんな細切れでアップされると読みづらいのでは？」と思うかもしれませんが、すいませんが今はマンガを描く事だけで一杯いっぱいなので、読む側の都合まで考えるとハードルが上がりすぎるので、とりあえず最初はなんも考えない事にします。

ネームを考えるのが面倒くさい問題

マンガというのは、一般的には描き始める前に全体のストーリーの構成を練っておくべきだと考えられています。

かつての私もそうだと思っていて、マンガを描き始める前にあーだこうだ構想を練ったりしてました。
しかし、本当にマンガに事前の構想って必要なんでしょうか？

私は直近で観たものとかにすぐ影響されるので、まどマギにハマった時は「まどマギみたいなマンガを描きたい！」とか言い出しがちです。
まどマギは脚本の構成が非常に練られており、後から見てそういう意味だったのか！みたいな伏線も一杯張られていてすごいです。
私もまどマギみたいなマンガって事でアレコレすごいストーリーを考えようとしたりしましたが、毎回、全体を詰めるところまで行く前に飽きてしまい、そもそもマンガを描き始める前に挫折する事がよくありました。

しかしよく考えると、そもそも、いわゆるジャンプみたいに連載で描くマンガと、まどマギみたいな１クールアニメでは、全然話が違いますよね。

マンガは所詮は個人レベルで描くものですが、アニメや映画は沢山の人達が関わって作るものですし、制作に必要な予算がケタ違いに大きいので、そりゃあ脚本だって最初からキッチリ詰めて作ってみんなのコンセンサスを取っておくでしょう。
というかアニメや映画はそもそも脚本のプロである脚本家が仕事をしてますし。

それに比べてマンガはぶっちゃけ描き始めてから話を考えてもいいんじゃないでしょうか？
というかプロのマンガでもそういう風に描いてる人が結構いるような気がします。
例えばドラゴンボールのマンガは、最初の頃も面白いのは面白いですがどちらかと言うとふわっとしたストーリーでした。途中からひたすらバトルを繰り返すバトルマンガになりましたが、テコ入れの結果そうなっただけで、当初はそんな感じにするつもりは絶対無かったはずです。
同様に、遊戯王のマンガもひたすらデュエルするマンガになるなんて当初は作者だってさらさら考えてなかったでしょう。カードバトルが読者に異常にウケた結果としてそれメインで行くことになった感じでしょう。

ハッキリ言って、マンガは描き始めてみないと作者本人にもどうなるか分からん所があると思います。
連載マンガは常に読者からのフィードバックに左右される運命を抱えています。結局、人気が無ければ打ち切りになるという事ですから。
ですから、たとえ作者がどんだけ緻密でスゴイ展開の構想を抱えていようと、それまでに退屈な展開がしばらく続くとすると、構想が実現されるより前に打ち切りの危機を迎えます。そうなったら構想なんかぶん投げて慌ててテコ入れしまくるハメになります。
ですから、連載開始して読者の反応を見て見ないとマンガがどうなるなんて分からんので、事前にアレコレ考えてもしゃーないという面もあるっちゃありそうです。
むしろ、事前に全部ストーリーを考えちゃうと、話が予定調和になってしまいがちで、良くないという面もあります。
連載マンガでは読者に驚きを与える事が重要とされてます。
例えば、ジョジョのマンガでは３部のディオ戦を実際に描き始めた後で、ディオが強すぎてどうやったら主人公が勝てるのか荒木先生は悩みまくったそうです。読者は読みながら「こんなに強い敵を一体どうやって倒すんだろう？」とまったく予想が付かなかったでしょうが、実は作者にも分からなかった…漫画家にとっては相当悩まないといけないのでしんどいですが、こうすれば予定調和では無い驚きの展開を強制的に作れる可能性が高いです。

というわけですから、マンガは先にあれこれ構成を考えて飽きて止めちゃうくらいだったら、先の展開を何も考えないまま描き始めちゃってもいいかもしれません。
キャラさえ動き始めれば後はどうとでもできるでしょう。
なるたるみたいにジュブナイルやってたのに急に鬱展開が連打され始めるとか、急に念能力の概念がぶっ込まれて能力バトルに移行するハンターハンターとか読んでると、展開なんて後からでもどうにでもなるなあと感じます。

ところで、アニメや映画は脚本がしっかり作られてて凄いという話をしましたが、私はキッチリしすぎているのがむしろ弱点だなとも感じます。
例えばまどマギは、そういう凄い脚本の力もあって、大ヒットして大人気になってしまいましたが、そのせいで続編を制作するハメになりました。
「あんだけ綺麗に終わったのにどうやって続きを作ればいいんだ？」という。
綺麗な脚本のおかげで出た人気なのに、そのせいでせっかくの綺麗な脚本をぶち壊しにして続きを作るハメになったという皮肉な状況に陥ります。

人気になった洋画が続編が作られるけど失敗するケースが多いのも、同じ問題だと思います。
綺麗に終わった映画の続編を作るには、その綺麗な脚本をぶっ壊す必要がありますが、この上手いぶっ壊し方というのは難しそうです。
ちなみにまどマギの続編の”叛逆の物語”はその脚本のぶち壊し方が見事過ぎて、初めて見た時は唖然としてしまいました。これまた大人気になってしまい、さらに続編の”ワルプルギスの廻天”の制作がまた決定してしまうという…。

その点、マンガは綺麗な脚本では無かったりするかもしれませんが、だからこそやろうと思えば延々と続きを描く事ができます。

そういう風に考えましたから、私は、「まどマギみたいな凄い話を考えよう！」なんてのは止めにしました。「描きながら考えればいいじゃ～ん」みたいなゆるい感じの方がハードルが下げられていいでしょう。

ところで、マンガを制作する際、一般的には最初に”ネーム”を作る事になってます。

ネームと言うのは、マンガ１話分の下書きの下書きみたいなもんで、最初にコマ割りや台詞とかを全部決めましょう。みたいなもんです。

マンガは作画作業も死ぬほど大変だという事は上で散々書きましたが、実はこのネームを作る作業もかなりしんどいです。
そんな20ページ分とかのネームを一気に作るとかしんどすぎる…毎日の習慣の中のどこに組み込めばいいんだこの作業…。

というか、ネームというのは確かに最初に全体の構成を練る事ができて作品がまとまるというメリットもありますが、一番の役割はネーム段階で担当編集に見せて先にダメ出しをもらっておく事です。
そうしないと、全部描き上げてからダメ出しされてももはや修正不能だからです。

そうして考えると、私が趣味で描くマンガには当然、担当編集なんていませんから、ネームなんか要らないんじゃないか？という気がしてしました。

20ページとかまとめてネームを考える作業はしんどいですが、毎日１ページ分だけ続きを考えて描くだけならそこまではしんどくないでしょう。

そういうわけですから、私は新マンガではとりあえずはネーム作業自体を放棄する事にしました。とりあえずマンガ制作を習慣化するためには、下げられるハードルは全部下げておくに越した事はありません。
ネームを放棄する事で、「ネームを考えるのが面倒くさくなって挫折する」という挫折要因も取り除くことができました。

ところで、いくら構想無しで描き始める！ネームも無し！と言っても、どういう感じで描いていけばいいんだろう…という指針くらいは必要になってきます。
というか、どういう風に描いていけば行き当たりばったりに話を進めていけるんだろうか？みたいな事です。

私はアレコレ考えましたが、”小説風”に話を進めていけば良さそうな気がしました。小説は映画の脚本と比べると、割と行き当たりばったりで話が進んでいって、膨らませた話を全部回収しないで何となしにふわっと終わるような作品が割と多い…気がします。まあ映画になった小説とかもありますが。

というわけで新マンガは小説風な感じで行き当たりばったりで進めていく事にしました。
しんどさの最小化を目指した結果こうなったわけです。習慣化のためにはやむを得ない選択です。

さらに、行き当たりばったりで描くんだったらそれにふさわしい舞台やキャラクターがあるかもしれません。

世界観については、特殊な世界観にすると、自分で色々考えないといけなくなって大変です。
なろう系小説に出てくるようなテンプレ的な中世ヨーロッパ風世界（ナーロッパ）という選択肢もありますが、それでさえそれなりに世界について下調べや想像力の駆使が必要になります。

結局のところ、何という事もない日常的な世界観なら何も考えなくていいのでラクだという事になりました。「やっぱナーロッパにすりゃ良かった」と思ったらその時になってトラックにハネさせて異世界転生させればいいだけの話です。

そして、キャラクターについてもアレコレ考えましたが、普通にセーラー服を着た女子高生にしました。無難です。
豊井さんがインタビューで「セーラー服女子は立ってるだけで主人公みたいな存在感と華やかさが出る」みたいな事を言ってたのが印象に残ってました。
たしかに、セーラー服はありきたりにもかかわらず、魅力的で目を引く力がある気がします。

それに、女子高生の素晴らしい所は、キャラのファッションについてアレコレ考えなくてもとりあえずずっとセーラー服着せときゃいいからラクという事があります。

例えばまどマギでも基本的にみんなずっと制服を着てます。

女子高生は同級生のキャラも当然セーラー服着てますから、同級生を一杯登場させても服についてはセーラー服さえ描ければいいのでやっぱりラクです。

そこまで考えたところで、なんとなく主人公二人分のキャラをデザインしてみました。

キャラデザインが決まったので、まだどういうキャラなのか自分でも分からないままさっさと新マンガを描き始めてしまった、というわけです。

マンガを描き始めてみると思ってたよりつまらなくて挫折する問題

これまた大きな挫折要因の一つですが、今まで実際に一次創作マンガを描き始める所まで漕ぎつける事もありましたが、描き始めてみると”思ったより描いていて話が面白くならなくて”速攻で挫折してしまってました。

上では報酬系回路がネガティブな学習をした結果マンガを描くやる気が出ないという話をしましたが、この描いていて面白くない問題もやる気を失う大きな要因です。

この問題については、私はちょうど１年前に書いたブログ記事である程度分析してみました。↓

つまり、二次創作では作者は最初から原作のキャラの性格とかを熟知してますから、簡単にたのしくキャラを動かせて、原作の力に乗っかって面白い話とか描けます。

しかし、一次創作では作者は自分が描いてるキャラが何者なのか、描いてる自分でもよく分かってません。だからどうやって動かせばいいのか分かりませんし、最初は登場キャラが少ないのでどうしても描いてる側にとっても面白さが乏しくなりがちです。

作者はストーリーの最初の方でキャラクター達に茶番をさせてみて、自分が描いてるキャラクターの事を掴まないと、話を面白くしていく事ができないという事です。

どんな映画やアニメでも、話の最初はキャラクターの説明や状況説明、世界観の説明などの舞台のセットアップパートが存在します。セットアップは工夫次第で面白くできるかもしれませんが、基本的には退屈なパートです。
映画には”ホットスタート”というテクがあって、映画の中で一番盛り上がるシーンを最初に見せてしまう事で、観客をストーリーに引き込んでおいて、そこから一旦話が巻き戻ってセットアップパートを始めるというものです。これなら最初の退屈さを回避できますが、話の展開を何も考えないで描き始めるマンガだとこのテクは使えません。

というわけで、マンガもセットアップパートがしんどくて退屈なのはそれはもうどうしようもないという事です。
ですから、描いてみても面白くないや…と思っても、もう少し頑張って続けてみれば、どんどん面白くなって行ってた可能性があります。単に私はその段階まで辿り着いたことが無いだけかもしれません。

金脈を掘り当てる寸前で諦める金鉱夫みたいなもんです。

ですから、描いてて最初はつまんないとしても、しばらくは頑張って続けてみようよ。という話になります。

つまんないのに続けるのもかなり困難な事ですが、これもやっぱり習慣の力で凌ぎます。
どんだけつまんなくてしんどくって自分にはマンガの才能がねぇ～よとウジウジ思ったとしても、習慣の力を使えば、少なくとも毎日描き続ける事だけはできます。

面白くなくてやる気が出ない内は、１日に１ページの鈍足でなかなか話が進まないでしょうが、話が面白くなってきてやる気が出てくれば、もっと描くペースも上げられるかもしれません。

やる気の問題以外にも、そもそもロクにマンガを描いた事が無いので、マンガの展開を考えるのに慣れていないという事もありますし、マンガのセットアップでは沢山の新キャラを考えなきゃいけなかったりでやる事が一杯ありますから、最初は描くペースがメッチャ遅くなっちゃうのもやむを得ないと思います。

ところで、後になって「キャラのキャラ付け間違えたな～」と思ったらどうすればいいのか？
その時は好きなだけキャラ付けを変えちゃえばOKです。
マンガには後から無かった事になる”死に設定”とか普通によくあります。
幽遊白書の飛影なんかは、最初に敵として登場した時はなんか全身目玉だらけのフォームになったりしてましたが、仲間になってクールなキャラ付けがされていって、そういうのは無かった事になりました。

セットアップパートは描いてる側にとってさえつまらないので、読んでる側にとっても詰まらないでしょう。
ですから、一次創作マンガの序盤はかなり冷たい反応が返ってくる（つまり反応が無いという事だが）と予想されますので、ツイートへの反応は期待しない方がいいでしょう。
習慣の力だけでマンガを描けるようになれば、マンガに反応が無くても描き続ける事が可能なはずです。

というか、プロのマンガだって読み返してみると最初のセットアップパートは詰まんないな～というケースがありがちです。マンガのセットアップはキャラの説明に注力されがちです。
しかし、読者はマンガ序盤セットアップの恩を忘れがちだよなと思います。確かに、一旦キャラを知ってしまえばもうセットアップパートは用済みですから読み返しても面白くありません。しかし、初めて読んだ時にキャラの説明をしてくれたのはセットアップです。ですからセットアップは本当に重要な割にないがしろにされがちです。

さて、ここまでは”マンガの序盤は描いててつまんないのはしゃーないけど続けてれば面白くなるはず”という説を書いてきましたが、これは所詮、仮説に過ぎません。私だってそこまで辿り着いた経験は一度も無いのですから。

下手するとしばらく描いてても、まったく面白くなって行かない…。という状況に陥る可能性もあります。
そうなる理由としては、私がマンガ描くのが下手だからかもしれません。
そりゃ初めて描くんだから下手でもしゃーないでしょう。

その場合は、マンガ描くのが上手くなるまで描き続けるしかないでしょう。
初めて描くマンガなんか全てが練習みたいなもんです。

「つまんないマンガを描き続けるなんてアリなのかよ」と思うかもしれませんが、別にアリです。最悪、ずっと描き続けて死ぬ前にはなんとか面白くなればそれでいいでしょう。
プロの連載マンガよりも趣味のマンガにアドバンテージがあるとすれば、それは”どんだけつまんなくても打ち切りにならない”事でしょう。

マンガなんて最初が詰まんなくても途中から面白くなればそれで良くないですか？
例えば、ジョジョの漫画を他人に勧める時に、とりあえず３部から読ませたりするケースがあったりするそうです（ジョジョは１～２部も面白いと思いますが）
というか、ジョジョは最初にアニメ化された時、１～２部をすっ飛ばしていきなり３部がアニメ化されました。
読者はマンガの詰まんない所は勝手に飛ばして好きな部分だけ読んでくれるという事ですからつまんないパートを描いちゃっても大して気にする必要は無いでしょう。

というわけで、「マンガを描き始めてみたらつまんなくて挫折する」問題については、「マンガの序盤は詰まんなくて当たり前だけど、ずっと続けてみれば面白くなるかもしれないからそれまで耐える」という事でした。

マンガのタイトルを決めない理由

ところで、私はtwitterで新マンガを描き始めるにあたって、完全に無言で何も言わずに急に始めました。
そしてタイトルさえ付けずに無言で漫画をアップし始めました。

何故そうしたか？というと、どういうマンガになるのか自分でもサッパリ分からなかったので、まだタイトルを付けたく無かったからです。
タイトルを付けるとそのタイトルに引っ張られてしまって、タイトルと全然違う話にしたくなった時に困ります。

また、１日１ページというノルマも、自分の中でなんとなくそう決めてるだけで、twitterではまったく触れてません。
何故なら、１日１ページ描きます！と言ってしまうと、描くのが義務になってしまい、ハードルが上がるからです。

“100日後に死ぬワニ”というtwitterマンガがありますが、あれはタイトルですでに多くの事が約束されてます。これから毎日1話ずつ描いていって、100日後に終わりますという宣言です。

あのように毎日描く事を誓約してしまう事で、読者は毎日続きを楽しみにできるというメリットがありますが、描くのをサボッたらガッカリされてしまうという諸刃の剣となります。また、人気が出ちゃったから100話の後も続けたいと思ってもできなくなります。

私はいきなりそんなにハードル上げちゃってもしんどくなって挫折する事が分かりきっていたので、読者に対して何一つ約束しない事にしました。
どうしてもキツいなら描くのをサボる日があっても、誰にも約束してないなら別に自分だけの問題ですからそれはいいでしょう。

おわり

というわけで、今回の記事では最近描き始めた一次創作マンガについて、描き始めるにあたって考えた全ての事について書いてみました。

マンガの指南本とかって、プロの漫画家がプロの視点でプロとしての漫画の描き方を書いているものしかなかったりしますので、そもそもモチベーションゼロのド素人がとにかくマンガを描いてみるにはどうすればいいのか？という視点で書かれたテクニックはあまり見た事がありませんから、そういう点では有意義だったかもしれません。

ちょっとヤバいくらいクソ長い記事になってしまい、たしかクリスマスくらいから書き始めたはずですが、結局年をまたいでしまって困りました。

読む方も大変だったと思います。読んでくださってありがとうございました。お疲れさまでした。

まあとりあえず今回の記事で、今まで私が一次創作マンガを描こうとして挫折してきた原因と、その対策について一通り書けたかと思います。

この理論に従って実践する事で、少なくとも実際私は40ページ以上継続してマンガを描けている事は確かです。

しかし、この前どうしてもまた二次創作も描きたくなってしまい、一次創作マンガに並行してまどマギの漫画も描き始めてしまいました。

私の理論によれば二次創作を描いちゃうと余計な報酬を得て報酬系回路が壊れてしまうので、描いてはいけなかったはずですが、描いちゃったもんはしゃーないので、今のところ一次創作マンガと並行して描いてます。

つまり、習慣としては一次創作か二次創作のどちらかを１日１ページ描けばOKという事にしています。

今回、私は既存のマンガフォーマットをぶっ壊して新しいフォーマットを作ってしまいました。
既存のフォーマットがこれまで沢山の漫画家達によって磨き上げられ完成しているモノなのに対して、新しいフォーマットは私が自分の都合で勝手に作ったものなので、まだまだ改善の余地があるかもしれませんが、それは描きながら改善していけばいいかなと思います。

いずれにせよ、現在はマンガが紙でのみ読まれるものからスマホやPC上で読まれるものに変わっていきつつある過渡期と言えるかもしれません。
紙よりもPCで読む事に特化するならば、それは既存のマンガフォーマットとは違う物になるハズです。
どういう形式がベストなのか、すでに色んな人が試行錯誤し始めていそうですが、確かに言える事は、マンガのフォーマットも制作手法もどんどん変化していくだろうという事です。
もしかすると突き詰めていくとそれはマンガでは無くなっていくのかもしれませんが、まあそれがマンガよりも効率よくストーリーを物語れるモノなら私はそれに乗っかるだろうと思います。

さて、今のところ特に考えないといけないと思っているのは、最近人気のゲームチックなイラストにどこまで寄せるべきかという点です。ゲームチックなイラストは見映えがしますが、マンガとして読みやすいかどうかは別問題かもしれません。
そういう事も今後描きながら考えます。

今回の記事は、マンガを描き始める前に考えた事について書きましたが、実際に描き始めてみれば、また色んな問題に直面するだろうと思いますが、まあその都度対処していくしかないでしょう。

さしあたって今の問題は、もっと作業を効率化したいという事です。
今は１日１ページですが、理想を言えば１日３ページくらい描けるようになれば、プロの漫画家と同程度のペースに追い付けるかもしれません。
１ページに３時間以上もかけていると１日３ページ描くのは難しいです。
効率化のブレークスルーという意味では、私は「搾精病棟」の手法が参考になるんじゃないかと考えてますが、それについてはまた別の記事で書ければいいなと思ってます。

松永伸司さんが書いた「ビデオゲームの美学」という本を読んだので、内容をメモ書きします。

ゲームについて哲学的に分析してみたという本です。この本では個々のゲームについていいとか悪いとか論じるんじゃなく、ゲームの分析に使える道具箱を提供するのが目的だとしています。

私としてはゲームを作るのに役に立つかもなと思って読んでみました。

こういう本って単に著者が思い付いた事をつらつら書いてるだけで、どういう根拠で言ってるんだよ？とツッコミたくなるような本だったりするよな…（いやそれはむしろこのブログの事だろう）と最初思ってましたが、実際読んでみると、過去にゲームについて研究していた人たちの説などを色々と取り上げて、AさんとBさんの説のいいとこ取りして折衷した説を生み出す。みたいな感じで相当しっかりした論が書かれています。

それもそのはずで、元々この本は松永さんの博士論文だったものを書き足して本にしたものなんだそうです。

ですから、先行研究している人たちの諸々の本や論文をあれこれ読まなくてもこれ一冊だけ読んでおけば一気にポイントを押さえられて便利です。

というわけで内容メモを書いていきます。
ちなみに、このメモは自分なりの要約ですが、私の理解力の問題によって本の内容を正しく捉え切れてない部分があると思うので、その点注意してください。難しい言い方をしてる所とかは自分でも分かるように言い直したりしてます。正確な情報についてはちゃんと本を当たってください。

第Ⅰ部　芸術としてのビデオゲーム

第一章の最初のところで、「第Ⅰ部では、Ⅱ部とⅢ部での議論を始める前にゲームの定義やら何やらややこしい抽象的な話を詰めておく作業をするので、普通の人達には読んでも意味無い部分だから飛ばしてもOK」みたいな書いてたので、お言葉に甘えて読み飛ばしました。

第Ⅱ部　一つの画面と二つの意味

第四章　ビデオゲームの統語論

ゲームは主に画面上の映像やテキストとして記号が表示され、プレイヤーに意味が伝わるという仕組みになってます。

ゲームを語る時に、画面上の”記号”とその記号が示す”内容”がゴッチャにされるケースが多くて困るという話があります。

例えば、PONGの画面で言うと、表示されている”ドット”や”バー”は記号ですが、PONGを卓球に見立てるとするならば、これらは”ボール”や”ラケット”と呼ぶこともできますが、それは記号の内容について言っている…という話になります。

PONGの中央の点線は、記号としては”点線”ですが、内容は何を指してるのか？というと、よく分かりません。ゲーム的にも、別にこの点線が無くても困りません。つまり、この点線は記号ではありません。（記号が示す内容が無いから）

さて、ゲーム画面上に記号がある事は分かりましたが、サウンドについてはどうでしょう？
BGMは、表してる内容がありませんから、大抵は記号ではありません。

SEは、例えばマリオが移動してる時に鳴る音は、”マリオの足音”という内容がありますので、記号ではありますが、まあ別に画面だけ見ればマリオが動いてる事は分かりますから、画面でも同じ記号が表示されてる事になります。つまり、音を消してたとしても遊ぶのに支障はありません。

音でしか表示されない記号も稀にあるらしいです。ドラクエ２の「やまびこのふえ」というアイテムを使うと、もし画面内に”もんしょう”があればSEが鳴ります。SEが鳴るだけで画面上では何も起きないので音を消してプレイしてたらここだけは詰みます。

コントローラの振動とかは記号を表すのか？というと、特定の内容を持っているという感じでもないので、記号では無さそうです。

で、何なのか？と言うと、ゲームでは聴覚とか触覚よりも視覚の記号が重要だから、この本では視覚について重点的に話すという事です。

次に、インタラクティブについて。
ゲームは一般的にインタラクティブなものだと言われていますが、プレイヤーが相互作用しているのは画面上の記号だけなのでしょうか？

たとえば、パックマンは256面をクリアすると画面がバグッて壊れてしまいますが、それでもプレイ続行できます。
この場合、プレイヤーが画面上の記号と相互作用しているというより、画面の背後にある、ゲームメカニクスと相互作用しているというのが正しいでしょう。

とは言え、普通はゲームメカニクスは画面上の記号と一致しています。つまり、プレイヤーは画面上の記号と相互作用しつつ、同時にゲームメカニクスとも相互作用する感じになります。

だから何なの？というと、ゲームメカニクスの一部の情報をわざと画面から隠す事で面白くする事も可能になります。たとえば、アドベンチャーゲームでは情報を隠す事でプレイヤーは推理を楽しめたりします。

ゲーセンのクレーンゲームとかは見たまんまのゲーム機と直接相互作用するので、そういう敢えて何か情報を隠して楽しませるみたいな遊びはできません。

第五章　ビデオゲームの意味論

ゲームの画面は、ゲームメカニクスを表す記号であると同時に、フィクション世界を表す記号でもあります。
フィクション世界って何じゃ？というと、マリオで言えば”マリオという人間が生きていて生活しているキノコ王国の世界”です。

という事は、ゲーム画面上の記号は、ゲームメカニクス世界についての内容を持っている場合と、フィクション世界の内容を持っている場合があります。

マリオの画面で言うと、画面上のスコア表示の記号は、ゲームメカニクス世界では”スコア表示”を表していますが、フィクション世界の内容は持ってません。
その逆に背景の雲とか山とかの記号は、ゲームメカニクス世界での内容を持ってません（ゲーム的には無意味）が、フィクション世界での”雲”や”山”を表しています。

マリオの記号については、ゲームメカニクス世界では”プレイヤーキャラ”を表しており、フィクション世界では”マリオという人間”を表しています。

第六章　虚構世界

ゲームにはインタラクティブなフィクションという側面があります。

プレイヤーは、プレイヤーキャラを通じてゲームのフィクション世界に入り込んで同一化します。

例えば、ドラクエ５ではプレイヤーは結婚相手でビアンカを選ぶかフローラを選ぶか、２択を強いられます。
ここでプレイヤーがフローラを選んでしまったら、ビアンカは山奥で寂しく暮らす事になります。
そうすると、プレイヤーは罪悪感を抱えて自分の選択の過ちを後悔したりします。

この時、プレイヤーはゲームのフィクション世界に没入して、キャラクターの気持ちを考えたり、助けたいと思ったりします。

こういうのはゲームというインタラクティブなフィクションならではです。

また、プレイヤーキャラと自分が単に同一化するパターン以外に、ゲームのキャラクターに自分がなりきってロールプレイするパターンもあります。

その場合は、プレイヤーは自分が選択するというよりは、「このキャラだったらどういう選択をするだろうか？」と想像して行動を選択するので、その選択が悲劇を引き起こしたとしても、「オレのせいじゃねえ！このキャラがやった！」って思いがちです。

さて、ゲームはインタラクティブなフィクションというだけでなく、ゲームメカニクスを持ったゲームという側面も当然持ってます。

ドラクエ５で結婚相手をキャラ性能だけで選ぶ人もいるかもしれませんが、その人はフィクション世界よりゲームメカニクス世界の方に関心がある事になります。

第七章　ゲームメカニクス

ゲームメカニクスはプレイヤーの行為をデザインするモノだと言えます。

ゲームプレイヤーが何故ゲームを遊ぶのか？というと、ゲームが遊びたいからとしか言いようがありません。

ゲームは必ずしもそれ自体が遊んでて楽しいとは限りません。割と苦行なゲームもあったりします。

ですが、格ゲーが上手い人とかFPSが上手い人のプレイを観てると、「センスあるなあ、カッコいいなあ」と思ったりします。（美的行為）

ですから自分もそうしたいと思うからゲームを遊ぶと言えるかもしれません。

という事は、ゲームメカニクスを設計する人は、そういう状況が生まれるように考えなきゃいけませんが（美的行為のデザイン）、これは簡単な事じゃないでしょう。

第Ⅲ部　二つの意味のあいだで遊ぶ　

第八章　二種類の意味論の相互作用

ゲームでは、ゲームプレイヤーは普通、画面上の記号のフィクション世界での内容を見て、ゲームメカニクス世界での内容を類推します。

例えば、ドラクエで階段を見たら、「まあゲームメカニクス的にはここに移動すると別のフロアに移動できるんだろう。」と自然に想像します。

これはまあ一種の推理ですが、別にたのしい推理ではありません。たのしい推理をさせられるようになると、それは謎解きのゲーム性が生まれて、たとえば推理アドベンチャーゲームみたくなります。

「MOTHER」では、家のドアに入れるドアと入れないドアがあって、最初は何で入れないの！？と驚きます。フィクション世界からの類推が上手く機能しないパターンです。

また、ゲームにはシミュレーションの側面があります。つまり、ゲームメカニクスがフィクション世界をモデル化しているという事です。

例えばRPGでキャラのパラメータは、フィクション世界でのそのキャラの能力をモデル化しています。
クラウドというキャラがティファというキャラよりHPが多ければ、フィクション世界上でもクラウドはティファよりタフなんだろうなあと想像します。

これはゲームメカニクスを見てフィクション世界を想像したわけで、ドラクエのフィクション世界の階段を見てゲームメカニクスを類推したのと逆の流れです。

他の例では、Simcityに出てくる原子力発電所の記号は、それが示すフィクション世界上の”原子力発電所”という内容を見て、プレイヤーは「普段は公害が出ないけどたまにメルトダウンとかしそうだな」というゲームメカニクス上の機能を想像します。実際、それは「たまにメルトダウンする」というゲームメカニクスを持っていて、フィクション世界上で原子力発電所を建設する事のリスクをシミュレートしています。

そのような感じで、大半のビデオゲームでは、ゲームメカニクスによってフィクション世界の内容がシミュレートされると同時に、画面上で直接、テキストや画像としてフィクション世界の内容が表されています。

例えばFF７での飛空艇は画像としてフィクション世界での飛空艇という内容が表されているのと同時に、またそれは空を飛行できるというゲームメカニクスによってフィクション世界の飛空艇をシミュレートしています。まあゲームでは大抵は何でもそうなっているという事です。

第九章　ビデオゲームの空間

2Dゲームとか3Dゲームとか言いますが、そもそも、ゲームの画面上での空間表現と、ゲームメカニクス上の空間表現はしばしば一致しません。

FPSとかだと、画面で見える空間表現とゲームメカニクス上での空間表現はピッタリ一致します。

しかし、スマブラなんかだと、画面的には3Dグラフィックスで、見た感じは奥や手前にも行けそうですが、実際のゲームメカニクス的には上下左右の二次元的にしか移動できません。

第十章　ビデオゲームの時間

ゲームには３種類の時間があります。
まず、ゲームをプレイしている間の現実での時間の進み方、実時間。
次に、ゲーム世界での時間の進み方、ゲーム時間。
それから、フィクション世界での時間、虚構時間。

リアルタイム性のあるゲームだと、実時間と同じようにゲーム時間も流れます。
しかし、ターンベースとかだと、ターン中はゲーム時間が止まってて、ターンが切り替わるごとにゲーム時間が一気にポンと進んだりします。

第十一章　プレイヤーの虚構的行為

例えば、ゲームを遊んでるS君を見て、「Sはキノコを取った」とか「Sは宿屋に泊まった」とか言いがちです。

でも、現実世界にいるS君が、フィクション世界のキノコを取るなんて不可能ですよね？
それなのに何でこういう言い方をしてしまうのか？

まあでも、将棋で遊ぶ時にも「飛車を取る」とか言いますよね。
これは現実で行ってるゲーム行為です。
また、飛車を取るいうのは実際には飛車を表す記号である”飛車と書かれた駒”を取ってます。

これをマリオで言うと、まずプレイヤーは１UPしたいと思ってコントローラでマリオを操作するというゲーム行為を行います。
このゲーム行為によって、フィクション世界でマリオがキノコを手に入れている様子が画面上に記号として表されます。
で、この”フィクション世界でマリオがキノコを手に入れている様子”を記述しようとすれば、フィクション上での語彙「キノコを取る」が使われます。
つまり、このゲーム行為は「キノコを取る」という言い方になります。
で、そのゲーム行為を行ったのは、現実世界のプレイヤーですから、「Sはキノコを取った」という言い方は正しいという事になります。

さて、だから何だ？という話ですが、まあ例えばFPSで敵を殺した時に、「Sは敵を殺した」という言い方になりますが、これは現実にS君が殺人したわけじゃなくて、S君はゲーム行為としてゲームメカニクス上で敵を殺しただけだからセーフという話ができたりするという事です。

第十二章　行為のシミュレーション

ビデオゲームは行為のシミュレーションとして捉える事もできます。

でも、「シミュレーションってのは普通、現実世界の何かをシミュレートして解を求めたりするのに使うんだが、ゲームのシミュレーションって違くね？」という人もいます。

フィクションはシミュレートできないのでしょうか？
でも、例えばガンプラとかありますが、あれはフィクションのロボットをモデル化したものですから、という事はフィクションのモデル化、つまりシミュレーションは可能に思えます。

ちなみに、モデルとその対象は必ずしも似てません。
例えば、鉄道模型は実際の鉄道と比べるとサイズも材質も違います。
まあ形だけは似てます。

つまり、モデルはそれが表してる性質の一部の特徴を抽出したものだと言えます。

ビデオゲームをシミュレーションだと捉えると、フィクション世界をモデル化したものがゲームメカニクスだと言えます。

まあ歴史シミュレーションやフライトシミュレータのように、必ずしもフィクション世界じゃなくて現実世界をモデル化してる場合もありますが。

「ぷよぷよ」とかは別にゲームメカニクスが何かフィクション世界をシミュレートしてるとかいうわけでもありません。

まあ、こういうのはある程度解釈の問題です。
「テトリス」を「アメリカの過重労働社会のシミュレーションだ！」と解釈する人もいます。（何言ってだ）

それで、ゲームが行為のシミュレーションだとすると、プレイヤーがゲームメカニクスに対して行った行為がフィクション世界上での行為に見立てられる時にそれが成立する事になります。

ですから、ゲームメカニクスはプレイヤーに①ゲームでできる事（移動とか戦闘とか）②ゲームでできる事についての情報（薬草を使うとHPが回復するよ、とか）③目標（ゲームクリア）　を与えます。

プレイヤーはこれらを元にゲームをプレイしますが、ゲームプレイがフィクション世界での勇者の行動に見立てられる場合（例えばプレイヤーがキャラを洞窟に移動させる事は、フィクション世界では勇者が洞窟に探検しに潜ったと見立てられる）、行為のシミュレーションが成立します。

この例ではゲーム行為は勇者の行為をシミュレートしてる事になりますが、このように、普通はゲームではプレイヤーキャラの行為をシミュレートします。ゴッドゲームではその世界の神の行為をシミュレートします。

ゲーム行為とフィクション上での行為は、一部しか似ていない場合があります。

例えばGTA4では車を強奪できますが、コントローラのボタンを１回押すだけで、プレイヤーキャラのニコはドアを開けて、中の運転手を引きずり出して、車に乗って、ドアを閉めます。

この時、プレイヤーはたしかに「車を強奪する」というゲーム行為はしましたが、その中の「ドアを開ける」「運転手を引きずり出す」みたいな細かい行為をプレイヤーがしたとは言えないでしょう。

さて、行為のシミュレーションは、必ずしもインタラクティブなフィクションとして機能しません。
と言うのは、必ずしもプレイヤーはフィクション世界上での動機によって行為するわけでは無いからです。例えば、車を強奪するのも、単にシナリオを進行させるために必要だからやるのかもしれません。
その場合は、プレイヤーはフィクション世界でなくゲームメカニクス世界のために行為してる事になります。ドラクエ５でキャラ性能だけ見てフローラと結婚するプレイヤーもインタラクティブなフィクションをやってるとは言えません。（でも性能的にはフローラだけどビアンカにも幸せになって欲しい…みたいなフィクション世界での都合とゲームメカニクス的な都合の間で悩むプレイヤーもいそうだ）

逆に、インタラクティブなフィクションが全て行為のシミュレーションであるとも限りません。
インタラクティブなフィクションではプレイヤーの選択によってフィクション世界で変化が起きますが、それだけなら別にゲームメカニクスが無くても成立するからです。

ところで、行為のシミュレーションでは、そのシミュレートの写実性によって、プレイヤー行為とフィクション世界の結びつきが成立します。

シミュレーションの写実性というのは、正確で情報量の多い形で対象をシミュレートする事で成立します。

とは言え、何でもシミュレートすればいいのかと言って、例えばRPGやFPSに便意のパラメータを持ち込んで時々トイレに行くハメになるようなシミュレーションを組み込まれても、イヤです。

つまり、リアルならいいってもんじゃなくて、プレイヤーがそのゲームに期待するものに対して正確で情報量の多い形でシミュレートする必要があるという事です。

それから、ゲームグラフィックスがリアルかどうかというのは、シミュレーションの写実性とは基本的に関係ありません。

とは言え、「電車でGO！」みたいなゲームだと、運転士による電車の運転をシミュレートしてるわけで、そうなると一人称視点でグラフィックスが描かれてる必要はあるだろう。みたいな事はあります。

終章　そして遊びの哲学へ

この本の構想について。

この本では、ゲームを遊ぶ目的は、そのゲームが遊びたいからという話をしました。（自己目的的）
というのは、ゲームを上手くプレイするのはセンスがあってカッコイイから（美的行為）です。

美的行為とか言い出したのは、ビデオゲームに限らず、ゲーム全般を”行為の芸術”として捉えてはどうかと思ったからです。

人間の活動には、見たり聴いたりするもの（インプット）と、自分がやったりするもの（アウトプット）の二種類があります。

素晴らしいものを見たり聴いたりする（インプット）のは美的経験と言えるかもしれません。
そして美的経験をもたらすようにデザインされたモノが芸術作品なのかもしれません。

とすれば、自分がやったりするもの（アウトプット）の方でも同じような事が言えるかもしれません。
素晴らしい行為、カッコイイ行為（美的行為）をもたらすようにデザインされたモノがゲームだと言えるかもしれません。

そのような行為のデザインは、本文で述べたように、目標を設定し、目標達成が可能な手段を作り、そしてそれについての信念を与えるために情報をコントロールする事で可能になります。

おわり

というわけで、「ビデオゲームの美学」のメモでした。

正直言って、私の読解力の問題で、何回読んでもなんだかよく分からない点が結構あったので、ちゃんとした要約として機能しないと思います。せいぜい個人的なメモ書きです。
あと、本には書いてない事を勝手に付け足したりしたところもあります。
この記事を読んだだけで済ませずに、かならず元の本も読んでください。

さて、私がこの本を読んでみて、惹かれた点は、まず、この本は”ビデオゲームならではの特徴”を明らかにしようとしている点です。
何か企画があって、それを作品にしようと思った時に、そもそもそれはゲームとして作るべきなのか？マンガとして作った方がいいのでは？みたいな判断が必要になりますから、ゲームならではの特徴を知っておくことで正しい判断が下せるでしょう。

また、ゲームにはフィクション世界とゲームメカニクス世界の二つの世界が同時に存在している、的な考え方も目からウロコでした。
これだけで世の中のゲームについてあーだこーだ分析めいた事ができそうです。

例えば、マリオの緑キノコという記号は、フィクション世界的には”キノコ”を表していて、ゲームメカニクス的には”1UPアイテム”です。プレイヤーが緑キノコを取るのはフィクション世界上では”マリオがキノコを手に入れる”という行為をシミュレートしています。
それはいいんですが、「何でキノコを手に入れたらマリオが１機増えるんだ？」というフィクション世界上での行為とゲームメカニクス的な結果の繋がりは謎と言えば謎です。

それに対して、ロックマンでは、自分の頭の形をしたアイコン、つまり自分自身が1UPアイテムです。これはゲームメカニクス的には”1UPアイテム”ですが、フィクション世界上での何かを表しているとは思えません。（敵の拠点の中に何故かロックマンの予備のボディが置かれているとでもいうのか？）
まあこれなら「何でキノコを取ったら１UPなんだよ？」とか言われなくて済みます。「自分を取ったんだから１UPって見りゃ分かるだろ！」という事です。
ですからある意味キノコより直感的なのかもしれませんが、しかしロックマンで1UPを取る事はいかなるフィクション世界上での行為のシミュレートでもありません。これはプレイヤーとフィクション世界の結びつきを弱めます。
つまり、ゲームプレイヤーがロックマンになりきって同一化していたとして（そんななるか？）、１UPアイテムを取った時に、「１UPアイテムってなんだ？」とか思って急に没入感がシラケるかもしれません。

つまり、マリオのキノコとロックマンの1UPアイテムは一長一短と言えます。

ちなみにボンボンのロックマンの漫画では、1UPアイテムはそういうカプセル食品？という表現になっていて、これによりフィクション世界での行為のシミュレートを成立させています↓

ファミコンのロックマンはドット絵のゲームですから比較的抽象的な表現ですから、最近の３Dのゲームほど具体的な表現はされてないですから確かにこういう言い逃れは可能でしょう。

たとえば「ワンダと巨像」みたいなゲームだと、ゲームメカニクス的な分かりやすさよりもフィクション世界への没入が重視されるでしょうから、食べると握力が上がるアイテムは”トカゲのしっぽ”という事になります。これがもしアルファベットのP（パワーアップ）のアイコンがピカピカ点滅しながら回転しながら地面に置かれていたりしたら、フィクション世界が崩壊する事は目に見えています。

とまあ、こんな感じで、ゲームのフィクション世界とゲームメカニクス世界を分けて考える事で、ゲーム設計についてもそれっぽい事があーだこーだ言えて面白いです。

去年はICOが発売して20周年という事で、色々と特集記事とか出たりしてました。

様々なゲームクリエイターがICOに影響を受けていたという話も出てました。

フロムソフトウェアの現社長で、ダークソウルとかを作った宮崎英高さんなんか、当時たまたまICOをプレイしてぶったまげて完全に無言になって急に会社を辞めてフロムソフトウェアに入ったそうです。

人間の人生をコロッと変えちゃってダークソウルみたいなゲームが生まれる事に寄与してしまうような何らかのクソデカい魅力がICOというゲームにはあるという事です。

確かに分かるわあ。
私もICO好きですから。

自分でゲーム作るならICOみたいなゲーム作りたいよなあみたいな適当な事考えちゃいますね。

というわけで、一体何故ICOというゲームは特別なんだろう？という点について考えてみようと思います。

まあ、今回も特に根拠とか提示せずに何となく思い付いた仮説を書く感じになります。

ICOの３つの特徴

ICOが特別なゲームである理由ですが、以下の３つの特徴を兼ね備えてるからだと考えました。

①プレイヤーがICOの世界に没入できる

②ICOの世界でヨルダが生きていて存在している事が信じられる

③ゲーム世界が比較的現実に近い

最初は①だけで考えてましたが、ゲーム世界に没入出来るだけならそういうゲームは他にもあります。

そこで②の特徴を足してみましたが、よく考えるとマイクラはそれなりに①も②もありそうだけどマイクラはちょっと違う気がする…と思ったので③の特徴も要件として足してみました。

この①～③の特徴が揃う事で、あたかもゲームプレイヤーが自分とヨルダが同じ世界に存在しているように感じることができて、それがICOの体験を特別たらしめている…という仮説です。

我々はフィクションのキャラクタと同じ世界に存在することができるか？

我々は、フィクションのキャラクターと同じ世界に存在する事が可能だろうか？

ある意味で、これは私がずっと考えてきた問題だったような気がします。

それで、どうやったら自分がフィクションのキャラクターと同じ世界に存在できるようになりますか？

一つ目の方法としては、キャラクターを現実世界に連れてくる方法が考えられます。

私はこれを実現するために、AR技術が使えるんじゃないか？と考えて、自分でもARでキャラクターを表示できるアプリとかを作ったりしてみました。

しかし、残念ながら実際やってみたらかなりシラケた気分になりました。

AR技術によって、例えばスマホカメラ越しに、現実世界にキャラが存在するように表示して見せる事はできますが、だからといってキャラが本当に現実世界にやって来た！と信じられるか？というと、まあそんな訳ないだろ！（やる前に気付くべき）

これはスマホVRだからダメとかじゃなくて、HoloLensのようなARグラスでもダメでした。
いや、ARグラスは表示するモノが全部透けてしまう分、さらに実在感が薄いかもしれません。

なぜシラケちゃうのか？と言うと、まあキャラとできる相互作用が限定的だから…とか要因は色々考えられますが、例えば大人が着ぐるみのアンパンマンショーを見ても、子供の時みたいにそれが本物のアンパンマンだと信じられないに決まってる…みたいな常識的に考えれば分かる問題かもしれません。

（ちなみに、伊集院光さんが言ってましたが、別に子供の時だってショーのライダーや戦隊が本物だなんて信じてなかったと思うけど、何故か子供の頃はそれでもシラケずに夢中になれた、みたいな事を指摘されてました）

さて、現実世界にキャラを連れてくる事に失敗したなら、逆に自分がキャラクターがいる世界に入っていけばいいのでは？と考えます。

私はこのアイデアにかなり夢中でしたから、そのためにUnityでVRアプリを制作するVRエンジニアとかやっていた…というか今でもやってるような状態です。

VRなら、容易に3DCGで構築された世界に自分が没入していく事が可能です。
さあ、あとはそこにキャラクターを表示すればいいだけ！…それでどうなったか？

たしかに、自分がそのキャラと同じ世界に今存在している！という迫真性は結構出せました。
しかし、キャラがその世界にたしかに存在して生きている！という感じが出せません！

どういう事かと言うと、VRでは両手のコントローラでVR世界のモノを直接触る事ができます。
つまり、VR世界の中で自由自在にアクションする能力を得たわけで、じゃあキャラクターの顔を触ったりまあ言うたらおっぱい触ったりもできちゃうわけですが、そういう事をしたとしても、キャラクターはこちらが期待するようなリアクションを返してくれるわけではありません。（まあちゃんとリアクションを実装すればいいんだけど、キリが無いし、どういうリアクションを期待するかは人それぞれ）

全然人間らしいリアクションを返してくれないと、ああ、作りものなんだな、所詮ゲームだなとか思い始めて、キャラがその世界でちゃんと生きているなんて思えません。

例えばこちらのVRカノジョのプレイ動画では、カノジョがいる部屋でモノを投げまくったりして遊んでますが、カノジョはビックリしてみせたりもせず、無反応です。

というか、そもそもプレイヤーが本当にカノジョが生きて存在していると信じてたら、現実世界において非常識な行動はVR世界でもやらないはずです。

というわけで、今のところは「VRでキャラに会う」みたいな方法もやや貧弱な結果をもたらし、私は落胆しました。

それでやっとICOの話に入りますが、ICOではプレイヤーをなるべくゲームの世界に没入させるという、私がVRで試みた作戦に近い事をやっています。

さらにその上で、ICOではヨルダがゲーム世界に実際に存在して生きている、という風に感じる事ができるように工夫しています。これは私がVRで失敗した点を上手くクリアしているという事です。

プレイヤーがICOの世界に没入して、主人公の少年と同一化した上で、ICOの世界でヨルダが生きて存在していると信じられる事で、あたかもプレイヤーがヨルダと同じ世界にいるかのごとく感じることができます。

プレイヤーがゲーム世界に没入できるための仕組み

ところで、松永伸司さんは「ビデオゲームの美学」などで、「プレイヤーがゲームに没入するとか、プレイヤーがキャラと同一化するとかよく言うけど、それってつまりどういう事なん？」という話をされてます。

松永さんによると、「行為のシミュレーションが写実的な場合にプレイヤーはゲームに没入できる」的な事らしいです。

ゲームプレイがフィクション世界上での行為として見立てられて、かつそれらが一致しているほど行為のシミュレーションが写実的だと言えます。

さらに、松永さんはナラティブの概念についても、それはプレイヤーについての物語という事だとしています。
ゲームプレイとその結果がフィクション世界上でのプレイヤーキャラの物語に見立てられ、かつそれらが一致しているほどプレイヤーにとってリアルに感じられて、ナラティブになります。

例えばファミコンのドラクエとICOの戦闘は、どちらが没入的か？を考えてみます。

ドラクエでの戦闘は、フィクション世界上での戦闘に見立てられます。ゲームでりゅうおうを倒す事は、フィクション世界でもりゅうおうを退治する事だからです。

しかし、ドラクエでの戦闘は、フィクション世界上で行われてるであろう戦闘とは必ずしも似てません。
フィクション世界上では激しいアクションを伴って戦いが繰り広げられていそうですが、プレイヤーが戦闘時に行うゲームプレイは”たたかう”とかのコマンドを入力して成り行きを見守るだけだからです。

それに比べると、ICOでの戦闘はフィクション世界上での戦闘を比較的忠実に再現しています。
プレイヤーは自分で走り回って棒を振り回して影をぶん殴って追い払ったり、影に引きずり込まれかけたヨルダの手を繋いで引きずり出したりします。

というわけで、ドラクエよりICOの方が戦闘は没入感が高いという事が言えそうですが、だからといってICOの方が面白いとか言ってるわけでは無いです。

没入感が高けりゃいいのか？とか言ってません。
ただここでは没入感が高い事はヨルダとプレイヤーが同じ世界に存在するように感じられるための条件の一つだと言ってるにすぎません。

比較的ゲーム性が薄い

いきなりディスか？と思われそうですが、まあ聞いてください。

私はこの前「黄昏ニ眠ル街」というゲームを遊んでいました。
このゲームはグラフィックスがかなり綺麗で、私は最初背景をしげしげ眺めてゲーム世界に没入してました。
しかし、てっきり私は雰囲気ゲーだと思っていたのに、アクションパートではかなりシビアなジャンプアクションが要求されました。
落下して死ぬたびに段々とゲームにムキになっていってしまい、急速に背景のグラフィックスの良さとかがどうでも良くなっていく自分を感じました。

他の例でも、「ハーフリアル」という本で書いてましたが、Quake3のプレイヤーは最初は美麗なグラフィックを見て喜んでましたが、ゲームに慣れてくるとやがてグラフィックとかどうでも良くなってきて、グラフィック設定を下げる傾向があったそうです。グラフィックとかよりもfpsを上げたいというわけです。

私はゲーム性が高いとプレイヤーはゲームにムキになる…つまりフィクション世界からゲームメカニクスに関心が移行すると思います。そうすると、当然フィクション世界への没入は失われます。

ゲーム性が高いってどういう事か？というと、ゲームに目標が強く設定されていて、目標達成のためのゲームメカニクスも濃い状態だと思います。
そういうゲームは、上手くプレイしている人を見ると「センスある！カッコいい！」と感じます。

Quake3のようなFPSはゲーム性が高いでしょう。

ちなみに、ゲームにムキになってるプレイヤーは、フィクション世界的には非人道的な選択を平気でしがちです。例えばドラクエ５でキャラ性能だけでフローラを選ぶプレイヤーは、そのせいでビアンカが寂しい暮らしをするハメになっても気にしてないという事です。

このようなゲームプレイヤーがムキになると非人道的になる事を皮肉っているのがUndertaleのGルートだと思います。プレイヤーはゲームを進行させたいがためにモンスターを皆殺しにするという非人道的な選択をします。（さらに、普通のRPGではモンスターを皆殺しにするのは基本的前提で当たり前の行為であるというのも皮肉ですが）

プレイヤーがゲームにムキになってる状態は、フィクション世界には没入してないものの、ゲームメカニクス世界に没入してると言えますので、はたから見てるとどちらもゲームにハマってるという点では何も変わってないように見えますが、プレイヤーの内面的には大きな変化が起きています。

ICOに話を戻しますが、ICOはゲーム性としてはパズルゲームの要素を持ってますが、プレイヤーがムキになるような難しいパズルはありません。

ですから、比較的ゲーム性が薄いので、プレイヤーがムキになって没入を阻害する事は起きにくいです。

画面にUI類が無い

大抵のゲームは画面上にゴチャゴチャとUI類が表示されています。

しかし、ICOでは画面上にUI類は一切表示されません。

どうして画面上にUI類があるとゲーム世界への没入を阻害するのか？というと、UIはメタ的な表現だからです。

例えばゲーム画面上にヒントとして矢印とか表示されたりしがちです。↓

この矢印出してるのって誰だよ？と考えてみると、まあゲームデザイナーが「ココ見ろ！」つって矢印を表示していると考える事も出来ます。

つまり、ゲーム世界と我々の現実世界の間に、ゲームデザイナー世界が差しはさまれてて、ゲーム世界の映像を見ながらヒントの矢印を表示しているゲームデザイナー世界の映像を、さらに我々が見ているわけです。

一段階余計な世界が挟まる事で、当然没入は弱くなります。
例えばアニメの映像の中でさらにアニメが表示されている、アニメ内アニメとかあったりしますが、アニメ内アニメは間接的すぎて感情移入するのは難しいでしょう。

これなんかでは、アニメに芸能人のワイプが表示されてます。↓

このケースだと、アニメを観ている芸能人を我々が見ている形になって、アニメへの没入はかなり阻害されます。

さて、そんな訳ですからUI類を排除した事でICOは没入感を高めることができました。

この方法の弱点は、ゲームメカニクスの情報をプレイヤーに一切伝えられない事です。
プレイヤーキャラのヒットポイントも、ミニマップも、ヒントの矢印も表示できません。

ですから、UI無しでも成立するように、むしろゲームメカニクスの方を相当シンプルにする必要があります。
たとえばICOでは少年のヒットポイントの概念はありません。少年は生きてるか死ぬかの２つの状態しかありません。

さらにヒントの矢印とかが表示できないのもかなりキツイ制限です。
プレイヤーはノーヒントで攻略を迫られがちになります。

ちなみにヨルダは自分が気になったものを指さすという形でプレイヤーにヒントを与えてくれる時もあります。

ちなみに「人食いの大鷲トリコ」でも、まあ普段はUI類は排除されてますが、操作説明のテキストとかは割と普通に表示されます。（ICOには一切無いから、最初は手あたり次第ボタン押してみるか、説明書を読むとかしかない）

テキスト表示が極めて少ない

ICOではUI類が無い事に加えてテキストが表示される事がほぼありません。

とは言え、必ずしもテキストがゲームへの没入を阻害するのか？と言われるとちょっとよく分かりません。
小節はテキストオンリーですが、小節を読んでいて作品世界に没入する事だってあるような気もします。

しかし、アクションゲームのゲーム体験と、そこに急にテキストメッセージが表示された時のテキスト体験の間には、分断があるっちゃあるような気がします。

まあそれを言うたらカットシーンだってゲーム操作を中断させられますが、ICOにはそれなりにカットシーンはあります。

たとえば、ステージをクリアするたびにテキストウインドウが出てきて少年とヨルダがテキストで掛け合いを喋るみたいな仕組みを入れたらどうですか？

ゲームのテキストが没入を阻害するのか？という話はハッキリした事は分かりませんが、プレイヤーが操作できない状態でキャラ同士が会話したりカットシーンを見させられる状況は、舞台の上の主役を演じていたプレイヤーをいきなり観客席にワープさせて観客化する行い…に例えられなくもないでしょう。

プレイヤーを没入させたいならそういう要素は無いに越した事は無いと言えそうです。

空間表現が現実的

まあ大抵の３Dアクションゲームはそうですが、空間のグラフィックス表現がリアルな３D表現で、ゲームメカニクス上の空間と一致しています。

こうすると、こうなってないゲームよりは没入感は上がります。

例えばスマブラでは見た目は3Dグラフィックスですが、ゲームメカニクス的には2Dでしか移動できません。
左右から挟み撃ちにされると、そんな事言ってもしゃーないと分かっていても「奥にかわせ！奥に！」とか思っちゃいます。

キャラ操作が身体感覚にマッチしている

コントローラを操作すると、主人公の少年はプレイヤーの身体感覚に即したアクションをしてくれます。
こうする事でプレイヤーと少年の同一化が促進されて没入感が増します。

たとえばワープしたり空を飛んだりビームを発射したりはできません。
人間にできないような事をキャラがやり出すと、「え？このキャラと自分ってちがくね？」と思って同一化が阻害されそうです。

格ゲーなんかでも、キャラの動きがプレイヤーの身体感覚に即してる事が重要とされています。
リュウの波動拳とかは即してないだろ！と言われると、あれはあくまで飛び道具で、たまに使うだけのスパイスみたいなもんで、基本はやはりパンチやキックが重要らしいです。

少年はあまり喋らない

少年はカットシーンでは喋るものの、インゲームではセリフはありません。（ヨルダへの呼びかけだけある）

プレイヤーが思っても無い事をプレイヤーキャラがあれこれ喋り出すと、プレイヤーは「このキャラと自分って違うな」と思ってキャラとの同一化が阻害されます。

例えばファイナルファンタジーでは比較的プレイヤーキャラがあれこれ喋るのに対して、ドラクエではプレイヤーキャラはあれこれ喋りません。選択肢もはい／いいえの形式で答えるので、プレイヤーの意に反する発言はしません。

ゲーム世界でヨルダが生きて存在していると信じられる仕組み

ICOでは、ヨルダの実在感を出すための仕組み…というよりは、ヨルダが人間では無いとバレちゃうのを防ぐような仕組みが色々入ってます。

プレイヤーがヨルダと手を繋いで引っ張って連れていくリアリティ

ICOでは、プレイヤーが実際にヨルダを連れ回す必要があります。
実際に、とはどういうことかと言うと、具体的にはコントローラのR1ボタンを押して、ヨルダに「こっちに来い」と呼びかけるか、手を繋いで引っ張って先に進む必要があるという事です。

それまでのゲームでは、プレイヤーが「自分が実際にNPCを連れて行ってる」と感じられるようなゲームは多くなかったでしょう。

たとえばFF8ではパーティ３人でマップを歩き回れますが、スコールの後ろを他の二人は忠実に付いてきます。スコールが移動してるのを見て追ってくる、というよりは、ラグ無しで完全にスコールの移動をなぞってきます。

まあ、スーファミのドラクエとかも同じっちゃ同じなのですが、FF8はキャラの頭身が上がってグラフィックスがリアルになってる分だけシュールです。

FF8の移動をネタにした動画とかもあります↓

つまり、FF8のNPCには意思が感じられないという事です。

これは不自然だったな…と思ったのか、FF10ではティーダ一人だけ表示されるようになりました。

で、FF12ではやっぱりNPCが付いてくる形になりましたが、FF8と比べると、ちゃんとプレイヤーキャラが動き出したのを見て付いてくるような挙動をするので、人間が付いてきている感は増しました。

しかし、それでもひたすら忠実にプレイヤーキャラの後ろを付いてくるのはあまり人間味を感じません。
もっとプレイヤーを無視して多少好き勝手に歩き回ったり、言い合いになったり、人間らしい行動をしてみせてもいいんじゃないでしょうか？

「そんな事言ってたらキリないだろ！」「それがゲームのお約束だろ！」と言われると、まあそれはそうです。

細かい事言い出すと実装が無限に大変になるのは分かりきってます。
でもまあ、スーファミのドラクエとかやってた時には気にならなかった事です。

スーファミRPGはドット絵で記号的な表現でしたから、すべてが”見立て”でできてました。
しかしPSやPS2でキャラがポリゴンになって写実的になってるのを見たら、キャラの挙動だってもっとリアルになる事を期待してしまいます。

まあ、こんな風にグラフィックだけが先行して進化していた状況では、プレイヤーは潜在的にフラストレーションを溜めていたわけです。

ところがICOではヨルダは勝手についてきたりしません。
普通に考えるとぼーっと突っ立ってるよりは勝手についてきてくれる方が人間味を感じるような気がしますが、機械的に付いてくるとFF8的なシュールさが発生するのでむしろ突っ立ってる方が、”非人間性を露呈しない”だけマシです。

（ヨルダは完全に棒立ちではなくて、ちょっとだけ自律的に動いたりします。興味のあるものに近づいて行ったりもします）

やろうと思えばヨルダを置き去りにしてどんどんマップを進んでいく事も可能です。（まあ結局ヨルダにしか開けられない扉があるから連れてくるしか無いんですが）
普通のゲームならご都合主義的なシステムの助けでヨルダがワープして付いてきてたりするところですが、ヨルダは置き去り地点にずっといます。

というわけで、ヨルダは動かないのでプレイヤーが自分で手を引っ張って連れていくしかありません。
（ちなみに”プレイヤーがヨルダを引っ張って連れていく”なんて書き方ができるのは、あたかもプレイヤーに自分がやってると感じさせるのに成功しているという意味で、没入感が高いゲームである証拠でしょう。だって本当はヨルダを引っ張ってるのは主人公の少年のハズです。）

実際にヨルダを連れて行くのは主人公の少年ですが、操作としてはR1を押しっぱにしてヨルダの手を繋いだ状態で移動して引き回す事になります。
R1押しっぱと言うのはかなり意識的な操作が要求されます。

これにより、プレイヤーがヨルダを自分で連れていく、という事のリアリティが上がり、それは行為のシミュレートになりますから没入感が上がります。
ここまでマジな意味でNPCを連れていくゲームはそれまで少なかったので、それがICOを特別なものにしています。

プレイヤーからヨルダへの働きかけが制限されている

ICOではプレイヤーからヨルダへの働きかけはR1ボタンにまとめられています。

距離が近い時は、手を繋ぎます。
距離が少し離れてる時は、「オンソワ」とか言ってこちらに来るよう呼びかけます。
距離がだいぶ離れてる時は「オーイ」って叫んで呼びかけます。

プレイヤーがヨルダに対して出来る事はこれだけです。
あとはしいて言えばセーブポイントのソファに座るとヨルダも隣に座ってくれますが。（これはフィクション世界的には二人は休憩するという意味です）

VRでは、プレイヤーはNPCに対してあらゆる働きかけをする事ができます。
しかし、それが仇になります。

プレイヤーからの働きかけに対してVRのNPCは適切に応答してくれません。（応答してくれたとしても、何回やっても同じ反応だったり）

これにより、かえってNPCの実在性は失われます。

ICOではプレイヤーからヨルダへの働きかけはR1ボタンしかありません。
その代わり、プレイヤーはヨルダの反応にあれこれ余計な期待を持たずに済みます。
ですから、ヨルダの実在性は破綻しずらいです。

まあそうは言っても、例えば棒で殴りかかっても無反応…みたいな所はあるっちゃあるんですけど。

ヨルダには意思がない

ヨルダは意思を持たないか、あるいは極めて意思が薄そうな受け身なキャラみたいに表現されてます。

これもまたゲーム的にヨルダのリアクションが薄い事の説明になってます。

仮にヨルダをもっと活発なキャラ、例えば極端な話、ドラゴンボールの悟空に差し替えたらどうなるでしょう？
悟空が無言でぼーっと突っ立ってて、手を引っ張って連れて行かないと自分では動かないとかだったら…怖いだろうが！

アニメキャラをVRに突っ込んだ時も同様の問題があります。

そもそも無反応な感じのキャラって事にする事で齟齬は減らせます。

ヨルダは喋らない

少年もヨルダも架空の言語を話します。

ただし、カットシーンで少年の台詞には日本語の字幕が付いてるのに対して、ヨルダの台詞は意味不明な記号の字幕が表示されます。

これは、日本人と外国人みたいな感じで、言葉が通じない事を表しています。

そもそもゲームのAIでは高度な知能を表現できませんから、プレイヤーとNPCが高いレベルで意思疎通できる事は期待できません。

少年とヨルダが言葉が通じない事は、意思疎通がややギクシャクだったとしてもしゃーないと正当化できます。

閉じ込められているという状況

少年と少女が異世界とかに行ったりして、二人で協力して冒険する、みたいは話はボーイミーツガール＋ジュブナイルな感じで児童小説とかでよく見られるパターンです。
例えば「二分間の冒険」とか、あとはラピュタとかもそうかもしれません。

ICOに対して「絵本みたい」という感想があるそうですが、こういう点に由来しそうです。

ICOは非言語的なゲームでテキストがほとんどありませんから、あまりややこしいシナリオは語れません。
テキストが無くても誰が見ても何をすればいいか分かる状況を設定する必要があります。

少年とヨルダは城の中に閉じ込められているので、「二人で協力して脱出しなきゃ！」と誰でも自然に思います。

もしもこれが二人が閉じ込められていない、自由な状況だとしたら、プレイヤーは各々好き勝手な期待を持ち始めます。「ヨルダと二人で旅をしたいなあ」とか、「ヨルダを無視してどんどん進んでいってもいいじゃん」とかそれぞれ勝手に期待しますが、ゲームはプレイヤーのあらゆる期待を叶えるようにはできません。
二人を城に閉じ込めておく事で、プレイヤーがゲームに何を期待するのか？をコントロールできます。

「SAVE THE CATの法則」という本で、「脚本が原始人でも分かるかどうか考えろ」という話が出てきます。

https://books.google.co.jp/books?id=EuJmDwAAQBAJ&pg=PA91&lpg=PA91&dq=%E5%8E%9F%E5%A7%8B%E4%BA%BA%E3%81%A7%E3%82%82%E5%88%86%E3%81%8B%E3%82%8B&source=bl&ots=wKT6tyEJ-Z&sig=ACfU3U0jhD-Bp_ok8LwDiUYwb4E5T0z7GQ&hl=ja&sa=X&ved=2ahUKEwjVgreh2qL1AhUOfd4KHbx4CRIQ6AF6BAgTEAM#v=onepage&q=%E5%8E%9F%E5%A7%8B%E4%BA%BA%E3%81%A7%E3%82%82%E5%88%86%E3%81%8B%E3%82%8B&f=false

キャラクターが原始人でも分かるような本能的な動機で行動する話は、世界中の誰にでも共感する事ができます。

ICOの閉じ込められた場所から脱出する、という動機もシンプルですが本能的な動機ですから、テキストが無くても誰でも理解、共感できます。

ヨルダの生殺与奪権は自分が握っている

ヨルダはしばしば”影”（モンスターみたいなの）に連れ去られて影の中に引きずり込まれてしまいそうになります。
放っておくとヨルダはある意味で死ぬという事です。

ヨルダを助けることができるのはプレイヤーしかいません。
こういう状況では、プレイヤーはヨルダへの愛着を深めがちです。

例えばハムスターを飼っている方で、「ハムスターは私がもし握りつぶしたら死んじゃう所がかわいい」みたいなツイートを見た事があります。

上田さんはレミングスの影響を受けているそうです。
レミングスでも彼らの生殺与奪権は全てプレイヤーが握っています。

プレイヤーがNPCの生殺与奪を握ってるという点を突き詰めると、たとえば「やばたにえん」みたいなゲームになります。

ゲーム世界が比較的現実世界に近い

上で①と②の特徴だけならマイクラもそんな感じという話をしました。

”①プレイヤーがゲーム世界に没入できるための仕組み”については、ほとんどマイクラでも当てはまります。
ですから、実際マイクラの没入感は高いです。

”②ゲーム世界でヨルダが生きて存在していると信じられる仕組み”についても、例えばマイクラの村人とかでもほとんど当てはまります。
ですから、たしかに村人がマイクラ世界で実際に生きていて存在していると感じられます。

じゃあマイクラとICOって同じなのか？と言われると、でも違うんだよな…という気がします。

というわけで持ち出したのがこの3つ目の特徴です。
ようするにICOの方がゲームグラフィックスとゲーム挙動がリアルだという事です。

マイクラはブロック単位の世界ですから、ブロックの物理挙動？を持っており、我々の現実世界とは似てない点も多いです。

「風ノ旅ビト」では主人公はふわーっとジャンプして滑空できますが、つまり現実世界の挙動とは似てない点もあります。

ICOは”影”みたいな超現実的な要素は出てくるものの、主人公は人間にできる事を大幅に逸脱してない（ちょっとした高所から落ちてもノーダメとか、ジャンプ力が高いとかのちょっとした誇張はある）ですから現実世界と似てます。

ICOの方がマイクラよりすごいとか言ってるのではないです、ただ、何かしらこういう要素によってICOの体験とマイクラでの体験は味わいが違ってくるらしいというだけです。

マイクラはブロック世界にした代わりに全ての地形を自由に掘ったり盛ったりできるという点で、ある意味では驚異的な現実世界のシミュレーション能力を持っています。

グラフィックスがリアルになると、むしろマイクラより不自由になりがちです。
リアルなグラフィックスだと地面を掘るのもリアルな挙動が求められますが、これはプログラムとして難しくなりますし、コンピュータ性能も足りなくなったりします。

ICOを真似する場合、何をしたらNGなのか

ICOみたいなゲーム作りたいな～と思っても、ICOを完コピしたってしゃーないわけですから、なにか自分なりに変えてみようと思いそうです。
そこで、どこを変えたら何がマズくなるのか、想像できる範疇で考えてみます。

まあ、結局のところは実際にやって確かめない事には分からない面も多いと思いますが。

UIを表示する

UIが無い事で没入できる仕組みは上に書きました。

じゃあもしICOにUIを表示させたらゲームは崩壊してしまうのか？
私としては、UIが悪いというよりは、UIが必要になるほどの複雑なゲームメカニクスとかが良くないんじゃないかと思います。

プレイヤーはゲームにムキになると、急速に関心がフィクション世界からゲームメカニクス世界へと移っていきます。

プレイヤーがゲームにムキになるのはゲーム性が濃いからです。
ゲーム性が濃いというのは、ゲームの目標が強く設定されていて、目標達成のためのゲームメカニクスの強度も強い状態でしょう。

ICOはどちらかというと雰囲気重視でそんなにややこしいパズルがあったりはしないので、ゲームメカニクスが比較的弱いおかげでプレイヤーがムキにならないおかげでフィクション世界への没入を妨げません。

ICOにはUIが無いおかげで強制的にシンプルなゲームメカニクスになってます。

テキストを表示する

ICOはテキスト表示が極めて少ないゲームです。
まあ言うてもカットシーンでは少年の台詞の字幕が結構表示されたりしますが。

じゃあもっとテキスト表示を増やしたらダメなんでしょうか？

例えばドラクエみたいに白骨死体を置いて、それを調べると、「返事がない、ただのしかばねのようだ」とテキストが表示されるとかはどうでしょう？

しかし、ドラクエではドット絵だったからこうやってテキストで補わないと状況がハッキリしませんが、ICOくらいリアルなグラフィックスなら、白骨死体がまったく動く様子が無くてただのしかばねである事は見るだけで分かります。

また、「背景を調べると攻略に必要なヒントが表示される」とか「アイテムが拾えるかも」みたいな要素はゲームメカニクスを濃くします。
すると、プレイヤーは背景が綺麗とかどうとかよりも、何か落ちてないか？というゲームメカニクスに関心が移ります。

ICOにはそういう要素は薄いため、プレイヤーはずっと「背景綺麗だな～」とか言ってぼんやり眺めてられて、没入は阻害されません。

少年を別のキャラに差し替える

少年を別のキャラに差し替えたらなにかマズいんでしょうか？
たとえばおっさんにしたらどうですか？

まず、少年がおっさんになったらボーイミーツガール＋ジュブナイルな要素が崩れます。
「絵本みたいな感じ」は失われるでしょう。

また、少年がキッズだから無思慮でも許された面もありました。
ヨルダの手を引っ張って、やや無理やり連れ回すみたいなのも、おっさんがやっちゃうと暴力的な感じがするとか、児童誘拐に見えるとか、色々と問題があります。

さらに、おっさんだとすると、R1ボタンで行う「オンソワ」とか言って呼びかけたりするボディランゲージがややワンパターンだとか、バリエーションが貧困みたいな気がしてくるかもしれません。

じゃあ、おっさんがダメなら少女とかならどうでしょう？
しかしこれも、少年がヨルダのねーちゃんを守るのは絵面がいいですが、少女がねーちゃんを守る絵面になると「ん？」となります。むしろヨルダが少女を守るべきだろ。

男と女というヘテロセクシャル感が気になるんだよなあ…という場合は、たとえばFF9のビビとか風ノ旅ビトの主人公みたいな人間じゃないかわいい系の少年？とかにする手もあります。

ヨルダを別のキャラに差し替える

逆にヨルダを別のキャラに差し替えたらどうでしょう？

先ほども悟空の例をあげましたが、おっさんとかに変えちゃうと、ぼーっと突っ立ってて意思が薄い感じが急に怖いとか気の毒な感じに見えてきて問題があります。

というか、ヨルダがメッチャ美人のねーちゃんである事は、ICOを特別な体験にするために絶対不可欠の要素に思えます。

「アウターワールド」ではヨルダの代わりになんかジャガイモみたいな顔した宇宙人と協力して脱出する事になりますが、あの宇宙人も見慣れるとかわいいかもですが、ぶっちゃけあれがヨルダだったら相当名作みたいな感じになってた可能性も否めません。

そういえばニコニコでアンチャーテッドの動画に「おっさん2人のICO」ってタグが付いてました。↓

ヨルダが何もしなくても許されますが、おっさんが何もしてくれない足手まといだと「この役立たずが…」感が急に出てくる点に注目です。

手を繋ぐ以外のアクションを追加する

手を繋ぐだけであんだけたのしいなら、他のアクションも追加したらどうだろう？

しかし、人間二人が行う動作でゲーム的に意味がありそうなものって他にはあんま思いつきません。
肩車とか…？でもどっちが肩車するの…？

ヨルダを増やす

ヨルダを１０人くらいに増やしたらどうでしょう？

一人でも結構手間がかかるのに、１０人もいたら、もうそれは保育士の苦労をシミュレートできるゲームみたくなりそうです。

だったらヨルダ達が勝手に付いてきてくれるようにしたらいいのでは？

そうなったらもうピクミンだろ！！

カメラを変える

ICOは固定カメラですが、普通のTPSカメラとかFPSカメラにしたらダメなんでしょうか？

まず、固定カメラである事で少年とヨルダが手を繋いで走り回ってる様子が色んなアングルから見られて楽しいという事があります。

FPS視点だと、たしかに少年の視覚を正確にシミュレートできるので、一見没入感が高そうですが、しかし少年は本来五感を持ってるのに対して、我々には視覚と聴覚くらいしか与えられてない点に注意です。

要するにヨルダと手を繋いでいるという状況がFPS視点だと見えないので何だか分からんくなっちゃいます。

じゃあTPS視点だと？と言うと、まあ「ワンダと巨像」や「人食いの大鷲トリコ」ではTPSカメラだったので、ICOもTPSカメラはアリっちゃアリかもですが、基本的にキャラの背後しか見えないので、手を繋いでる様子が見えにくい点に注意です。

ちなみに、固定カメラやTPSカメラはFPSカメラと違って明らかに少年以外の視点であるにもかかわらず、どうして自分を少年と同一化するような没入が可能になるんだ？という問題があります。

これはミラーニューロンの働きで説明が付くかもしれません。
人間は、他人が動いてる様子を見て、自分が身体を動かす時と同じ場所の脳神経の活性化が行われるそうです。

だったら漫画や映画でもキャラと自分の同一化は起きるのか？と言うと、ある程度はそうでしょう。

別の話ですが、「マンガ学」で書かれてましたが、マンガのキャラがカートゥーンみたいにシンプルに表現されてると、読者はキャラを自分と同一化しやすいそうです。スコット氏はこれを”仮面の効果”と呼んでます。

さらに、３Dアクションゲームでは自分のコントローラ操作の通りにプレイヤーキャラが動くので、あたかもキャラが自分の身体の延長上にあるように感じるでしょう。

つまり、ゲームはこの”操作してる感（身体動作のシミュレート）”と”ミラーニューロンの働き”と”仮面の効果”の三連コンボでプレイヤーとキャラの同一化現象が凄まじく行われているのかもしれません。

というわけで、必ずしもTPSカメラや固定カメラがFPSカメラより没入感が劣るかどうかは分からない話でした。

ステージを変える

せまっ苦しい城のステージなんかより、もっと広々としたワンダと巨像みたいなステージにしたらダメなんでしょうか？

ICOでは城から脱出するという正当な理由がありましたが、オープンワールドなら誰にも閉じ込められていませんから、そこに少年とヨルダを置いても、少年がヨルダの手を引っ張って連れ回すのは単なるエゴになってしまいます。

だからこそ、ワンダと巨像では、広い世界をプレイヤーの都合で連れ回す事が正当化できるNPCとして、アグロという馬が選ばれているわけです。

だったら、たとえば「風ノ旅ビト」にヨルダを出したらどうでしょう？
それはそれで面白そうですが、「風ノ旅ビト」は「結局NPCよりも勝手に他のプレイヤーとマッチングさせてマルチプレイさせた方がおもろいよね」みたいなゲームです。

ですからやるとしたらマルチプレイ要素は外して、代わりにヨルダを突っ込む形になりそうですが、まあそれはそれでやってみたら面白いかもしれません。

ただ、「風ノ旅ビト」の主人公も、自分の趣味で旅をしてるだけっぽいので、ヨルダを連れ回すならそれなりの理由付けが必要な気がします。

RPGツクールで再現する

ICOはゲーム世界が比較的現実世界に近いと思いますが、例えばRPGツクールでICOを再現したらダメなんでしょうか？

まあダメって事は無いと思います。
「ゆめにっき」は「L.S.D」をRPGツクールで再現してみよう、というようなコンセプトで作られていると思いますが、「L.S.D」よりダメになってるというわけではなく、別の味わいとして魅力が出ていると思います。

しかし、プレイヤーのゲーム世界への没入という意味では効果が減じるかもしれず、ひいてはプレイヤーとヨルダが同じ世界にいるという感覚も薄れるかもしれません。

スタイルを変える

ICOはかなりリアルなグラフィックスを志向していますが、じゃあICOのグラフィックスを様式化（スタイライズ）された感じにしたらダメなんでしょうか？

「風ノ旅ビト」はナラティブ的な意味でICOと並んで紹介されがちですが、こちらではグラフィックスは綺麗ではあるものの、リアル志向というよりは様式化されています。
つまり、様式化されてる事で一概に没入感が削がれるというものでは無いらしいです。

「ビデオゲームの美学」でも、行為のシミュレートの写実性はグラフィックスの写実性とは無関係と書かれています。

「マンガ学」ではカートゥーン的な記号的なキャラの顔が、読者とキャラの同一化をもたらす（仮面の効果）としています。
「風ノ旅ビト」の主人公はまさに仮面のような匿名的な顔をしています。

ちなみに、必ずしもICOが完全にリアル志向では無い点もあります。
例えばヨルダは全身発光しています。

オートセーブにする

ICOではソファがセーブポイントです。

セーブする事を、二人がソファに座って休憩する行為に見立てているのはかなりいい感じのギミックです。

が、結局は「セーブしますか？　はい／いいえ」と表示されてしまうので、ゲームに没入しているところにこれが出ちゃうと、「セーブってなんだ？」と思ってちょっと冷めるかもしれません。

PS2ではメモリーカードに保存する仕組みだったので、オートセーブみたいな仕組みは基本的にありませんでした。

上田さんはインタビューで「今だったらオートセーブにする」的な事を言ってます。

世界が認めるゲームデザイナー・上田文人とはいったい何が凄いのか？ ヨコオタロウ・外山圭一郎らと共に『ICO』に込められたこだわりを語り尽くす！【ゲームの企画書】

ですからICOをオートセーブにするのは特に問題なさそうです。

ヨルダを消す

そもそもこの記事の前提になってる話を覆すような案ですが、ICOからヨルダを取っ払ったらダメなんでしょうか。

いや、ダメって事は無いけど…それを言っちゃあオシマイでしょ…。

とは言え、ICOからヨルダを取っ払ったみたいな、RiMEというゲームがあるらしいです。

風の青に光が差せば『RiME』

これを遊んでみればどんな風になるのか分かるかもしれません。

おわり

というわけで、ICOみたいなゲームを作りたいなあと思ったので、ICOの特別なプレイ体験はどこから来るのか？という点と、ICOをアレンジするとしたらどうすべきか？という点について考えてみました。

こうして見ると、ICOの独特の魅力と言うのは、まるでトランプタワーのようにかなり注意深く繊細に全てを計算して作り上げた結果として生まれているようです。
つまり、やたら大量の縛りがあるようです。下手にアレンジするとあっけなく崩壊してしまいそうです。

ICOのフォロワーみたいなゲームってもっと一杯あって良さそうなのに、どうしてあんま少ないのか？という疑問もこれが答えなのかもしれません。
つまり、ICOみたいなゲームを作りたかったら完コピするしか無さそうだから、それだと作る意味無さそうという事です。

ところで上田さんはICOを作った後は、「ワンダと巨像」と「人食いの大鷲トリコ」を作ってますが、これらにはヨルダ的なキャラがいません。（ワンダではOPのカットシーンで死んでる女性がチラッと出てくるけどインゲームには出てこない）

これについては私は不満でした。
上田さん的にもICOのゲーム性はこれ以上広げようが無いと判断したから別路線に切り替えたのかもしれません。

私としてはICOと全然変わらんマンネリでもいいからヨルダ的体験をもっとしたいです。

「風ノ旅ビト」とかでもそうですが、世の中の流れとしては「結局NPCとの相互作用なんて限界があるんだから、それより人間と相互作用した方がおもろいよね」みたいな風潮を感じます。

まあそういう流れになって行くのも当然の事だと思いますが、でも「人間とマルチプレイするんだったらもうゲームなんかより実際に集まって野球でもやった方がおもろいやろ」という主張だってあるのではないでしょうか？

また、アニメキャラと相互作用したいんだったら、ゲームなんかよりvTuberにスパチャ投げて読んでもらう方がよっぽどおもろい（なにしろ中に人間がいるからゲームのAIなんかよりもよっぽど高度な知能でリアクションしてくれる）という話もまあ、あるでしょう。

ICOはゲームのNPCの到達点を示したと同時に、NPCの限界を露呈してしまって行き詰まりをもたらしているのでしょうか？

一人で悶々と考えてる分にはこの辺で行き詰ってしまったので、誰かなにか画期的なアイデアがあったら教えてください。

今回は、ゲームのフィクション世界（ゲームグラフィックス）とゲームメカニクス（ゲーム性）は、様々な面でトレードオフの関係にあるような気がする…という説について書いていきます。

フィクション世界とかゲームメカニクスと言った用語は、基本的に「ビデオゲームの美学」を参考にしてます。↓

前回のICOについての話も踏まえた内容になりそうです↓

ゲームのフィクション世界について

フィクション世界って何？と言うと、フィクションとしてのそのゲームの世界の事を指します。マリオで言えば、マリオが生きていて生活しているキノコ王国の世界です。

まず、ゲームグラフィックスが向上するにつれて、ゲームのフィクション世界の説得力が増していった話からします。

「ビデオゲームの美学」や「ハーフリアル」などのゲームスタディーズの本では、「ゲームはフィクション世界を持っている」という話が普通に出てきます。

「ハーフリアル」では、「どうしてドンキーコングのゲームではマリオは命が３つあるのか？」という話が出てきます。
「ドンキーコング」もフィクション世界を持っています。「ガールフレンドをさらわれたマリオがドンキーコングから取り返す」という世界観です。
しかし、ドンキーコングのフィクション世界は一貫してなくて支離滅裂な面があると、ハーフリアルの著者のユールは言います。
どうしてマリオの命は３つあるの？と人に訊いて回ったら、みんな「そうじゃないとライフが一つだけだとゲームが難しすぎるじゃん」というような事を答えたそうです。
このように、「そういうルールだから」みたいなルールの話を持ち出さないと説明できないフィクション世界は、一貫性が無いという意味で、「支離滅裂なフィクション世界」とユールは言います。

”支離滅裂な世界”とは随分な言いようだなと思いますね。
そもそも、「ゲームにはフィクション世界がある」なんて話は最近のゲームを知ってる現在の我々だからこそ、そう思えるわけで、ファミコンのスーパーマリオが出てたくらいの当時にそんな話をしてもたわ言に過ぎなかったかもしれません。

昔のゲームはかなり抽象的なものが多く、つまり純粋にゲームメカニクスだけを持っていました。

どれだけ想像力が豊かな人でも、PONGのフィクション世界を想像するのは難しいでしょう↓

「スペースインベーダー」は、まあPONGに比べると、「砲台を操作して異星人の襲来から地球を守る」という立派な世界観を持っていますが、やっぱりフィクション世界を具体的に想像するのはまだ難しいです。↓

「パックマン」も、キャラクターは生き物みたいにアニメーションしてて生きてるみたいに見えますが、マップはまだかなり抽象的で、パックマンのフィクション世界も想像しづらいです。↓

それに比べると「スーパーマリオブラザーズ」は画期的にフィクション世界としての表現が豊かで当時としては説得力があると分かります。↓

上に挙げたゲームに比べると、そもそも背景が真っ黒じゃなくて青空で、雲や木や山が表示されてる時点でかなりすごいですね。

マリオのフィクション世界が厚かった証拠として、コミカライズされてる事が挙げられます。1988年にボンボンで、1990年にコロコロでマリオのマンガ連載が始まりました。もしかすると初めてのゲームのコミカライズなのかもしれません。ゲームが充実した世界観を持っていなければ、コミカライズとかは不可能です。
まあマリオの漫画化と言っても、ゲームのマリオのシナリオなんて無いも同然ですから、漫画家は相当な想像力を駆使してある意味好き勝手に描くしかなかったでしょうけど。
それ以前は「ゲームセンターあらし」などの、ゲームを遊ぶプレイヤーについてのマンガが多かったようです。ゲームのフィクション世界が充実していくにつれて、ゲームそのもののコミカライズが増えていった事は興味深いでしょう。ちなみにボンボンではストⅡそのものの４コマ漫画と、ストⅡを遊ぶプレイヤーについての漫画が同時に連載されてました。

話を戻しますが、そういうわけで当時としては画期的にフィクション世界が凄かったマリオですが、現代のプレイヤーが見ると「コイン百枚でマリオが増えるってどういうこったよ？」とか言われて支離滅裂な世界って扱いをされちゃうわけです。

そもそも、マリオを作ってた当時の宮本さんは「一貫性のあるフィクション世界を作ろう！」なんて思ってなかったでしょう。
宮本さんにとってみれば、ゲームのフィクション世界というのはゲームメカニクスを”説明”するためだけに存在していたに過ぎません。

こちらに、いかにマリオの世界が説明だけで作られてるかについて分析している記事があります。↓

残酷で“説明的”な「スーパーマリオの世界」論　～ドッスンは生きていて楽しいのか？～

例えば、ドッスンというキャラは何故あのようなデザインなのか？というと、
・顔が付いてる→つまり生きている→動くという事を説明している
・トゲトゲ→当たるとダメージを受ける事を説明している
・四角い→直線的に動く事を説明している
というわけで、見事に説明だけで作られたキャラだという事が分かります。

２チャンネルのスレで「ドッスンって生きててたのしいの？」とかいう話題があるそうですが、もちろん宮本さんはドッスンの存在意義なんて考えて生み出したわけではありません。説明として分かりやすくするために顔を付けてみただけです。（軽薄に命を生み出してしまう）

完全に説明的な世界にする事で、ゲームプレイヤーはドッスンを一目見ただけでそのゲームメカニクスを理解することができます。フィクション世界がゲームメカニクスを説明してくれるからです。

当時のドット絵の記号的なゲームグラフィックスの頃は、まだまだゲームのフィクション世界について真剣に考える人はいませんでした。「ドッスンって生きててたのしいの？」とか言う人もいなかった訳で、「ゲームのフィクション世界の一貫性」とか言い出す人もいませんでした。

しかし、これ以降、凄まじい勢いでゲームハードの性能は向上し、ゲームグラフィックスはポリゴンによる３Dグラフィックスになっていき、ゲームは見た目も写実的に進歩していって、空間表現も現実に近づいていきました。
ゲームグラフィックス表現が現実的になるほど、ゲームのフィクション世界の説得力も増していくようです。

例えばスーパーマリオギャラクシーでのドッスンを見てみましょう↓

ファミコンの頃に比べると、超リアルな世界で超リアルなマリオが昔のデザインのまま超リアルになっちゃったドッスンに襲われています。

ファミコンの頃は全然気になりませんでしたが、こうしてリアルなグラフィックで見ると、まるで本当に存在するような世界に見えますから、たしかにドッスンの人生とか余計な事まで想像してしまって、「ドッスンって生きててたのしいの？」とか思っちゃうのも分かりますね。

こうなると、ゲーム制作側も「たしかにここまでゲーム世界がリアルになってしまった以上、ドッスンみたいなキャラクターは生物としてリアルじゃないからおかしい」と思って、例えばドッスンから顔を無くして、生き物じゃ無くしたとしましょう。
そうすると、たしかにドッスンを見て「生きててたのしいの？」とか余計な心配をしなくてよくなりましたが、しかしせっかく顔が付いてる事でゲームメカニクスが分かりやすかったメリットも失ってしまいます。

つまり、結果的にフィクション世界のリアリティのために、ゲームメカニクスの説明性が犠牲になったという事です。
グラフィックスがリアルになるとこのようなケースは結構起きそうです。

これが一つ目の、フィクション世界のリアリティとゲームメカニクスの説明性のトレードオフです。

別の例で言うと、「アウターワールド」ではスーパーファミコンながらにかなりリアル志向のグラフィックスですが、地面に落ちている拳銃は1ドットの点滅だけで表示されています。
正直言ってほぼ気付きません。しかし、これに気付かないとゲームは詰みます。
「だったらもっと矢印とか表示して目立たたせてくれよ」と思いますが、あくまで写実的な世界を志向しているので変にゲームっぽく強調したくなかったのでしょう。これが宮本さんだったら絶対メッチャクチャ誰でも気付きやすくしてくれると思いますが。
これも、フィクション世界のリアリティのためにゲームメカニクスの説明性が犠牲になっている例です。

ちなみに、「ハーフリアル」では、ゲームメカニクスが完全に現実と一致していれば、フィクション世界は単にリアルにしていくだけで全てが説明されるみたいな話があります。
例えばバトルフィールド1942というFPSゲームでは、1942年の日本とアメリカの戦争というフィクション世界を持っています。そして、島の地形を見れば、現実にここで戦争するならどこが攻めやすいか、どこが守りやすいかみたいな事を考えますが、そのような現実的な戦略は、そのままゲームでの戦略に当てはまります。つまり、このゲームではフィクション世界とゲームメカニクスが一致しているという事です。

まあ要するに、ゲームメカニクスが現実世界と同じような場合、フィクション世界のリアリティを上げるほど両者は一致するので、そういう時はトレードオフにならなくて済むと言えるでしょう。
しかし、「ゲームメカニクスが現実と同じ」というのは、つまりそれはもうゲームというよりもはや現実のシミュレーションだよね？という話にもなってくる気がします。

逆に、ゲームメカニクスが現実の世界と似ていないのに、グラだけをやたら写実的にしてしまうと問題が起きがちという事になります。

昔のゲームメカニクスのまま、グラフィックスだけを進歩しようとしても奇妙な事になる

シリーズもののゲームにありがちですが、ゲームメカニクス自体は昔と同じだけど、グラフィックスだけ進化させちゃうと色々とツッコミどころが発生しがちです。
グラフィックスが向上する事でフィクション世界の説得力が増しますが、そうなると逆にフィクション世界が一貫していない事が気になり始めます。

これは要するにグラフィックスがリアルになるとゲームのお約束が通じなくなってくるみたいな話です。

例えばFFの戦闘について考えてみます。

ファミコンの頃のFFの戦闘は、まあ全てが見立てで出来ていたというか、TRPGの戦闘をコンピュータでやってるみたいな感じだったので、そこに表示されるキャラクターも、言わばチェスの駒のような記号でしかありませんでした↓

シリーズが続くにつれて、グラフィックスはどんどん進歩していきましたが、戦闘システムは基本的にはあんま変わりませんでした。
FF10くらいになってくると、グラフィックスのリアルさと戦闘システムの乖離は著しくなってきます↓

グラフィック的にはあたかも本当に存在する世界でティーダたちが戦いを繰り広げているように見えますが、しかしどうして律義に一人ずつ順番に攻撃しているのか、もはや謎です。
もっと必死こいて全員でガンガン間を空けず戦えよとか思っちゃいます。

「どうして順番に攻撃してるの？」と言われたら、「RPGはそういうもんだから…」とでも答えるしか無いでしょう。これは、ユールが言う所の、支離滅裂なフィクション世界です。

というわけで、FF12以降は順番を守るのをやめて、みんなでガンガン殴って戦うようになります。アクション性も増し始めて、実際に戦っているような感覚が強い戦闘システムになって行きました。

FF7リメイクなんか、もはや元のゲームと全然戦闘システムが別ゲーですが、つまりあんだけグラがリアルになっちゃうと、元ゲーの戦闘だと違和感が出すぎちゃうので、すでにあの頃の戦闘システムには戻れなくなったという事でしょう。

FF3やFF4あたりはゲームシステムは大体そのままでリメイクで3Dになっちゃったゲームなので、プレイし比べてみると、フィクション世界のリアリティの違いがどのようにゲームプレイに影響するかが分かるかもしれません。

ドラクエでも、今では相当グラフィックがリアルになったにも関わらず、いまだに勇者が人の家に勝手に入って壺やらカボチャやらを破壊して目ぼしい物を盗んでいく行為は、今となっては見た目がかなりヤバいです↓

つまり、ゲームのグラとゲームメカニクスは、それぞれが独立しているわけでは無く、密接に関係している事が分かります。
ですから「昔売れたゲームを、グラだけリアルにして次回作にしようぜ！」みたいな短絡的な発想は通用しないかもしれません。
グラがリアルになったらそれ相応の現実的なゲームメカニクスが求められるからです。

なんでもかんでもグラをリアルにすりゃいいってもんじゃなく、こういうゲームメカニクスだったらグラは敢えてチープにする、あるいはドット絵にした方が向いてるな。みたいな判断も当然あり得るはずなのです。

たとえば「塊魂」のようなゲームは、もしグラをリアルにしてたら人を巻き込む時とかに余計な想像をしてしまって怖かったでしょう。↓

マイクラはグラフィックスをチープにする事でゲームメカニクスをリッチにしている

さて、ゲームのグラフィックスは全体的な傾向として、むやみにリアルになって行った感がありますが、そんな中いきなり登場したのがマインクラフトです。

今ではマイクラは累計販売数2億本を超えています。

しかし、マイクラについて何も知らん人がスクショを見ても、なんでこれが2億本売れてるのかまったく理解できないかもしれませんね。

マイクラのグラフィックスはパッと見は相当ローポリというか全てがブロックで出来ていて、チープに見えます↓

先ほどのドラクエやFFの例では、ゲームメカニクスは従来のお約束のまま、グラだけをリアルにしてしまったので、フィクション世界の一貫性が怪しくなってました。

しかし、マインクラフトはゲームメカニクスを優先して、チープなグラフィックスを敢えて選択しました。

というか、マイクラは元々、マルチプレイヤーで世界のブロックを削ったり盛ったりして遊ぶゲームとして作られたので、マイクラのフィクション世界は”ブロックの世界”にしたわけです。
ですから、キャラクターもブロックな感じですし、敵キャラや羊や豚とかも全部ブロックな感じです。

FFとかはグラを安直に現実世界に寄せたせいで世界の一貫性が気になっちゃうようになりましたが、マイクラのグラは見れば分かる通り現実には寄せてません。
マイクラのフィクション世界はブロック世界なので、実はマイクラのグラはブロックの世界を100%忠実に再現しているという意味で、ある意味100%リアルです。
そして、マイクラのフィクション世界は一貫しています。

「どうしてマイクラの世界はブロックで出来てるの？」と訊かれたら、「それはブロックの世界だからだよ。だって住んでる人間や生き物もみんなブロックだろ？」と答えられます。これは支離滅裂な世界ではありません。なぜならそういう世界だからです。フィクション世界は一貫してます。ゲームメカニクスをそのままフィクション世界化したのだから当然です。

さらに、これも当たり前ですが、マイクラのフィクション世界はゲームメカニクス世界と完全に一致しています。

細かい事を言うと、マイクラのキャラはシンプルな立方体の組み合わせであるおかげで、見た目とコリジョン判定を完全に一致させることができています。
普通のゲームでは見た目と実際のコリジョンは異なりますので、ちゃんとエイムして撃ったはずなのに当たらない！といった事が起きがちですが、マイクラではエイムした通りに厳密にヒットします。

さらに、マイクラでは水や溶岩などの流体や、雨や雪、雷などの天候などと言った世界のシミュレーションがリアルタイムかつ大規模に実行されています。（シミュレーション距離やティック領域の設定による）

そもそも地面の土を掘ったり盛ったりする事もそうですが、このような処理はマイクラがブロックの世界だから可能だった事です。
リアルなグラフィックスの世界でこれをやろうとしたら、もっと解像度の高い、緻密な処理が必要となりますし、見た目的にも水がブロック単位で広がっていくのでは説得力がありませんから、メッチャややこしくて処理負荷の高い流体シミュレーションを実装しなきゃ…などと言ってとにかくひたすら困難なので、普通はこういうのは実装されません。
マイクラのブロック世界の解像度だからかろうじて実行可能だった処理です。

という事は、マイクラはチープなグラのブロック世界だからこそ、むしろリアルなグラのゲームではできないような現実的な挙動を持った世界のシミュレーションが実装できたわけです。

というわけでこれもトレードオフの話でした。マイクラではグラをチープにした事で、ゲームメカニクスをリッチにできました。

ちなみにマイクラにインスパイアされたドラクエビルダーズでは、安直にキャラだけをリアルにしてしまいました。

こうしてしまうとフィクション世界は急激に一貫性を失い、「何でこいつらの世界はブロックなんだ？」という疑問が頭をもたげてきます。

また、マイクラ以降もサンドボックスゲームは色々出てますが、やっぱり安直にグラをリアルにしたりしていて、ですから地面を掘ったり盛ったりするなどの自由度を失い、グラは綺麗でもゲームメカニクスとしては劣化してるじゃねえかみたいな風になりがちです。

やっぱりここでもグラが綺麗になるとゲームメカニクスが貧弱になるというトレードオフが見られます。

グラフィックスの綺麗さを見せたければウォーキングシミュレータがベスト説

Unreal Engine 5の登場で、極めてリアルなグラが表現できるようになった話は毎回してますが、私に言わせれば、そのようなグラをプレイヤーに見せたいのなら、もはやゲーム性を排除してウォーキングシミュレータにするのが一番いいのでは？と思います。

ここで「ゲーム性とは何ぞや？」という話になりますが、まず「ビデオゲームの美学」では、「ゲームとは美的行為をもたらすようにデザインされたもの」という説が書かれています。
つまり、プレイしているのを見てると「センスあるなあ、カッコいいなあ」と思って自分もやりたくなるようなものがゲームというわけです。

それでいうと、そのゲームを上手くプレイするほどカッコよく見える場合はゲーム性が高い、と言えるかもしれません。

そういう意味では、基本的にゲーセンのアーケードゲームの格ゲーやシューティング、音ゲーなどはゲーム性が高いと言えそうです。また、FPSやバトロワゲーもゲーム性が高いでしょう。

さて、ユールの「ハーフリアル」では、「Quake3のプレイヤーは最初はゲームのグラの美しさを楽しむけど、ゲームに慣れてくるとせっかくの綺麗なグラのグラフィックス設定を落としちゃいがち」という話が書かれています。
どういう事か？というと、プレイヤーは初めてプレイするゲームはキョロキョロと周りの風景とかを眺めたりするので、綺麗なグラとかに興味が向いてますが、ゲームを理解してくると、風景とかはゲームメカニクスに何の関係も無いと分かってどうでも良くなってきて、だから少しでもfpsを上げて勝ちやすくするためにグラフィック設定を落とすわけです。

要するに、Quake3のようなゲーム性が高いゲームだといくらグラが良くてもプレイヤーはすぐにグラとかどうでも良くなるから意味無いという話になります。
これも、ゲームメカニクスとグラのトレードオフと言えるかもしれません。

また、前回のICOの話でも書いた事ですが、プレイヤーはゲームに詰まったりゲームオーバーを繰り返すと、そのゲームにムキになり始めるので、やっぱりゲームのグラとかどうでも良くなってきます。
というかそうなるとむしろリアルなグラは２Dドット絵のゲームとかに比べてやたら見辛いだけで、ゲームプレイの上ではデメリットしかない、みたいな話にさえなってきます。
やっぱり、ゲーム性が高いとグラが無意味になるトレードオフです。

さらに、UndertaleでGルートをプレイするプレイヤーのように、ゲーム進行にムキになってるプレイヤーはゲームメカニクスの方に没入しているため、フィクション世界への没入が薄れて、非人道的な選択を平気でするようになったりしがちです。
これはゲームメカニクスに没入してしまうとフィクション世界がないがしろにされてしまうというトレードオフです。

そんなわけで、本当に綺麗なグラをじっくり見せたいんだったら、極端な話、ゲーム性を無くすのが一番の方法だと言えるでしょう。

つまり、グラがリアルになるほどウォーキングシミュレータが最適だ！という話になってきます。
ウォーキングシミュレータというのは要するにほぼマップを歩き回るだけのゲーム群を指しますが、グラの美しさや何やらで人気になった作品がSteam上に色々あります。
たしかにDear Estherのようなゲームを見るとグラは綺麗ですが、ぶっちゃけメジャーな作品でも同じくらい綺麗なグラのゲームはあります。

私が思うに、ウォーキングシミュレータのグラが特別綺麗というよりも、むしろウォーキングシミュレータだからこそゲーム性が高いゲームよりもプレイヤーが風景をじっくり眺めて注意を払ってくれるから、美しさを感じ取ってくれるのだと思います。

まあ、完全にゲーム性を無くす所まで行かなくても、例えばICOはシンプルなパズルを解くだけで、ゲーム性としては低いですが、だからこそプレイヤーをフィクション世界に没入させる事に成功しています。

他にも、「デトロイト：ビカムヒューマン」も、何をしてもゲームオーバーにならないという意味で、やっぱりゲーム性は低い気がしますが、それもフィクション世界への没入に貢献しているでしょう。

そういえば、UE5のデモとして、The Matrix Awakensというマトリックスのデモゲームが公開されました。

正直言って、このデモにゲームのグラが写実に近づく事の功罪が完全に現れてるなあと思いました。

動画を観ると、たしかにビックリするほど全てがリアルです。
最初の方で真っ白な空間でキアヌが喋ってる所なんて、私はてっきりそこは実写だろうと思いましたが、実は全てがリアルタイムレンダリングだったらしいです。

しかし、グラがリアルでもゲームとしてはどうですか？
このゲームで出来る事は、カーチェイスのシーンでスティックでターゲットを選んでR2で射撃する事だけです。いくらデモとは言えビックリするほど貧弱なゲームメカニクスです。

私が思うに、あんまりプレイヤーに好き勝手にさせるとせっかくのリアルな世界が簡単に破綻してしまいますから、プレイヤーにこの程度の事しかさせられなかったのではと思います。（じゃあ何のためのゲームなのか？）
フィクション世界のリアルさを守るためにゲームメカニクスが犠牲になるというトレードオフです。

それで、デモの終了後はプレイヤーは自由に街を歩き回れます。
要するにこのゲームはウォーキングシミュレータなのです。そして、UE5のフラッグシップデモがこのような内容なのは、今後のリアルグラのゲームの行き先を暗示しているように思えます。

つまり、マトリックスデモはデモだからゲーム性が薄いというよりは、グラが完全にリアルになるほど、ゲーム性は失われていく宿命的なトレードオフ関係にあるのかもしれないという事です。

結局のところ、ゲームのグラがリアルになるほど、いわゆる昔ながらのゲームのお約束みたいな事は全てがどんどん支離滅裂に見えてきます。
結果的に、グラに合わせてゲームメカニクスも現実世界と一致させる方向に圧力がかかっていきます。

すると、ゲームは内容の自由度を失っていき、最終的には単なる現実のシミュレータと化していきます。（まさにマトリックス！）
現実シミュレータで出来る事なんてせいぜい散歩して回るだけです。
ですからこのマトリックスデモもウォーキングシミュレータになってるわけで、写実グラで作るならウォーキングシミュレータが一番！という結論に至るわけですね。

まあ何も考えずに短絡的にグラをリアルにしていく事の弊害の話でもありました。

キャラのグラがリアルだと親近感が無くなる

別の観点からも、グラがリアルになる事の弊害を考えてみます。

まず、ぶっちゃけリアルなグラは2Dドット絵グラよりも見づらいです。
先ほどのFF3とFF10の戦闘画像をもう一度見てみてください。

FF3の方は、味方が4人いて、敵が3体いて、海で戦ってる事が一目で分かります。
キャラクターはドット絵で記号的に表現されているので、極めてゲームの情報が伝わりやすいです。
と言うよりは、むしろ”ゲームの情報を説明するためにグラフィックスを使っている”という感じさえあります。
また、ゲーム画面にはキャラクター以外に敵の名前などの文字表示やHP表示もありますが、キャラがドット絵の記号で表示されてるおかげで、記号も文字も両方とも左脳が認識をつかさどっているので、一瞬で状況把握できます。

それに対して、FF10の方は、敵が何体いるのかもなんかよく見ないと分かりません。
リアルなグラですが、見辛いです。戦闘の情報を伝えるという意味では劣化してるかもしれません。
グラがリアルになるとゲーム情報の説明能力が失われるという感じがします。
そして、写実的なグラフィックスは記号というよりも画像になります。画像を認識するのは右脳の働きですが、右脳は文字とかは読めません。つまり、FF10のように写実的なグラフィックスと色々な文字情報が同時に表示されているとパッと見で把握するのが難しくなります。

次に、ドット絵のキャラとリアルなキャラを見比べてみましょう。

いつものように「マンガ学」を持ち出しますが、マンガ学では「キャラがカートゥーンだと読者は主人公と一体化できる。キャラが写実的なほどそれは他人に見える」とあります。

マザー２のネスのようなシンプルな顔のキャラなら、プレイヤーは容易に一体化して没入出来ます。
しかし、デトロイトのコナーのようなリアルすぎるキャラだと、プレイヤーは自分をコナーと同一化できません。
と言うのは、コナーの顔が自分とは全然似てないから全くの別人である事は明らかですが、ネスは自分と似てるとか似てないとかそういう問題じゃないくらいシンプルな顔だから、まあこれは自分なのかもしれない。と思えます。

まあ、同一化できないとしてもそれはそれでプレイヤーはコナーをロールプレイしてなりきろうとしますから、大きな問題では無いかもしれませんが、単にグラがリアルなだけでそういう弊害も起きるという事です。

たとえば風ノ旅ビトでは主人公キャラが仮面をかぶっているような表現（銀河鉄道999の車掌的表現とも言う）をして問題を回避しています。

そういえば、ドラクエでは主人公が勝手に台詞を喋らない事で有名ですが、これはプレイヤーが主人公と同一化できるようにする工夫でした。
しかし、ドラクエ11とかになると主人公キャラがかなり現実的なグラで存在感を出してきているので、プレイヤーは同一化というよりはなりきりの意識になるんじゃないかという気がします。しかし、なりきりだとするとそれはそれで「何でこいつこんなに無口なんだろ…」みたいな疑問が出てきそうです。

ドラクエにはスライムが主人公の「スライムもりもりドラゴンクエスト」というシリーズがありますが、たしかにスライムみたいなシンプルな顔のキャラの方がプレイヤーが同一化しやすいだろうと思います。

おわり

というわけで、色々な観点からゲームメカニクスとフィクション世界のトレードオフについて書いてみました。

そもそも論として、ゲームのフィクション世界が真面目に論じられるようになったのは最近のゲームのグラの急激な進歩のおかげで、昔はゲームは抽象的だったのでフィクション世界なんて真面目に捉える人はいなかったという話をしました。

ゲームのグラの進歩のおかげで、フィクション世界の厚みは凄い勢いで増していきましたが、そのせいでかえってゲームメカニクスがフィクション世界を支離滅裂にしてしまっているように感じる問題が生まれてきました。
元々はゲームメカニクスを説明するためだけに作られていたフィクション世界が、むしろリアルになり過ぎて存在感が大きくなりすぎてゲームメカニクスの方を制限し始めたという事です。

最近ではゲームがメタバースの文脈で捉えられ始めたりしてますが、それはもはやゲームのフィクション世界がもう一つの現実と言っていいくらいリアリティを増している事と無関係では無いでしょう。

この先は、完全に現実と同じリアリティを持ってしまったフィクション世界に合わせて、ゲームメカニクスも現実のシミュレートとして発展していく気がします。

その果てにあるのは現実の完全なシミュレーションですが、それってもはやゲームじゃ無くないですか？
それは言わばもう一つの現実とでもいうべきもので、要するにそれこそがメタバースなのかもしれませんね。

とまあ、これは何も考えずに安直にゲームのグラをリアルにしていった果てにある世界の話ですが、インディーゲームとかではちゃんとゲームデザインにマッチしたグラやフィクション世界を用意しているものも多いです。

グラが写実的だとフィクション世界の一貫性についてゴチャゴチャ言われるハメになりますが、逆に言えば２Dドット絵にすればそんな事は一切気にしなくてすむメリットさえあると分かりました。

また、マイクラがやっているように、無理にフィクション世界を現実世界に寄せなくても、ゲームメカニクスとマッチした世界観を用意して、「このゲームはこういう世界なんですよ」と提示する事でフィクション世界に一貫性を持たせる方法もあると分かりました。（しかし写実的なグラを採用してしまうと”こういう世界”という言い訳が通用しづらくなる点に注意してください。例えばドラクエビルダーズでキャラだけリアルにしてしまった話など）

この記事に書いたような、フィクション世界とゲームメカニクスのトレードオフがある事を考慮しつつ、自分の作りたいゲームではどのポイントを攻めると上手く行くだろうか？と戦略的に選んでいくとよいのではないでしょうか？

【注意】今回の記事はスケベな話を含みます。

UE5でのゲーム制作の日記とか開発メモをこれからブログに書いていこうかなと思っています。
今回の記事はその取っ掛かりみたいな話です。

さて、私が最近衝撃を受けた事と言えば、SkyrimのエロModです。

Skyrimはもう10年前のゲームですが、Mod文化については凄まじく成熟してきていて、今こそが花盛りといった具合になってるようです。

そして、エッチなModについても何だか大変な事になってるらしいです。

例えばへぷちさんという方のSkyrimキャラはこんな感じになっています。

すさまじくスケベですね。その辺のエロゲーよりエッチな気がします。
こんなにスケベなキャラを作って遊べるならSkyrimやってみたいと思って勢いでSteamでゲームを購入してしまいました。

しかし、このようなエッチなキャラを作るには色々とModの導入が必要になるみたいです。
へぷちさんが導入しているModはこういったものだそうです。↓

SkyrimにはバージョンによってModの種類が違ったり、何かMod同士の相性問題とかもあって、色々と難しいみたいで、さらに最初からいきなりMod入れまくっていいんだろうか？最初は何も入れないで遊んでみるべき？とか色々と疑問があります。

まあSkyrimについては色々調べたり遊んでみたりしてまた別途レポート記事を書くかもしれません。

今回の記事で取り上げたいポイントは、「エロの情熱が人を突き動かす力ってすごいな」という事です。

Skyrimのデフォルトのキャラクターなんて、全然エロくありません。↓

世界中の有志がスカイリムをエロくするために寄ってたかってエロModを製作した結果、あれだけエロいキャラが作れる環境が実現されているという事。
集合知がスカイリムをエロくしたわけです。

それで、そもそもエロいゲームが遊びたいならエロゲーを遊べばいいんじゃないか？と思いますが、どうして彼らはわざわざスカイリムをエロくしようとするのだろうか？という疑問が湧いてきます。

まず、スカイリムは世界でも最高峰の自由度を持ったRPGという事で有名です。これはつまり、最高の世界シミュレータだという事です。

それで、せっかくの最高の世界シミュレータですから、そこにさらにグラフィックをキレイにしたい…だとか、理想のキャラを作りたい…といった感じで気になる個所をModで補ってやれば、プレイヤーの理想の世界が実現できるというわけです。

というわけで、スカイリムでMod文化が盛んなのは、スカイリムが最高の世界シミュレータだから、自分の理想世界を実現するにはスカイリムをModで弄るのが一番手っ取り早いからだろうという話でした。

さて、へぷちさんはスカイリムMod画像以外にも、セクシーな美少女模型の写真などもアップされてます。
スカイリムに色々なModを入れて衣装とかを揃えて理想のキャラを作るのは、着せ替え人形的なノリに近いのかもしれません。そもそもスカイリムのようなゲームはキャラクリエイト機能があって、自分の好みに合わせてキャラの顔とかを調整できます。

というわけで、ようやく本題に入っていきますが、私が考えたのは、ゲーム制作にもスカイリムのキャラクリやModのような手法を取り入れられないだろうか？という事です。
つまり、ゲームにMod入れて遊ぶようなノリで自作ゲームが作れたらいいのになあみたいな話です。

キャラクリエイトのノリで自作ゲームキャラを作れる方法？

自作ゲームを作るにあたって、キャラクターの３Dモデルは自分でスクラッチで作らなきゃとか何となく思ってましたが、へぷちさんのスカイリムキャラなどを見てたら、例えばこれが自作ゲーのキャラだとしたら、それもアリだな…と思いはじめました。

ゲームのキャラクリのような、あるいは着せ替え人形的なノリで自作ゲーム用の３Dキャラが作れる方法って無いんだろうか？と考えて調べたところ、DAZ Studioというソフトが使える事が分かりました。

というかDAZの事は昔から知ってましたが、作れるキャラの見た目がリアル寄り過ぎないか？とか、DAZのキャラは静止画や動画作成用であって、ゲームには使えないらしいみたいな話だったので、余り眼中にありませんでした。

ですが、最近ではDAZの素材に「インタラクティブライセンス」という物が用意されていて、それぞれの素材ごとに、素材そのものの購入とは別に、インタラクティブライセンスが購入できるようになってます。
要するに、素材とインタラクティブライセンスを両方買えば、その素材を自作ゲームの３Dモデルとして使えるようになるという物です。

DAZは最近はゲーム用途に力を入れているようで、DAZからUnreal Engineにモデルを送れる「DAZ to Unreal Bridge」というプラグインも用意してくれています。

そして、DAZはリアル過ぎるキャラしか作れないのでは？という話は、最近ではそうでもなく、いわゆる日本のゲーム的な美形な顔のキャラも割と作れる感じになってきています。

というわけで、お金さえ払えばキャラクリみたいなノリでDAZ Studioでゲーム用キャラが作れるらしいという事になってきました。

DAZの素材を買いまくって沢山のキャラを作ろうとすると、お金がかかり過ぎてしまいますが、こだわって制作したい一部のメインキャラを作るためだけに使うとかはアリな気がします。

また、素材を買うとお金がかかりますが、服とかは自作すればタダです。
（しかし、素体のGenesis 8自体にもインタラクティブライセンスがあります。現在25ドルです）↓

https://www.daz3d.com/genesis-8-starter-essentials

ちなみにですが、ゲームにさえしなければインタラクティブライセンスは不要という点も注目です。
例えば私はUE5をマンガ制作に利用していますが、マンガに使うだけならインタラクティブライセンスを購入する必要はありません。

スケベ駆動でゲーム制作するという事

さて、UE5でゲームを作ろうという漠然とした目標はありましたが、とは言えどういう風に作っていこうかという取っ掛かりを探している段階でした。

私はかつて「まどマギクリッカー」というまどマギの二次創作ゲームを作りましたが、あの時はまどマギにハマり過ぎていた原作愛の勢いで作ったわけです。

ではオリジナルゲームでは何を原動力にして作っていけばいいのか？という話ですが、例えばそれはスケベ欲なのかもしれません。

正直言って、何の取っ掛かりも無い状態で、UEの使い方を順を追って学ぼうと思っても、全く身に入ってきません。

そこで、とりあえずスケベなキャラをUEに放り込んでみたらどうなるでしょうか？
じゃあせっかくならこのキャラを操作できるようにしてみようか…という気になるハズです。
そうしたら、次は髪やスカートを揺らしてみたいなあと思うでしょう。
その次は、当然乳揺れを入れようと思うでしょう。
その後は、キャラに色々なアクションをさせられるようにしよう…と思うでしょう。

そうしていって、最終的にはいつの間にかゲームが完成していたなあ。という流れが理想ですね。
最初にスケベなキャラを投入するだけで、制作プロセスが一気に明白になりました。

これがスケベ駆動のゲーム制作です。

スカイリムのエロModに情熱を燃やしている人たちと同じベクトルのノリで、自作ゲームを作れる事も可能かもしれないというわけですね。

マーケティングとしてのエロティシズム

過去のブログ記事で、「ゲームのグラフィックスがリアルだろうが、そのゲームを遊び始めるとグラなんか気にならなくなる」みたいな旨の話を何度も書いてきました。
それでもゲームにハイクオリティなグラが求められるのは、ゲームを遊ぶのは買った後ですから、まず買う前にユーザーはプロモーションビデオとか観て買うかどうか判断する必要がありますから、そのプロモのためだけにハイクオリティなグラが必要になるという話もしました。

何故なら、グラがリアル！というのは、どんだけ何も知らないド素人の人でも分かりやすいアピールポイントだからです。
マーケティングのためだけにゲームのグラ全部を高品質にするのは、ぶっちゃけコスパが良くないかもしれません。

「グラがリアル！」以外にも、誰でも分かるアピールポイントってなんか無いだろうか？と考えてみました。
それはエロです。
エロというアピールポイントは誰でも分かります。ただし、キッズや女性にはアピールにならないかもしれませんが…。

例えば、私はFF12ではひたすらフランの尻をガン見してました。

ニーアオートマタでは2Bの尻チラが話題になりました。

“シリモデリングアーティスト”として注目を集める松平が『NieR:Automata』2Bのモデリングワークフロー、制作プロセスを大公開！

Haydeeも主人公の尻が大変な事になってます↓

こんな感じで、露骨にエロい要素を入れてきています。
そして、私とかはまんまとエロのフックに引っかかっちゃってます。

ちなみに、ゲームキャラの尻に気合が入ってるパターンが多いのは、３人称視点のゲームでは主人公の顔とか胸とかほとんど見えないし、基本的にずっと背中や尻だけ見続けるハメになるからでしょう。

ココでポイントなのは、どの作品もシリアスな世界観の作品で、明らかに露骨にエロい恰好のヤツがいても、誰もその事について触れません。
”自己言及しない”という特徴があります。
例えばニーアの2Bが自分の尻を恥ずかしがったり、FF12でヴァンがフランを見て「尻がエロ過ぎる！」とか言ったりしません。
まるで常識改変でもされてるかのように、スケベなキャラの恰好がさも当然のように受け入れられているので、我々もついついこの世界ではそういうモンなのかな…とか思ってしまいます。（そんなわけねえのに）
「裸の王様」で王様が全裸なのに誰もツッコまないと、自分も「まあ…そういうものなのかな」とか思ってそれに触れられないみたいなもんです。そこに「王様裸じゃん！」って言及しちゃうキッズが現れた瞬間、世界観は崩壊します。
”言及さえしなければどんだけスケベな奴がいても大丈夫理論”と名付けましょう。

ワンピースにもお前だけクイーンズブレイドから出てきたのか？と言いたくなるようなレベッカというハンパないスケベな恰好したキャラが出てきますが、何となく世間では別に大丈夫な感じになっているようです。

ところで、Haydeeの主人公は尻はスケベですが顔はのっぺらぼうのアンドロイドみたいな感じです。2Bも目は隠れていますし、へぷちさんのスカイリムキャラも口を隠してたり目を隠したりしてます。
顔を隠すというのはスケベ性を際立たせるような何かがあるのかもしれませんね。

話を戻しますが、そんなわけでエロと言うのは極めて誰にでも分かりやすいアピールポイントになる上に、ゲーム制作のモチベーションを保つのにも極めて有効で一石二鳥という話でした。

実際にUE4にDAZで作ったキャラを入れてみる

というわけで、ここ数日はDAZのキャラをUE4に入れようとして悪戦苦闘してました。

DAZが「DAZ to Unreal Bridge」プラグインまで用意してくれてるんだから、すぐ入れられるだろうと思っていましたが、意外に罠があってハマりました。
というわけで、いろいろ苦労した結果、成功した方法を動画にしてアップしておきました。↓

また、 DAZ to Unreal Bridgeを使う方法以外にも、DAZからCharacter Creator 3というソフトを経由して、UE4にキャラをインポートするという方法もあります。

Character Creator 3というソフトは何なのか？と言うと、まあDAZ Studioと同じようなソフトなのですが、iCloneというアニメーション作成ソフトのアバター制作に特化しています。
それで、ゲーム向けにモデルエクスポートする機能があり、DAZよりもゲームに最適化したモデルを出力できます。
例えば、DAZから直接UE4に入れたモデルは、UE4のデフォルトのマネキンとスケルトン互換性が無いので、アニメーションをリターゲットするハメになりますが、CC3を経由するとマネキン互換のスケルトンで出力してくれるので、マネキンのアニメーションがそのまま使えます。

というわけで、CC3を経由するパターンの方法の動画もアップしました。
これも最初は上手く行かなくて色々ハマりました。

おわり

というわけで、今回はスカイリムのエロModによるキャラ作成をヒントに、DAZを使ってゲームのキャラメイクと同じようなノリで自作ゲームのキャラを作る方法について考えてみました。

また、スケベ駆動のゲーム制作についても考えてみました。
スケベキャラを投入する事で、ゲーム制作のモチベの維持とマーケティング的なアピールポイントの一石二鳥が得られる話をしました。

具体的にDAZのキャラをUE4に入れる方法も２種類紹介しました。

さて、この次はどうするか？と言うと、上でも書いた通り、スケベ駆動で進めていって、髪の毛の自作方法であるとか、髪や服の揺らし方、乳揺れの入れ方などについてさしあたって調べてみたいと思ってます。

UEの勉強をしていますが、UEのアニメーション周りは何かゴチャゴチャしてて今まで意味不明でした。

そこで、おかずさんの「猫でも分かるUE4」の「#5 Animation ブループリントの使い方を学ぼう！」と「#6 自作・購入したキャラクタを動かしてみよう！」あたりを観てみたら、何となく大体分かってきました。

まず、そもそも論として、ThirdPersonCharacterが持ってるような”クラスブループリント”とは別に、アニメーション関係を処理する”アニメーションブループリント”が別れて存在する事が何でなの？みたいな感じでよく分かってませんでした。

しかし、理解してみれば、いわゆるMVPパターンのように、モデルとビューを分離しようとしている的な考え方らしいなと分かりました。

それで、私はUnityには慣れていますから、この機能はUnityで言えばあれだな…みたいな感じでUnityに例えていく事で割と理解が進みました。

というわけで、ThirdPersonCharacterのクラスブループリントから見てみましょう。↓

ここでやっているのはいわゆる操作キャラクターのロジック部分です。
まあThirdPersonCharacterではシンプルな入力処理しかやってません。
マウスカーソルを動かすと視点が移動、スペースキーを押すとジャンプ、WASDで移動する処理が書かれています。

ここで言う、”ジャンプ処理”とかはあくまでキャラの座標を動かすだけで、アニメーション関係には一切触れてない点に注目です。
アニメーション関係の処理は全部アニメーションブループリントの方に任せる事で、ThirdPersonCharacterは汎用的に利用できるようになります。

例えばアニメーションを一切持たない四角い豆腐みたいなキャラだとしても、問題なくThirdPersonCharacterを使用することができるでしょう。アニメーション処理を分離しているおかげです。

というわけで、次は問題のアニメーションブループリントの方を見てみます。「ThirdPerson_AnimBP」です。

まずこれがアニメーションブループリントのイベントグラフです↓

これが何をしているのか？というと、まずアクタの情報を取得するために、PawnOwnerを取得して、それから自分が空中にいるかどうかを取得し、ステートマシンが参照するパラメータとしてセットしています。同様に、速度も取得してきて、スピードに変換してセットしています。それを毎フレームやってる感じです。

要するに、Unityで言う所の、スクリプトでCharacterControllrerを参照して、Animator.SetFloat(“Speed”)みたいな感じでAnimationControllerのパラメータをセットしている部分と同じです。

だったらこんなもん、わざわざアニメーションブループリントとか言って分けたりせずに全部クラスブループリントに書きゃいいだろ！と思うかもしれませんが、先ほど書いたように、こうやって分離する事で、ThirdPersonCharacterのクラスブループリントはアニメーションについて関与しないで済むので、どんなキャラにでも汎用的に使用できるようになるというメリットがあります。

次に、アニメーションブループリントの、ステートマシンを見てみましょう↓

これはもう、ぶっちゃけUnityで言う所のAnimationControllerと完全に同じです。
先ほどのイベントグラフで設定されたパラメータを見ながら、ステートが遷移していきます。

それぞれのステートにはその状態の時に再生すべきアニメーションが入っています。
ただし、UEではステートごとにまたブループリントみたいなのが書けます。↓

まあ柔軟と言えば柔軟ですが、こんなもん、大抵は単にアニメーションが割り当てられてるだけで、実際にこの例でもそうなってます。

とは言え、ステートにブレンドスペースという物が割り当てられてるケースもあります。↓

これはIdle/Runのステートですが、ブレンドスペースを使うと「スピードが０の時はアイドルモーション、スピードが100の時は歩きモーション、スピードが400の時は走りモーション。そんでこれらがスピードパラメータに応じていい感じにブレンドされる」みたいなのが簡単にできます。これをステートマシンだけでやろうとしたら厄介な事になります。
2次元表現も使えるので、左右方向への歩きや走りモーションもブレンドできます。

これはUnityで言えばブレンドツリーです。Unityでもステートにブレンドツリーを割り当てられるので、それと同じです。

UEはステートのそれぞれの遷移条件もこれまたブループリントで書けます。まあ柔軟っちゃ柔軟ですが、やり過ぎ感もあります。↓

それで、結局のところこのステートマシンがやってる処理は、普段はスピードに合わせてアイドル、歩き、走りモーションを再生していて、自分が空中にいる事を検知したら、JumpStartモーション再生、一定時間でJumpLoopモーションに移行して、地面に着地したらJumpEndモーションを再生したのちにアイドルに戻る。という流れです。

で、これで終わりか？と思いきや、さらにアニメーションブループリントにはAnimGraphというものまであります。↓

AnimGraphでは、ステートマシンなどの結果を踏まえて、キャラクターの最終的な出力モーションを決定します。

ここでは、ただ単にステートマシンの結果をそのまま出力ポーズに繋いでますね。

まあ大抵はこれで済むと思うので、だったらAnimGraphなんて要らねえじゃんと思いそうですが、例えば上半身と下半身で別々のステートマシンを持っていて、それらをブレンドしたい、（FPSなんかだと上半身と下半身が別々に動いたりします）というケースがある場合、AnimGraphが必要になります。

猫でも分かるUE4で、上半身と下半身で別々のアニメーションを再生するのをやって見せてます。↓

ちなみにこのような処理をUnityでやる場合は、UnityはAnimationControllerにレイヤー機能を持っており、レイヤー毎にボディマスクを設定できますから、それを使って同じような事が出来ます。

他の機能として、UEではアニメーションシーケンスに通知（Notify）を仕込んで、アニメーションが再生された時にイベントを発火できます。
まあこれも、Unityでもアニメーションイベントからスクリプトのメソッドを呼び出せるので、それと同じでしょう。

UnityとUEのアニメーション機能を比較した場合、UEでは何でもかんでも全てブループリントを使って柔軟に書けるので、分かってしまえばUnityより柔軟かもしれません。

さて、サードパーソンテンプレートでやってる処理は以上ですから、「猫でも分かるUE4」でもここまでしか解説がありませんでしたが、UEにはアニメーション関係の機能はもっと色々あるようです。

たとえばアニメーションモンタージュのような機能があります。
これは何かというと、大雑把に言えば複数のアニメーションを繋げてひとまとまりにして再生できる機能のようです。
単にそれだけでは無く、プレイヤーの入力に合わせてアニメーションの一部をループさせたり途中を飛ばしたりできます。

ですから、たとえばリロードする弾数に合わせて弾込めアニメーションをループさせたい時とか、あるいは剣で攻撃する時のコンボ攻撃の実装などに使われるようです。

UE4のアニメーションモンタージュを使ってコンボを実装してみる

UE5の新機能として登場したMotion Warpingという機能もあります。
これは、アニメーションモンタージュの途中でキャラを好きな場所に移動できる機能です。
これを使えば、例えばコンボ攻撃で敵の所まで自動で移動する、みたいな事ができます。

[UE5] Motion Warpingでアニメーションによる移動量を自由にコントロール！

UEにはIK機能があります。
アニメーションとは別に、手や足の位置を指定できます。たとえばドアを開ける時にキャラクターにドアノブを握らせるのに使えます。
まあこれはUnityでもあったので分かります。

UE5ではフルボディIK機能も追加されました。
これはまあ文字通りフルボディIKで、Unityで言う所のFinalIKみたいな遊び方ができると思います。

さらに他の機能としてはコントロールリグというものもあります。
私はとりあえずエディタ上で簡単にマネキンにポーズを付けれる機能として理解してますが、他にもランタイムでプロシージャルアニメーションを実行するのに使えるようです。

UEのアニメーション機能、大体そんなもんかな…と思ったら、こちらによるともっと何やかんや色々な機能があるようです。↓

[CEDEC2018] UE4アニメーションシステム総おさらい

まあ細かい機能は必要に応じておいおい学んでいけばいいでしょう。

私としては、おかずさんの「猫でも分かるUE4」のおかげで、今までゴチャゴチャしててサーパリ分からなかったUE4のアニメーション周りの概要が掴めて助かりました。

UEも、Unityの時もそうでしたが、正直言ってドキュメントを読んでも大抵は何言ってるのか全然理解できません。

「猫でも分かるUE4」のように、私でも分かるように解説してくれると大変助かります。
正直、おかずさんにはこの調子でUEの全部の機能を解説して欲しいです。

ところで世間では大メタバース時代に突入したらしいですね。

私は以前から「ゲームはマルチプレイヤー当たり前時代が来るぞ！」って散々言ってましたが、要するにそれがメタバースだったわけです。（適当
予言者と呼んでもらってもいいですが、まあ世の中の流れを見てたら当然予測できる流れだったので、予言では無く予測でした。

メタバース時代に伴って、猫も杓子もメタバース！メタバースとか連呼し始めたみたいですね。
フェイスブックが社名を「メタ」に変えてまでメタバースに入れ込む宣言をした（毎年１兆円をメタバースに投資するらしい）のをきっかけに、EpicGamesもメタバース！MiHoYoもメタバース！ディズニーもメタバース！パソナもメタバース！Dropboxもメタバース！とか言ってもはや意味不明な状態になってます。（フェイスブックより先にメタバース宣言してた企業も多いけど）

そんなにメタバースがやりたいならセカンドライフやりゃいいじゃんとか思いますが、まあそういう流れはさておき、さしあたってエンジニア諸氏の皆様が今抱えてる問題としては、会社の偉い人から「ちょっとサクッとメタバース作ってよ」とか無茶振りされて右往左往していらっしゃったりするのではないでしょうか。

あるいは、俺もメタバース作って一旗揚げるぞ！と野望を胸に燃えている個人開発者の方もいらっしゃるかもしれません。

まあこのブログのアクセス解析を眺めてるとそういう風潮を感じますね。

地味に毎日この記事へのアクセスとか多いし↓

そういうわけで、UE4やUnityでメタバース作る事になったらどうすればいいのか？について考えて整理してみたいと思います。

いくつかポイントになる要件が考えられます。

１．同じ部屋（世界）に何人接続できる必要があるのか？

２．アクションゲーム性があるか？

３．競技性があるか？

４．課金があるか？

これらの要素について見ていく必要があります。

話が長くなりそうな予感がしてきたので、これらの要素について一つずつ記事を書いていこうかなと思います。

まず今回の記事では、メタバースの同時参加人数について考えてみます。

同じ部屋（世界）に何人接続できる必要があるのか？

メタバースと言うと、なんか一つの世界に沢山の人数が入れそうなイメージがありますが、UnityやUE4でのゲームには同じ部屋に参加できる人数には限界があります。

実績ベースで言うと、UE4はフォトナで100人接続できてますし、UnityはFall Guysで60人接続していました。
私がこの前MLAPI（現在はNetcode for Gameobject）で実験したところ、キャラを同期するだけなら70人くらいは問題ありませんでした。

まあ普通にやるとこれくらいが上限人数となるわけです。

Unity VS UE4

UnityよりUE4の方が参加人数が多くできるのか？という話は、たしかにEpicは自分でUE4使ってフォトナを作る必要があったので、通信面でかなりチューンナップされてる分、Unityより人数が増やせるかもしれません。（たとえばUE4にはレプリケーショングラフが実装されており、細かい調整で通信帯域を節約できます。）
ただし、フォトナはマップが相当広いですから、同じ画面に大人数が存在する事はほぼありません。他人と出会うたびに戦闘になってどちらかが負ける形になりますし。ですからせいぜい画面には数人しか同時に映りませんから、通信負荷、描画負荷は間引きできます。
フォトナで100人が同じ場所に全員集合したら、負荷が高くなりすぎてマトモに描画できなくなる可能性はあります。
それに対して、Fall Guysでは最初の競技で60人全員が画面に映ってしまいます。これは描画負荷、通信負荷、処理負荷全ての面できびしくなります。
ですからUnityとUE4のどちらが多くの人数を参加させられるかどうかは何とも言えません。

ちなみにPhoton Fusion（Unityのみ対応）では高度な通信の最適化によりマルチプレイ同時参加人数は200人まで可能だと主張されています。

https://doc.photonengine.com/ja-jp/fusion/current/getting-started/fusion-intro

専用サーバー VS リッスンサーバー

さらに、フォトナもFall GuysもMLAPI実験の話も、これらは全て専用サーバーを用いた場合の話です。専用サーバ自身はゲームプレイしないため、グラフィックス描画などをスキップできるので、リッスンサーバー（ホストとゲストで接続する形）よりも収容人数を増やせます。リッスンサーバーだと人数上限は半分くらいに減るかもしれません。

例えば、ARKでは専用サーバならスペックによって30人とか70人収容可能ですが、リッスンサーバだと4人が上限です。しかもゲストはホストから余り離れた所には移動できない制限まであります。

PC VS スマホ

ここまでの話は基本的にゲーミングPCやコンソール（PS4やXBox）を対象に話してきましたが、スマホになると基本的にPCよりスペックが制限されるので、さらに話がキビしくなります。

しかもスマホは無線接続ですし、下手するとWi-Fiじゃなくてキャリア回線で接続してきたりするので、通信が不安定で、帯域も制限がかかります。

「フォトナはスマホでも動くじゃん」と思うかもしれませんが、アレはまあ奇跡みたいなものです。Fall Guysはスマホ対応していません。

VRSNSのVRChatはOculus Questに対応しましたが、アバターをQuestでも表示させたい場合は色々と制約が発生します。（1万5千ポリゴン以下、指定されたシェーダのみ、揺れ物なし、マテリアル2つまで、メッシュ2つまで、パーティクル不可、トレイル不可）

それに引き換え、バーチャルイベントプラットフォームのclusterはスマホ対応もしつつ、最近はアバターの制限はむしろ撤廃されました。

clusterのアバター制限が解放されました！

何故このような事が可能なのか？というと、おそらく高度な自動LOD生成システムのようなものが実装されたんじゃないかと思います。つまり、スペックの低いスマホ上では自動生成された低ポリモデルが表示される、みたいな仕組みと思われます。

最近のclusterは、スマホにもかかわらずユーザーのカスタムアバター（VRM）モデルが大量に表示されていて技術的にすごいです↓

ちなみにclusterでは同じ部屋に最大500人が参加できます。ただし、実際に表示されるのは50人で、51人目以降の人は自分のアバターが表示されないゴーストモードになります。自分はその場にいるものの、他の人からは見えてない状態という事です。

ちなみに、マーケット規模の話をすると、現在では世界人口の84%、つまり66.5億人がスマホを持っています。

https://www.bankmycell.com/blog/how-many-phones-are-in-the-world

それに比べて、家にパソコンがある人の割合は全世界で47.1%になります。つまり世界全体で見た場合、PCの市場はスマホの半分しかありません。
さらにちゃんとそれなりのゲームが遊べるスペックのPCは全体の1/3とか、それ以下かもしれません。

https://www.statista.com/statistics/748551/worldwide-households-with-computer/

ちなみに日本のスマホ普及率は86.9%、パソコン普及率は70%です。

というわけですから、まあなるべく大きなマーケットを狙うならやっぱりスマホ対応したいという話になりがちです。

VR VS 非VR

メタ（旧フェイスブック）のメタバースであるHorizon Worldsとかを見てると、メタバースって要するにVRなのか？とか思いがちですが、別にメタバースがVRでなければならないという事も無いでしょう。

VRChatはVRでも遊べますが、非VRモードでも遊べます。clusterも同様です。
バーチャルキャストは元々「VRでアバターになりきってニコ生放送をやろう！」みたいなアプリだったので、VR専用になってます。

VRは非VRよりも描画負荷が高くなります。何故なら右目用の画像と左目用の画像をそれぞれレンダリングする必要があり、しかも解像度もフルHDよりも高くて4k並みだったりします。
しかし、Oculus Riftが発売した2016年の頃は、VRといえばハイスペックなゲーミングPCに繋いで遊ぶしかありませんでしたから、低スペックPCやスマホは論外だったので、むしろ処理能力には余裕がありました。

ところが、最近ではメタのQuestのシェアがどんどん増しており、VRと言えばスタンドアロンHMDという風潮になってきています。

スタンドアロンHMDと言っても中味は大体Androidスマホと同じですから、PCVRと比べると性能は大幅に制限されます。

そういうわけで、自分のメタバースをVR対応しようと思ったらそれなりに厄介な事になる点に留意してください。要するにVRでは参加可能人数の上限は非VRより制限されるでしょう。
細かい話ですが、Android向けのビルドではWindows用のDLLで提供されてるライブラリとかも使えません。

「メタバースだから当然VR対応要るよね」ってだけで何となく対応するより、自分のメタバースにVRの必然性があるかどうかで考えてみるべきでしょう。
個人的に考えるVRならではの魅力は、たとえばVR内で鏡を表示すると、自分の身体を動かした通りに自分のアバターが動いているのが見えますから、その魅力的な外見のアバターが自分自身であると強烈に実感できます。例えば自分がアニメの美少女に”なれます“。これは非VRでは味わえない、VRならではの体験です。

VRChatを非VRモードで遊ぶと、まあ普通の一人称ゲームと同じ感じになりますから、アバターが自分だと感じるというよりは、自分がコントローラでアバターを操作している（ラジコン）的な気分になります。

また、以前の記事でも書きましたが、VRでNPCを表示すると、こちらが何をしても期待するような反応を返してくれないので、NPCが人間では無くてハリボテである事が極めて強調されてシラケてしまいます。

ですが、VRSNSなら周りの人々は基本的に全員人間ですから、ちゃんと人間的な反応を返してくれます。例えばアニメの美少女みたいなアバターの人に話しかけると、普通にリアクションして応えてくれるでしょう。

何当たり前の事言ってんだと思うかもですが、アニメ美少女と”実際に”会話できる体験というのはこのような形でしか実現不可能です。
VRは現実と比較すると触覚も無いし、嗅覚も無いし、現実より視覚（グラフィックス）も劣化します。VRは現実と比較して何一ついい所がありません。（まあ現実だとわざわざ出かけて同じ場所に集まる必要がありますが、VRではその必要が無い！みたいな要素をメタは推してるみたいですが、そんなもん、だったらVRじゃなくてもZoomで会話なり会議なりすりゃいいじゃんって話です）
しかし、現実世界ではアニメ美少女と会話する事は不可能ですから、その点においてVRは現実を超えられます。
この際、その美少女の中身がおじさんだとか、そういう事は大して問題になりません。

いやまあ強いて言えばVRでなくても、YoutubeでvTuberのライブ配信に行ってコメント打って反応してくれることを期待するという方法でもアニメ美少女との会話は可能ですが、VRのような直接的なやり取りはできません。

アニメ美少女とお喋りしたいおじさんが二人いた時に、どっちが美少女役をやるんだ？みたいな話になるかもしれませんが、それならお互いがアニメ美少女アバターを着てVRChatで会話すれば、そこには完全にWin-Win関係が生まれます。

そういう訳ですから、自分のメタバースにVR対応が必要だとしたら、このような自分の理想のアバターへのなりきり、あるいはお互いにお互いが相手の理想のアバターになってあげる、みたいな要素を含む場合と言えるでしょう。

MetaのHorizonは、言っちゃあなんですがぶっちゃけアバターに魅力が感じられません。なんか下半身が無いし。

VRChatやclusterではユーザーが自由な3Dモデルをアップロードして自分のアバターに使えるのに対して、Horizonではそういう事が出来ません。

上でも書きましたが、VRでは良くも悪くも自分がアバターと一体化してしまいます。
ですから自分の理想のアバターが使える事は相当重要な条件になります。
VRで魅力のないアバターを使わせるのは、ユーザーをダメでつまらなくてダサい姿に変身させるのを強要する残酷な行為です。最低の自分に変身したい人なんて存在するのか？
こういう場合、むしろVRである事はかなりデメリットになります。

もちろん、自分以外のユーザーも残念なアバターなわけで、そんな人達とわざわざ会話したいと思うでしょうか？だったら現実世界で実際に会って話した方がよっぽどプレゼンスが高いです。

ちなみにVRのマーケット規模の話をすると、たとえばメタのQuest2は出荷台数が1000万台を超えたらしいです。

まあスマホに比べると市場規模は物足りないかもしれませんが、AR/VRヘッドセットは2020年から2021年にかけて出荷台数が1年で3.5倍も増えたそうですから、成長率が著しいです。

ですから今の内にVRをやっておけば、今後この成長に乗っかれるという戦略もまああるっちゃあるでしょう。

クライアントサーバモデル VS P2Pメッシュモデル

UE4やUnityでは同時に参加可能な人数は60人～100人という話をしてきましたが、これはUE4では組み込みのネットワーク機能を使った場合で、UnityではNetcode for Gameobject（NfG）やMirrorを使った場合の話です。

これらに共通するのは、クライアントサーバ型のネットワークを使っている事です。
つまり、サーバあるいはホストが責任持ってゲームの全ての処理を行い、他のクライアントはサーバと通信して同期してもらう仕組みになってます。

クライアントサーバ型ではゲームの全ての処理を負担するのはサーバなので、サーバに思いっきり負荷がかかります。ですから60～100人で負荷が頭打ちになります。

それに対して、P2Pメッシュ型のネットワークというものもあります。

P2Pメッシュ型ネットワークでは、全てのクライアントがそれぞれ他の全てのクライアントと接続してクライアント同士でやり取りしたりします。
サーバに負荷が集中しなくて済むので、クライアントサーバ型より収容人数を増やす事が可能です。

例えば、RustというUnity製のゲームはRaknetというP2Pメッシュ型のネットワークライブラリを使用しています。

https://garry.blog/rusts-networking

おそらくこのおかげでサーバが集中管理しなくて済むため、Rustではなんと300人でのマルチプレイが実現できています。

ところでそもそもUnityの初期のネットワーク機能だったNetworkViewは、実際は中身はRaknetのラッパーでした。

つまり、昔はUnityもP2Pメッシュ型を採用していたわけです。
しかし、UnityはUNET以降はP2Pメッシュ型を捨ててクライアントサーバ型に移行しました。
どうして負荷が分散できて便利なP2Pメッシュ型を捨てて、参加人数が頭打ちになりやすいクライアントサーバ型に移行したんでしょうか？
それについてはもちろん理由があって、それについては後の記事で書こうと思います。

MMOスケールの同時参加人数

さて、UE4やUnityでは普通にやると100人くらい、P2Pメッシュ型なら300人くらいまでならまあ同時参加できそうな事が分かりました。

ですが、そんなんじゃ足りないよ！
1000人くらい同時参加させたいよ！！
と思った場合、それは実現不可能なのでしょうか？

例えばMMO（Massively multiplayer online game：大規模マルチプレイヤーオンラインゲーム）では、大勢のプレイヤーが同じ世界に存在できています。
ウィキペによるとMMOでは大体数百人から数千人が同時参加できるようです。

UE4やUnityのネットワーク機能はMO（数人～数十人規模のマルチプレイ）を対象にしており、MMO規模のネットワークはサポートされてません。

じゃあゲームエンジンでMMO規模のマルチプレイは不可能なのか？と言うと、それを可能にするソリューションもあったりします。

例えば、monoAIテクノロジーが提供する、XR CLOUDです。

XR CLOUDには超大規模同時接続エンジンが搭載されており、大規模なイベント開催が可能だそうです。

このXR CLOUDを利用して開催されたNEOKETというバーチャル同人誌即売会イベントがありましたが、その時は同じ世界に1000人が参加できるとの事でした。

https://techable.jp/archives/147104

このXR CLOUDは完全なソリューションとして提供されており、ユーザはゲームエンジンを自分で触らなくてもmonoAIさんが諸々全部やってくれる形みたいです。
XR CLOUDは”そういうプラットフォーム”であって、XR CLOUDのプラットフォーム上でバーチャルイベントが開催可能というだけであって、自分のメタバースにXR CLOUDが組み込めるという訳ではない点に留意してください。
ちなみに料金的には100人参加のイベント開催で55万円～だそうです。参加者から一人当たり5500円以上徴収しないと元が取れないでしょう。

ちなみに、どのようにして1000人参加が実現できるのか？について、どうやら各クライアントに対してそのクライアントの周辺に存在する人達の情報だけを送っているらしいです。
つまり、1000人が同時に表示されるわけでは無くて、自分の近くの人達だけが表示されます。
まあ、どっちみち1000人全員表示しようとしても描画負荷の問題で無理な気がします。

ですから、NEOKETのような展示会的な使い方はできますが、音楽ライブで観客席1000人を満員に！みたいな使い方は難しいんでは無いでしょうか。

こちらの事例を見ると50人くらいは同時表示できてそうです。↓

さて、じゃあ自分のメタバースに組み込める形でMMO規模ネットワークマルチを実現できる方法は無いの？という話ですが、たとえばDiarkisというミドルウェアと言うかサービスがあります。

https://diarkis.io/ja

DiarkisでもFieldモジュールを使えばMMOスケールのマルチプレイが可能になるようです。

Diarkisにはクラウドプランとエンタープライズプランの２種類があります。
これらは要するにPhotonで言う所のPhotonCloudとPhotonServerの関係に似てます。

クラウドプランではDiarkis側でクラウドサーバを用意してくれてるので、そこに接続する形になります。詳しい料金体系は要問合せですが、通信量とかに応じて従量課金な気がします。
エンタープライズプランでは自前でオンプレミスサーバを建てて、そこにDiarkisのサーバソフトウェアをインストールする形になります。
クラウドプランではサーバ側のカスタムロジックが書けません。エンタープライズプランなら書けます。

DiarkisはUE4やUnity向けのSDKが用意されてるらしく、自分のメタバースにMMO規模のマルチプレイを組み込めます。

Diarkisが採用されている事例としては、たとえばプロジェクトセカイのライブ機能にDiarkisが使われています。

https://gamebiz.jp/news/294249

「Diarkisのおかげで同接10万人を実現した」そうですが、10万人と言ってもライブ会場に10万人が同時参加してるわけではありません。
プロジェクトセカイではライブの同時参加人数は100人までです。つまり同接10万人というのは実際には100人の部屋が1000個に分かれるような形になります。

ゲームエンジンでMMOを実現するアセット

Unityにはたとえば「uMMORPG」というMMOが作れそうなアセットがあります。

https://assetstore.unity.com/packages/templates/systems/ummorpg-51212?locale=ja-JP

このアセットでは同接500人が可能だと主張しています。
しかし、MMOと言いつつ、結局のところ１台の専用サーバ上で動作するもので、サーバのスケーリングに対応してない点に留意してください。

UE4には「MMO Starter Kit for Unreal」というアセットがあります。

https://codespartan.sellfy.store/p/fo6a/

こちらはバックエンドにmySQLデータベースを使用しており、ユーザーデータをデータベースに保存するだけちょっと本格的です。
しかし、やっぱりuMMORPGと同じで１台の専用サーバ上で動作しているに過ぎないようです。

ただし、こちらの「MMO API DSSLite」を組み合わせると、サーバのスケーリングが可能になるようです。↓

https://www.unrealengine.com/marketplace/ja/product/dsslite?sessionInvalidated=true

どういう仕組みか？というと、まず世界を細かいマップに分けて、ポータルを通ってワープできるようにします。
それで細かいマップごとにDSSLiteがそのマップのサーバインスタンスを起動してくれます。
細かいマップごとにサーバを分ける事で、同時参加マルチプレイ人数を疑似的に増やす事が可能になります。
DSSLiteはオートスケールしてくれますから、例えばあるマップの人数が満員だったらそのマップの新しいインスタンスを立ててくれたりしますし、逆に誰もいなくなったマップのインスタンスは閉じてくれたりします。

UE4では他にも「Open World Server」というアセットもあります。これはオープンソースで提供されてます。

https://github.com/Dartanlla/OWS

仕組みとしては先ほどのDSSLiteと同じような感じです。

さて、これらのアセットは、世界を細かく分割して、疑似的に同時参加人数を増やそう！みたいな発想であって、結局のところ同じマップで同時に参加してる人数を増やせるものではないようですね。

こういうユーザーが提供しているアセット類は、価格が安かったり無料だったりする分、厚いサポートが余り期待できないという問題があります。

最終的にはトラブルやら何やらは全て自分で解決するハメになるでしょう。
趣味でMMOの仕組みを勉強してみたい！という分には構わないでしょうが、ビジネスでガチンコでメタバース作るぞ！という時にこういうモノを採用するのはリスクがありますから、相当な覚悟が必要でしょう。

どちらかと言うとDiarkisやXR Cloudの方がコストはかかるかもしれませんがその分困った時は手厚いサポートが期待できます。

私は個人的にはゲームエンジン側でノーサポートなMMOゲームに素人が手を出すのはオススメしません。逆に言うとMMOは今のところゲームエンジン側でサポートできないほど厄介なシロモノだという事だからです。

ここまでのまとめ

このセクションではマルチプレイ同時参加人数について検討してみました。

100人くらいまでならゲームエンジンに用意されているネットワーク機能で何とかなります。（Photon Fusionは200人）

それ以上となると、P2Pメッシュ型ネットワークを使えば300人くらいまで可能らしいです。

さらにそれ以上の1000人とかで同時参加したければ、DiarkisのようなMMOスケールでの大規模同時マルチプレイエンジンが必要になるでしょう。

しかし、正直言って私が思うのは、「そんな大人数で同時参加できて本当に嬉しいんだっけ？」という事です。
せいぜい50人とか100人でもう十分ではないでしょうか？

というのも、ハッキリ言って私は現実世界で人が沢山いる事で嬉しいと思った事ってほとんど無いです。
ジムに行くときも、銭湯に行くときも、美術館に行く時も、人が空いてれば空いてるほど「ラッキー」と思いますし、混んでると「ついてない」と思います。
サウナに入場待ち行列が出来てた日なんかには、「最悪だ」と思いますね。
満員電車に乗って嬉しい人とかいますかね？

NEOKETが同時参加1000人を謳っていたのは、コミケみたいに沢山の人が集まれますよ！という話だと思いますが、そもそもコミケの人だかりって嬉しいもんなんですか？人が混んでると移動が大変だし、サークルを見て回るのも大変だし、目当ての同人誌が売切れたりしそうでデメリットしかなくないですか。単に見て回る分には会場がガラガラの方が嬉しいでしょう。
つまり、コミケに行かないと手に入らない同人誌とかの魅力的なコンテンツが集中している結果として、コミケには人が殺到しているわけで、その逆ではないでしょう。人が殺到しているからこそ嬉しいなんて事はないでしょう。

「でも音楽ライブとかは大人数の観客の一体感が大事でしょ？」みたいな意見があるかもしれませんが、本当にそうなんでしょうか？

例えば東京ドームでライブとかありますよね。

ドームでライブなんて、観客はアーティストの姿なんてこんなもんほぼ見えないでしょ。
5万人で参加する東京ドームライブより、100人くらいしか収容できないライブハウスでアーティストが目の前で歌ってくれる方が普通に考えて嬉しいような気がします。

ドームのライブなんてなるべく観客を詰め込みたい興行側の都合でやってるだけ…かもしれませんね。

ですから「千人とか1万人で同時参加できる音楽ライブができるメタバースを作ろうぜ！」とか言う話が上がってきたら、ちょっと冷静になって考え直してみるのもいいかもしれません。
興行側の都合で観客のプレゼンスを下げて（アーティストが遠すぎて見えない）まで大規模会場に押し込まれてしまう問題をどうしてバーチャルでわざわざ再現する必要があるんですか？という事ですね。
バーチャルなら1万人全員がそれぞれアーティストの目の前の特等席に座る事だって可能なはずなのに。

また、「フォトナが100人なら俺たちは1000人で同時参加できるバトロワ作ろうぜ！」みたいなアイデアも、だがちょっと待って欲しい。
1000人でバトロワして楽しいのか？という話があります。
というか、ただでさえ100人でもすでに多すぎるという話もあります。

だって、100人いたら最後まで勝ち残れる確率は、数字だけで言えば1%しかありません。
99%負けるゲームってどうですか？
「いや、そこはプレイヤーの腕次第じゃん！」と思うかもしれませんが、でも結局自分と同じくらいの腕前の人とマッチングするわけですから、やっぱり勝率は1%くらいでしょう。

さらにこれが1000人になれば、勝率0.1%になってしまい、勝利は絶望的になります。

「じゃあバトロワじゃなくて、二つの陣営に分かれて戦う形ならどうや！」という案も当然出てくるでしょうが、同時参加人数が増えるほど、プレイヤー１人当たりがゲーム全体の戦局を左右できる度合いは微少化されているので、あまりに人数が多いと「このゲーム、勝とうが負けようが、結局自分がいてもいなくても関係ねーじゃん」ってなってしまいがちです。

ちなみにApex legendsでは3人でチームを組んで戦います。最大20チームが同時参加します。
ですから、確率だけで言えば5%の確率で勝利できるので、これくらいが正解のバランスかもしれません。

そんなわけで、ゲームとかメタバースを作るにしても同時参加人数には上限がありますが、結局のところ参加人数が多ければ多いほど面白いモノなんてほとんど無さそうだぞ…という話があります。

とは言え、例えばclusterの加藤さんは、「セカンドライフが失敗したのは世界が広すぎて過疎ってるように見えるからで、その点clusterはイベントが開催されるごとにガッと集まってくる仕組みだから密にコミュニケーションできる」というような事を語られています。

https://jp.techcrunch.com/2017/04/04/cluster-will-launch-in-may/

なるほど。私は現実世界では人がいないほど良いと思うものの、セカンドライフでは人がいないとダメという事でしょうか。
まあ、セカンドライフにはコンテンツが”コミュニケーション”だけしかないのかもしれないですね。その場合、他人がいないとセカンドライフはノーコンテンツの虚無という事になります。

同人誌即売会や音楽ライブには、同人誌とかライブという核のコンテンツがあります。
ゲームはもちろんそのゲーム自体が核のコンテンツです。
ちなみにVRChatには一見核となるコンテンツはなんら存在しないように見えますが、上述したように、お互いがお互いの理想のキャラを演じ合って会話する事で、自らが最高のコンテンツと化してお互いに提供し合う形になってます。

そうして考えてみると、メタバースと言っても何となくイメージするような人々がコミュニケーションできる箱だけをポンと置いてもセカンドライフのように過疎ってしまう運命なのかもしれません。
箱だけあってもしょうがなくて、それよりも核となるコンテンツ、例えば音楽ライブ、同人誌即売会、アバター展示会などがあって、そこに人が集まって来て初めてコミュニケーションが発生する形に見えます。

それで言うと、一番強力なコンテンツってなんだったっけ？というと、それはやはりゲームでしょう。（最近clusterもゲームが作れるようになった）
そうして考えると、メタバースとして一番伸びそうなのはメタのHorizonみたいなコミュニケーションの箱みたいなものよりも、フォトナとかRobloxのようなゲームベースのものの方が有利に思えます。

というのも、少なくとも非ゲームよりもゲームの方がプレイヤー同士のコミュニケーションは容易です。例えばもしマイクラでバッタリ知らない他人と遭遇したとしたら、「今、羊毛が欲しいんだけど、肉と交換してくれない？」みたいな感じで自然に交易的なコミュニケーションが発生するでしょう。

人間のコミュニケーション自体、突き詰めると全てが交易的なんじゃないでしょうか。

しかし、バーチャル即売会では、正直言って大して他人と話す事はありません。特に交易するものが無いからです。
何のイベントでもない、セカンドライフの街角とかだと、なおさらでしょう。

つまり、メタバースを作るなら、単にアバターが表示出来て他人とコミュニケーションできれば一丁上がりでしょ？ではなく、どうやってコミュニケーションを促すか仕組みを考えないといけないでしょう。

現実世界で人がうじゃうじゃいても、大抵は邪魔なだけで何のメリットも無いので嬉しくありません。メタバースで人をうじゃうじゃ出すなら「何で他人がうじゃうじゃいると嬉しいんだろう？」という点を先に考えましょう。

まあたとえば自分が露天商だったらお祭りに人がうじゃうじゃ来てくれてる方がそりゃその方が儲かるから嬉しいでしょうけどね…。だからメタバースに経済（コマース）の仕組みが必要だ！って話になってるのかも。

つまり、究極的には人間のコミュニケーションは交易だ！とすると、メタバースをゲーム化してプレイヤーにゲームクリアなどの目標を与えれば、プレイヤー同士はアイテムの交換とかで自然に交易コミュニケーションが発生します。
あるいは、メタバースに経済を持ち込んで、プレイヤー同士が仮想通貨で買い物し合うような仕組みを入れれば、やっぱりそれは交易コミュニケーションをもたらしてメタバースを盛り上げてくれそうです。

いや、だったらどうせならメタバースがゲームでありつつ経済もあるのが一番いいのでは。私が今適当に考えた限りではこういうメタバースが一番ベストに思えますね。

経済があると、それぞれのプレイヤーは自分が露天商みたいなもんですから、人がうじゃうじゃいてくれた方が金づるが一杯いるんだから嬉しいです。
そして、交易がある事でプレイヤー同士のコミュニケーションは活性化するので、人がうじゃうじゃ集まってくるでしょう。

今考えた限りでは、このようなメタバースであれば、同時参加人数は多ければ多いほど嬉しい！って言えそうです。

さて、最近はUEでゲームを作るぞ！と連呼してる私ですが、ズボラな性質なので、手を動かすより先にマーケットプレイスで色んなアセットを物色（サーベイ）したりしてます。

今調べてるのはAI関係のアセットです。
UE4でAIというと、NPC全般の挙動を指します。例えば、プレイヤーキャラに付いてくる仲間キャラ、村に住んでいる村人、そして敵キャラなどです。

というわけで、今回の記事ではマーケットプレイスで見つけたAI関係のアセットについてざっくりと紹介していきます。

UEに用意されているAI機能

まずそもそも論として、UEには標準でAI機能が用意されてます。

https://docs.unrealengine.com/4.27/ja/InteractiveExperiences/ArtificialIntelligence/

UEではAIを実装するのにビヘイビアツリーを使います。
ビヘイビアツリーでは「もし○○だったら△△する」みたいな条件分岐のツリーを作成出来て、NPCキャラはビヘイビアツリーに沿って行動します。

例えば、警備員のAIを実装するとしたら、普段は決められたルートを巡回してますが、敵（プレイヤーキャラ）を発見したら追跡して攻撃する。みたいなロジックを作れるでしょう。

FF12でガンビットを使いこなせるような人ならビヘイビアツリーも使いこなせるでしょう。

UEのAIが使える３つの機能についても紹介します。

①ナビゲーションシステム

これはUnityユーザーにもおなじみのナビメッシュのヤツです。
事前に生成しておいたナビメッシュに沿ってNPCを移動できます。例えば迷路に沿ってNPCが移動して出口まで向かうといった事も可能です。
動かないマップに対してはナビメッシュで対処できますが、動き回る障害物や歩き回ってる他のNPCはどうやって回避するの？というと、対障害物相対速度（RVO）やDetour群衆マネージャ機能で実現できるそうです。
また、Navigation Invokerを使えばランタイムでナビメッシュを生成する事も可能です。
さらに、NavLink機能を使えばナビメッシュが繋がってない所でも手動でリンクできます。例えばNPCが高所からジャンプして下に降りるといった事が実現できます。

②Environment Query System（EQS:環境クエリシステム）

NPCが環境に対してクエリできるシステムです。
何のこっちゃ？というと、例えばNPCが「おなかが空いたなあ」と思った時に、神様（ゲームシステム）に対して、「一番近くに存在する食べ物の場所を教えてください！」とお願い（クエリ）すると、その場所を教えてもらえるのでそこに移動できる。といった事が実現できます。
ちなみに2015年くらいからある機能ですが、未だに実験的機能のままです。

[UE4] EQSで群れを動かす

UE4のEQS（Environment Query System）が楽しい

③AI Perception

NPCに聴覚や痛覚、視覚、触覚をもたせる事ができる機能です。
つまり、「何かが聞こえるぞ」とか「何かが見えたぞ」「何かに攻撃されたぞ」「何かにどつかれたぞ」といった時にトリガーが発行されて、それに対する反応を実装できます。

とまあ、このようにUEには元々便利なAI機能が実装されており、柔軟にAIを実装できる事が分かります。

「じゃあ何でマケプレには色んなAIアセットがあるんだろう？」という話ですが、UEのAI機能には問題があるっちゃあるからです。

まず、箱から出してすぐ使えるような敵AIとか味方AIが用意されてないっぽいので、自分でビヘイビアツリーの使い方を勉強してAIを実装する必要があります。
それがまあ面倒という話があります。

他にも、例えば味方のNPCに梯子の上まで付いてきて欲しい時に、どうやってNPCに梯子を上らせるのか？みたいなシチュエーションは標準機能だけでは解決できません。
どうするべきかググったら、梯子の下と上をNavLinkで繋げて、梯子の下までNPCが来たら、一旦ナビメッシュでの移動を止めて自力のロジックで梯子を上らせて…みたいな、まあ色々工夫すればできるという話ですがやっぱり面倒です。

How would you add ladders to navmesh based movement?

というわけで、マケプレのAIアセットに期待するのは、標準機能よりサクッと簡単に、かつ色んなシチュエーションに対処できるNPCが作れる機能という事になるでしょう。

鉄板のAIアセット「AI Behavior Toolkit」

https://www.unrealengine.com/marketplace/ja/product/ai-behavior-toolkit

マケプレには色んなAIアセットがありますが、やっぱり鉄板に見えるのはこのAI Behaviour Toolkitです。
評価数180で価格は100ドルです。

まず、箱から出してすぐ動作する市民NPCや味方NPC、敵NPCの例が色々用意されてます。
RPG的なNPC以外にも、シューターゲームの敵AIの例もあります。

他にも、飛行するAIの例や、NPC同士が会話、交流したり日常生活を送る例、パルクールの例ではNPCが障害物をジャンプしたり、登ったり、しゃがんだりして突破します。
ゾンビAIや水中を泳ぐ魚AIの例まであります。

先ほど問題になった、どうやってNPCに梯子を上らせるか？という話も、このアセットでは梯子を上る機能が用意されてます。

という訳で、このアセットを使うとUE標準よりもサクッと簡単に、かつ色んなシチュエーションに対応できるNPCが作れそうです。

他にも、マルチプレイヤーゲームもサポートされてます。

ALS(Advanced Locomotion System)の組み込み方についてのチュートリアル動画もあります↓

という訳で、NPCが作りたいならまずはこのアセットを試してみて、足りなければ標準機能や他のAIアセットにも手を出してみる…という流れが良いのではないでしょうか。

「GOAP NPC」

https://www.unrealengine.com/marketplace/ja/product/goap-npc-goal-oriented-action-planning-for-non-player-characters/questions

これはビヘイビアツリーとは違ったGOAPという方法でNPCのAIを実装できます。
評価数は35で価格はなんと無料です。

GOAP（Goal Oriented Action Planning：目標志向アクションプランニング）とは何か？というと、目標を与えると、その目標を達成するために、AIが知っている手段を組み合わせて計画を立てて行動してくれるみたいなヤツです。

例えば、おなかが空いたAIは、お腹を満たそう！という目標を立てます。
お腹を満たすためには何かを食べる必要があるので、じゃあプリンを食べよう！という行動を決めたとします。
しかし手元にプリンが無いので、プリンを手に入れる必要があります。プリンを手に入れるには買うとか作るとかしないといけません。じゃあプリンを作ろう！
プリンを作るにはレシピが分からないといけないので、レシピを調べよう！
レシピが分かったら材料を集めよう！

みたいな感じで、目標から逆算して行動計画を立てて実行してくれるものだそうです。

ビヘイビアツリーは複雑すぎるしメンテが大変だから、GOAPの方がいいよ！という話だそうです。
GOAPが実際のゲームで使われてる有名な例としては、例えばF.E.A.Rで使われてるそうです。

キャラクターAIを成長させるためのGOAP意思決定システム

「UtilityAI with Replicated Weapon, Stat, and Status Effect Systems（武器、ステータス、エフェクトの各システムを再現したUtilityAI）」

https://www.unrealengine.com/marketplace/ja/product/utilityai-with-replicated-weapon-stat-and-status-effect-systems

これまたビヘイビアツリーとは異なるユーティリティAIという方法でAIを実装しています。
評価数は29で、これまた価格は無料というかオープンソースソフトウェアです。

ユーティリティAIでは、NPCは自分が一番満足度が高くなるような行動を取ります。
例えば、NPCに20万円あげるとします。服が好きなNPCは、20万円もらったら服を買うのに使うでしょうし、パソコンが好きなNPCはパソコンを買うのに使うでしょう。

なんかそんな感じでそれぞれのNPCに個性を持った行動を取らせる事が可能らしいです。

【UE4】Utility Based AI（プロジェクト付）

「Vis AI」

https://www.unrealengine.com/marketplace/ja/product/visai-companion-an-ai-framework

これは高度なAIが作れるアセットだそうです。
これまた最近永久無料化しました。評価数は21です。

このアセットが何がどうすごいのか、最初はサーパリ分かりませんでしたが、ドキュメントによると、これまでに挙げたビヘイビアツリーとGOAP、それからユーティリティAIを全て組み合わせて使えるから高度で柔軟なAIが作れるんだと、まあ要するにそういう話みたいです。

そういう感じで凄いらしいVisAIですが、あんまり使われてないみたいなので出回ってる情報が少ないです。

あと、無料とは言え、仲間NPCを作りたい時は「Vis AI -Companion-」という130ドルの別バージョンのアセットも必要になります。

しかももうすぐVer2.0が出るらしく、この無料アセットは2.0にはアプグレできないから2.0を買わないとメンテがされなくなる気がします。

他の目ぼしいAIアセット

NPC最適化系アセット

AI付き単発生物系アセット

AI付きの生き物の３Dモデル系のアセットです。

その他AIアセット

その他のAIアセット類です。せっかくなので網羅的にするためにあまりよく分かってないアセットも諸々掲載してみます。説明の文章は概要欄の文章を機械翻訳しました。